El fenómeno del arte pop, principalmente asociado al mundo angloparlante, también encontró una fuerte expresión artística en Alemania durante las décadas de 1960 y 1970. Además de motivos de la vida cotidiana y el mundo del consumo, el arte pop alemán se caracteriza por críticas al espíritu político de la época, posturas antibélicas y una reconciliación con el pasado. Estas obras suelen asociarse con movimientos y asociaciones como Fluxus, ZERO o el realismo capitalista, pero su expresión roza el arte pop. Sobre todo, los artistas alemanes de este período persiguieron el principio de la democratización radical del arte con una constancia impresionante. Mediante el uso del grabado, la edición y los múltiples, llegaron a un público amplio.

La excepcional colección del abogado de Düsseldorf Heinz Beck, albergada en el Museo Wilhelm Hack de Ludwigshafen, ofrece un panorama completo de las expresiones alemanas del arte pop. Resulta evidente que no tiene por qué rehuir las comparaciones internacionales.

Desde mediados de la década de 1990, el genio universal Udo Lindenberg ha creado una extensa obra con gran valor de reconocimiento. La familia humana vive unida en una coexistencia pacífica, llena de amor y alegría. En la pantalla aparecen astronautas y vampiros, así como el detective Coolman, Elli Pyrelli, Rudi Ratlos, la familia Cod y el profesor de piano. Y por encima de todo esto despega el cometa.

El brillante y polifacético artista, que hizo historia en la música como cantante y creó una obra idiosincrásica, colorida y orientada al cómic y a los dibujos animados como pintor e ilustrador, se presenta en todas sus facetas en esta exposición muy completa. Temas serios como el ciclo sobre la obra principal de Goethe Faust, la discusión de la Biblia Licitación o su clara postura política en la lucha contra el sentimiento de derecha –con la Cabezas de idiota Se ha creado una especie aparte: junto a los animados desnudos se encuentra el Andrea Doria navegante.

La línea de contorno negra define sus figuras y permite reconocer al maestro por sus trazos. Musas y diosas forman parte del equipo permanente, al igual que el propio panicker: sombrero y gafas de sol son sinónimos. Con Likörellen, Lindenberg ha encontrado su propia técnica, cuyo nombre ha patentado. La amplia gama de colores es sorprendente: licor de plátano para un amarillo oscuro, licor de huevo para un amarillo claro, licor de menta para el verde, licor de cereza para el rojo o Blue Curaçao para el azul.

Lo singular es que la exposición, con dibujos y bocetos muy tempranos e inéditos, permite comprender el desarrollo de su estilo poco convencional. Ya en el album dinámico A partir de 1979, Udo se dibuja a sí mismo en la portada interior del álbum. Martilleo de los dioses En 1984 incluyó un cartel dibujado con líneas de contorno puras. De los udogramas surge un cosmos fantástico con el presidente del pánico en la cima.

La Fundación Brost hace posible esta exposición de arte única de las obras de Udo Lindenberg. Su misión es apoyar proyectos que se centren en la región del Ruhr y que tengan un impacto mucho más allá. Prof. Bodo Hombach, presidente del Consejo de Administración de la Fundación Brost: «La Fundación Brost apoya proyectos del talentoso Udo Lindenberg en y para la región del Ruhr. La atribulada región del Ruhr necesita aliados fuertes. Los mensajes de Lindenberg son creíbles porque son auténticos. Tienen impacto. Su autoridad trasciende generaciones».

Udo Lindenberg, con raíces arraigadas en Renania del Norte-Westfalia: "¡Sí! El universo de Udo se estrella contra el corazón de la región del Ruhr como un cometa. Udo regresa a casa, a Renania del Norte-Westfalia. Mis hijos, mis pinturas, pueden mudarse al magnífico Castillo de Oberhausen, como toda la historia de Panik".

Gracias a la Fundación Brost, todo el conjunto arquitectónico de la LUDWIGGALERIE puede dedicarse por primera vez a un artista: Pequeño castillo presenta en exclusiva la biografía de Lindenberg basada en sus obras musicales y espectáculos. Desde sus inicios como baterista en NRW hasta su éxito número 1 Komet¡Todo el Udoverse se hace visible en la región del Ruhr!

Puede encontrar más información sobre la oferta educativa del museo y el programa de apoyo que acompaña a la exposición en www.ludwiggalerie.de.

La LUDWIGGALERIE cuenta con el apoyo de los Amigos de la Galería. El socio cultural de la LUDWIGGALERIE es WDR 3.

La reconocida fotógrafa Angelika Platen lleva más de cinco décadas creando retratos inquietantes y sensibles. Con un sentimiento extraordinario por los artistas jóvenes, aspirantes y ahora famosos, fotografió la escena artística en ferias e inauguraciones de exposiciones en los años 1960 y principios de los 1970. A principios de la década de 2000, después de un largo descanso, recurrió cada vez más a artistas femeninas. Mentalmente provocado por el Yo tambiénEn este debate, reflexiona sobre por qué solo fotografió a unas pocas artistas femeninas cuando era joven. Decide concentrarse únicamente en retratos de mujeres durante un año para compensar este descuido en su obra fotográfica.

La exposición mis esposas está dedicado a varias generaciones de artistas nacionales e internacionales, como los retratos de Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Monica Bonvicini y Pola Sieverding, con fotografías intensivas y de primeros planos, tanto documentales como artísticas. Títulos inspiradores y poéticos siempre complementan sus grabaciones.

Angelika Platen, nacida en Heidelberg en 1942, trabaja como fotógrafa independiente para medios impresos y periodista para el tiempo y dirigió la galería Gunter Sachs en Hamburgo de 1972 a 1975. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1969. Sus retratos fotográficos han sido ampliamente publicados y forman parte de colecciones públicas en museos nacionales y europeos.

Vicco von Bülow, alias Loriot, es uno de los humoristas más importantes de Alemania. Sus famosos hombres de nariz bulbosa y sus pegadizas palabras como “Dios mío” o “Antes había más oropel” ya forman parte de la memoria cultural.

La exposición se centra en Loriot como artista en particular y presenta dibujos originales desde su infancia y juventud hasta sus últimos trabajos. Gracias a su aguda capacidad de observación, el humor de Loriot apunta directamente a la imagen que la sociedad pequeñoburguesa tenía de sí misma entre los años 1950 y 1980 y, literalmente, le acerca un espejo.

Numerosas obras, en palabras e imágenes, desarrollan su propia comedia y se convierten así en testimonio de la mejor crítica social. Pero el programa también destaca su trabajo como escritor, actor y director. No deberían faltar Wum y Wendelin, el pato y los Hoppenstedt. Un tema también cuenta cómo surgió una exposición de Loriot en su ciudad natal, Brandenburg an der Havel, en 1985, en una época en la que no era un hecho que los artistas de Alemania Occidental fueran reconocidos en la entonces RDA.

En colaboración con el Museo de la Caricatura de Frankfurt y el Museo Municipal de Brandenburg an der Havel, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen muestra dibujos, fotografías, bocetos, correspondencia, guiones, maquetas y extractos de películas de todos los períodos creativos de Loriot.

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Ideales de belleza, sexualidad y relación con el propio cuerpo, estereotipos de género, identidad, igualdad y tabúes sociales, conflictos y relaciones generacionales, sentimiento de (impotencia), vergüenza y libertad de elección, después de más de cien años de la lucha de las mujeres. movimiento, estos temas siguen siendo muy relevantes.

Franziska Becker, Julia Bernhard, Lisa Frühbeis, Mia Oberländer y Paulina Stulin abordan estos temas de forma única en sus narraciones fotográficas. Utilizando estilos y formatos individuales, los cinco ilustradores visualizan historias de la vida real desde una perspectiva femenina. Sus protagonistas rompen con los modelos tradicionales y cuestionan así las expectativas sociales de las mujeres. Con una mirada aguda y una ligereza impresionante, los artistas retratan los problemas cotidianos y llevan con humor al extremo el juego de los roles de género.

Utilizando dibujos originales desde la década de 1980 hasta la actualidad, la exposición muestra cómo los ilustradores exponen patrones internalizados de pensamiento y comportamiento en sus cómics. Sus personajes femeninos derrochan autenticidad e invitan a pensar, reír y empatizar. La gama de trabajos presentados abarca desde impresionantes imágenes individuales hasta secuencias de imágenes en serie de columnas de cómic y novelas gráficas.

Con su doble talento, como autor de dibujos o como ilustrador, Walter Moers inventó personajes diferentes como ningún otro en Alemania y contó sus historias con humor y sutileza. El marinero Capitán Oso Azul, cuyos cuentos no sólo divierten hoy en día a los niños, el humor negro a veces profundo que emana del personaje cómico de culto de los años 1990, el imbécil políticamente incorrecto o el increíble nuevo continente de Zamonia Moers. trata con su alter ego Hildegunst von Mythenmetz con la mayor soltura y una comedia sutil, a veces extraña equipado. Un cosmos del arte del cómic como ningún otro.

Todos estos personajes e historias se presentan en dibujos, títeres y animaciones originales prestando especial atención al especial sentido del humor de su creador. Moers no se limita a caricaturizar las operaciones de los museos con imbéciles en petróleo. ¡Promete ser un recorrido divertido!

La exposición está patrocinada por la Stadtsparkasse Oberhausen y la Círculo de amigos de la LUDWIGGALERIE. es un socio cultural IDM 3.

folleto de exposición

Saludos de Walter Moers

¡Damas y caballeros!

En primer lugar, me gustaría agradecerle mucho todo el cariño y aprecio que ha demostrado hacia mí y mi trabajo y que ahora se ha plasmado en esta exposición.

Me gustaría agradecer especialmente a Christine Vogt y a su maravilloso equipo el esfuerzo y trabajo que supone una exposición así. En cada minuto de la colaboración sentí el entusiasmo con el que trabajamos todos aquí en la Ludwiggalerie. Y me gustaría agradecer a toda la comunidad de la ciudad aquí en Oberhausen, que les permite ver todo mi trabajo conmigo y yo con ustedes y preguntarse: ¿De qué hay de qué reírse?

Los museos son generalmente lugares donde las cosas se ponen bastante serias. Allí se cuidan importantes bienes culturales, a veces se recuerda el pasado e incluso se llora el duelo.

Cuando pensamos en museos, nos vienen a la mente imágenes de personas caminando con paso mesurado a través de salas silenciosas, deteniéndose ocasionalmente en silencio frente a una obra de arte o un objeto de exposición y hablando de ello en voz baja. En los museos no suele haber risas. ¿Por qué en realidad?

Entonces, en las conversaciones entre Christine Vogt y yo, surgió la idea de un MOERSEUMS como un lugar donde la risa no sólo debería permitirse expresamente, sino incluso curarse, incluso provocarse. Donde, entre muchos otros aspectos, se debe cultivar y poner en el centro el humor creativo en todas sus manifestaciones formales y de contenidos. Un lugar donde no sólo te encontrarás con arte ilustrativo de una manera interesante, sino también entretenido de una manera divertida.

Por supuesto, hasta ahora esto es sólo una idea, sólo un deseo piadoso que tiene que pasar por muchas etapas y superar obstáculos antes de poder cumplirse. Por tanto, esta exposición sólo puede ser el comienzo de un proyecto de esperanza.

Espero que a partir de esta noche haya tantas risitas, resoplidos y tal vez incluso alguna que otra risa desinhibida en este castillo. Estoy feliz de esperar hasta que venga el médico. Porque entonces sabríamos que vamos por buen camino con nuestra idea.

Con esto en mente, le deseo a usted y a todos los visitantes que se diviertan esta noche, según la nuestra.
Lema:

HAGA RÍE – ¡NO GUERRA!

Atentamente, Walter Moers.

No sólo desde el Brexit el mundo ha mirado críticamente al estado insular más grande de Europa. Casi ningún otro país del mundo está sujeto a tantos clichés como Gran Bretaña. Sin embargo, las pintorescas costas del sur de Inglaterra, la familia real y Mister Bean no pueden ignorar la dramática realidad que el país ha tenido que afrontar durante décadas: agitación social y social, alto desempleo, inestabilidad política.

En esta exposición, 28 fotógrafos británicos de tres generaciones iluminan estos y otros temas de gran actualidad como la crítica social, la migración, la identidad de género, la comunidad y la diversidad en obras seriadas. Las historias detrás de las fotografías están indisolublemente ligadas a las personas representadas en ellas o a las experiencias personales de los fotógrafos.

Con las primeras fotografías en blanco y negro de los años 1970, documentan la vida cotidiana en la gran ciudad y en la costa. En los años 1980 y 1990, los fotógrafos rompieron con la fotografía documental clásica y se abrieron a una perspectiva artística y a un lenguaje visual propio, que presentaban de forma humorística y satírica. Desde los años 2000 hasta hoy, las posiciones femeninas más jóvenes han recurrido a la fotografía como medio artístico y, entre otras cosas, procesan cuestiones personales de identidad o los efectos de la pandemia de la corona en (auto)retratos impresionantes.

Las 28 fotógrafas están unidas por su deseo incontenible de autonomía artística y social junto a sus colegas masculinos.

Con 220 obras de 29 series, la exposición lo demuestra de manera impresionante. Está comisariada por Ralph Goertz en cooperación con IKS PHOTO.

Hipgnosis, el legendario estudio de diseño fotográfico británico fundado por Aubrey Powell y Storm Thorgerson, diseñó más de 1967 portadas de discos para bandas y músicos internacionales entre 1984 y 400, algunas de las cuales han alcanzado ahora el estatus de ícono en la historia de la música.

La mítica portada del disco The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, creada por Hipgnosis, acaba de cumplir 50 años. Los dos diseñadores, amigos de Pink Floyd, están creando más versiones para la banda. Los famosos motivos de los LP Houses of the Holy y Presence de Led Zeppelin, Elegy de The Nice y Deceived Bands de 10cc también fueron diseñados por ellos y ahora son mundialmente famosos.

Powell y Thorgerson nombran su estudio después de una letra que se dice que Syd Barrett de Pink Floyd pintó sobre la puerta de su estudio. Inmediatamente les gusta la combinación contradictoria e irónica del significado de hip (nuevo, moderno, moderno) y gnosis (en griego antiguo significa conocimiento). Sus ideas de diseño son igualmente paradójicas y divertidas. También llama la atención que rara vez trabajan con retratos de los músicos. Muchas carátulas de LP están claramente inspiradas en obras de arte surrealistas y contienen momentos enigmáticos que invitan a una segunda mirada. Algunos motivos se crearon mediante experimentos con la técnica Polaroid, otros mediante asociaciones con los títulos de los álbumes. Hay historias enteras escondidas detrás de las grabaciones finales.

La exposición los explora reuniendo los diseños más importantes del dúo y presentándolos de manera impresionante en más de 120 impresiones artísticas y fotografías limitadas de gran formato. También se exponen más de 20 carátulas de discos originales. Estas exhibiciones se complementan con el nuevo documental Eclipse de Aubrey Powell para Pink Floyd con motivo del 50 aniversario de The Dark Side of the Moon, así como un paseo sonoro que da vida a la música.

Una exposición de la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen en colaboración con Browse Gallery Berlin. La exposición está comisariada por John Colton, Browse Gallery Berlin y el fundador de Hipgnosis, Aubrey Powell.

Viaja a través de la fantasía a lomos del afortunado dragón Fuchur, conoce a la emperatriz infantil, siéntate en el ático con Bastian, acompaña a Momo en su huida de los ladrones del tiempo, prepara el ponche de deseos satanarqueoliancoinfernal o vive una aventura con Jim Knopf y Lukas. Estas historias mundialmente famosas han inspirado y conmovido a personas durante décadas. La fantasía y la realidad siempre chocan y una cosa está clara: ¡nunca es demasiado tarde para sumergirse en las obras maestras de Michael Ende!

Los ilustradores y dibujantes más diversos han traducido el cosmos literario de personajes fantásticos y figuras heroicas de Ende en mundos visuales. FJ Tripp, que también dio forma al ladrón Hotzenplotz de Otfried Preußler, crea iconos del arte del libro con Jim Knopf, Lukas y Emma. Regina Kehn desarrolla el loco conjunto de personajes de Wunschpunsch y Roswitha Quadflieg le da a la Historia Interminable las iniciales legendarias. Con motivo del 40 aniversario del libro, es el artista Sebastian Meschenmoser quien da una nueva apariencia a esta historia mundialmente famosa. Las coloridas pinturas al óleo resultantes se pueden ver en la exposición.

Los artistas también presentan una amplia variedad de estilos de dibujo, técnicas y lenguajes visuales, de modo que la impresionante descripción muestra no sólo la extensa obra de Michael Ende, sino también íconos del arte de la ilustración. Con más de 300 dibujos originales, pinturas y ediciones de libros, este magnífico mundo de imágenes se puede descubrir por primera vez en una exposición en Oberhausen.

Además, una zona de exposición independiente con pinturas y dibujos está dedicada al pintor y padre de Michael Ende, Edgar Ende. Los héroes Michael Endes también estarán invitados como títeres del Teatro de Marionetas de Düsseldorf.

Muchas de las historias de Ende se han trasladado a otros medios: audiolibros y obras de teatro, adaptaciones de teatro, teatro musical y espectáculos de marionetas, películas y dibujos animados, así como productos de merchandising, también atestiguan la inmensa popularidad de los personajes.

La exposición cuenta con el apoyo de la Stadtsparkasse Oberhausen y los Amigos de la LUDWIGGALERIE. El socio cultural es WDR 3.

¡La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen celebra sus bodas de plata e invita a una concentración de su colección homónima a la región del Ruhr! Por primera vez, la exquisita y original colección de porcelana de Peter e Irene Ludwig se presenta ampliamente en Oberhausen, con un tema que encaja perfectamente aquí: la representación de las profesiones.
La pareja de mecenas de Aquisgrán colecciona porcelana desde hace décadas y disfruta especialmente de la representación de las actividades humanas. En particular, al siglo XVIII le encantaba mostrar al granjero y al curandero, a la pastora y al sastre, al sombrerero y al maestro de danza, a la Aguileña y al soldado en la más fina porcelana de Meissen.
Estos oficios inferiores se utilizan como grandes adornos de mesa para divertirse en celebraciones aristocráticas. A la sociedad cortesana le encantan los bailes de máscaras y las fiestas rurales, las llamadas fêtes champêtres, y le gusta vestirse en ellos con trajes de pastora y pastora.
Las preciosas porcelanas asumen el papel de inspiración para el entretenimiento en los banquetes. Pero las escenas y grupos de figuras también pueden ir más allá de la representación real. El segador es la personificación del verano y puede representar un agradecimiento por una cosecha abundante. En conexión con otros
Figuras se convierte en el símbolo de la tierra entre los cuatro elementos. En el ciclo estacional simboliza el verano. Estas ambigüedades permiten que los personajes se utilicen de muchas maneras. Hoy en día este “oro blanco”, como también se llamaba a la porcelana, se conserva en Bamberg.
Además de un reconocimiento a Peter e Irene Ludwig, también se hace una mirada retrospectiva a los últimos 25 años. Se realizaron numerosas exposiciones con fondos de la extensa colección de Ludwig, así como presentaciones sobre cómics y caricaturas, fotografía y los monumentos más importantes de la región del Ruhr. Se otorgará lo mejor durante el tiempo de ejecución.

Con Barbara Klemm, la LUDWIGGALERIE presenta a uno de los fotógrafos más importantes de la posguerra. Sus impresionantes imágenes en blanco y negro documentan personas y acontecimientos en Alemania y el mundo durante más de cinco décadas. Klemm trabajó como fotógrafo editorial para el periódico Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ de 1970 a 2005 y viajó no sólo a la dividida Alemania, sino también a cuatro continentes.

Muchas de sus fotografías son hoy consideradas iconos de la historia de la fotografía y representan momentos históricos como las revueltas estudiantiles, el beso fraternal socialista o la reunificación.

Al crecer en una casa de artistas (su padre era el pintor de Karlsruhe Fritz Klemm), aprendió desde temprana edad un ojo especial para la composición y la estructura. Muchas de sus producciones reflejan un buen conocimiento de la historia del arte y un trato empático con las personas. Sus retratos de artistas la identifican como una gran retratista.

Cuando la estadounidense Linda Eastman (1941-1998) comenzó a fotografiar a mediados de los años 1960, inmediatamente cayó en la escena del rock y el pop. Una invitación a la prensa abre las puertas a la fiesta promocional de los Rolling Stones en el Pantera marina SS en el río Hudson. Aquí comienza su inusual carrera: “Esos eran los días en que Jimi Hendrix vino a mi apartamento de la nada y fui a cenar con Jim Morrison en Chinatown. Una vez compré mantequilla de maní para un banquete de medianoche con Janis Joplin, otra vez viajé en metro por la ciudad con Jackson Browne. Ella también conoció a los Beatles y, por tanto, a su futuro marido, Paul. Ella observa la creación de la famosa portada. Abbey Road, que acaba de celebrar su 50 cumpleaños y ofrece una mirada íntima a la vida familiar de los McCartney.

Pero, sobre todo, sus fotografías de las grandes estrellas de la música de finales de los años 1960 todavía dan forma a nuestra memoria visual de esta época, liberada de la etiqueta moral. Janis Joplin y Jimi Hendrix, Nico y Brian Jones, The Doors y The Who, Aretha Franklin y Bob Dylan son retratados por ella con naturalidad y, a menudo, con gran dinamismo. La exposición utiliza fotografías de los años sesenta para mostrar momentos inquietantes de esta intensa era musical.

Además de las fotografías, se aborda intensamente el tema de la música y su expresión artística visual. El diseño de las portadas de los discos, que también cambió radicalmente desde mediados de los años 1960, se presenta en una zona expositiva separada. Diseños icónicos como el de Hipgnosis El lado oscuro de la Luna para Pink Floyd, Klaus Voormanns Revólver para los Beatles o Andy Warhols Sticky Fingers Porque los Rolling Stones tienen hoy un estatus de culto. Un paseo sonoro creado especialmente para la exposición permite a los visitantes sumergirse musicalmente en los años 60.

Linda McCartney llevó su cámara a todos sus viajes. Su Obras de carretera Mostrar expresivamente las observaciones de personas y espacios. Una y otra vez lo fascinante es mirar por el espejo retrovisor. Y finalmente, McCartney también se volvió creativo en el campo experimental. Su huellas solares muestran imágenes expuestas a la luz del día, al sol, que van desde naturalezas muertas hasta retratos.

La exposición se desarrolló en colaboración con la “Reichelt und Brockmann Art Foundation” de Mannheim.

“Mi territorio es el territorio” es el lema del fotógrafo Manfred Vollmer, radicado en Essen, desde hace décadas. Y sin embargo su interés y su trabajo fotográfico van mucho más allá. Su primer gran proyecto, su tesis final en la Folkwangschule de Essen, lo llevó a finales de los años 1960 a Italia, donde capturó con su cámara las costumbres inusuales de las fiestas religiosas locales. Desde 1970 ha trabajado como fotógrafo independiente, principalmente para semanarios, diarios y sindicatos. Su trabajo es tan convincente (y esto todavía se puede comprobar hoy en día) que por ello ha recibido un premio. En 1978 viajó a Bretaña para informar como reportero fotográfico sobre el derrame de petróleo provocado por el naufragio del petrolero estadounidense Amoco Cádiz. Por esto recibió el primer premio en el Concurso Mundial de Fotografía de Prensa de 1979 en la categoría “Historias de imágenes periodísticas”.

Pero sus fotografías de la cuenca del Ruhr, sus reportajes participativos sobre los conflictos laborales de los años 1980, su acompañamiento a los trabajadores de diversas industrias y su preocupación por las condiciones de vida de los llamados trabajadores invitados son en realidad los elementos más formativos de su obra. Cuando en 2010 la cuenca del Ruhr se convirtió en capital cultural, con sus fotografías, a veces monumentales, contribuyó a una nueva imagen de la cuenca del Ruhr y creó iconos que aún hoy representan el cambio estructural y cultural de la región. La LUDWIGGALERIE dedica ahora un repaso de su trabajo a este importante buscador de imágenes.

Chimeneas humeantes, desiertos industriales, trabajadores en huelga: numerosos temas de la región del Ruhr se encuentran y se encuentran en las fotografías, pinturas y gráficos de Rudolf Holtappel y Walter Kurowski. Los dos patrimonios artísticos enriquecen la colección LUDWIGGALERIE desde 2017, ya se han presentado individualmente en retrospectiva y ahora se enfrentan por primera vez directamente en una exposición conjunta.

Los temas centrales de los dos artistas también se muestran en salas monográficas independientes. Toda la amplitud artística de Rudolf Holtappel se presenta a través de motivos de fotografías de grandes almacenes, tomas de teatro y escenarios industriales. Carteles, caricaturas y dibujos demuestran la diversidad de la obra de Walter Kurowski.

El cronista de la región del Ruhr Rudolf Holtappel (1923-2013) trabajó como fotoperiodista y fotógrafo independiente después de completar su maestría en fotografía en 1950. Con sus imágenes, el residente de Oberhausen moldeó durante décadas la imagen del grupo de grandes almacenes Karstadt (1964-1995) y de numerosas empresas industriales del Rin y del Ruhr, entre ellas Henkel (1974-2002). Sus fotografías influyen en la imagen del Teatro de Oberhausen en la época Büch (1961-1970) y Weise (1992-2003), así como en los volúmenes sobre paisajes urbanos de editoriales de renombre (Carl Lange Verlag/Mercator-Verlag).

Como leyenda cultural y único artista de la ciudad de Oberhausen, Walter Kurowski (1939-2017) conmovió la escena artística y musical de la ciudad durante más de 50 años, pintando y dibujando en su memoria. El galardonado graduado de la Folkwangschule luchó con su arte como uno de los caricaturistas más importantes de Alemania en los años 1970 y 1980 junto a los trabajadores por la paz y la justicia y contra la opresión y la explotación. Como diseñador de carteles, recibió durante décadas encargos para eventos culturales, organizaciones políticas y sindicatos.

Más de 50 dibujantes de cómics de países de habla alemana abren sus cajones y ofrecen información sobre material inédito. ¡En la exposición podrás descubrir alrededor de 300 fotogramas con 500 dibujos que nadie ha visto nunca antes! Los recién llegados se encuentran con ilustradores conocidos y famosos y lo dejan claro: todos tienen proyectos que hasta ahora no han terminado. Algunos fueron rechazados o incluso censurados por el editor. A veces faltaba tiempo y ocio para llevar a cabo ideas de proyectos y asuntos del corazón hasta su finalización. Otras historias, sin embargo, están terminadas y listas para imprimirse en grandes cantidades.

Esta recopilación de diferentes géneros cómicos, estilos de dibujo y movimientos ofrece una visión profunda de la historia del cómic en lengua alemana. Los originales históricos, como las historias ilustradas publicadas póstumamente por el pionero del cómic Wilhelm Busch, representan los primeros ejemplos del arte secuencial de los años 1930 de Erich Ohser que señalan la difícil situación del cómic en aquella época. Fichas inéditas de importantes pioneros como Willi Kohlhoff y Hansrudi Wascher ilustran el avance de las revistas pequeñas en los años 1950 y allanaron el camino para grandes del cómic como Isabel Kreitz, Ulli Lust y Ralf König. Werner, de Brösel, ofrece entretenimiento de masas de los años 1990.

La diversidad con la que se presenta el panorama del cómic actual hace que se desdibujen géneros, géneros, estilos y métodos de publicación. No es necesario que existan límites y el contenido ya no se puede clasificar en categorías fijas como acción, fantasía u western. Matthias Schultheiss dibuja un retrato de gran formato de Adolf Hitler durante la Primera Guerra Mundial, mientras Sheree Domingo plantea cuestiones sobre la edición genética y la protección del clima. A través de Atak y Fil, el Fausto de Goethe experimenta una forma de expresión completamente nueva, tanto visual como lingüísticamente, y Nicolas Mahler lleva nuestra sociedad del comentario al absurdo con una serie humorística. ¡Descubre obras maestras ocultas que cuentan un poco de historia de los cómics y un poco de historia del mundo!

La exposición temática de una sola sala sobre el motivo de la Piedad trinitaria en la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen, que luego se expondrá también en el Suermondt-Ludwig-Museum Aachen, tiene como punto de partida cinco esculturas tardomedievales del museo de Aquisgrán. Entre ellas se encuentra una pieza de Suabia de la colección de Peter e Irene Ludwig, que fue transferida a la colección municipal de Aquisgrán con su gran fundación en 1977. Por primera vez, esta escultura y su tema pictórico especial se enfocan y se discuten en su contexto iconográfico. El motivo de la Piedad Trinitaria hace referencia a la imagen de Dios Padre, que presenta al espectador el cuerpo de su hijo o del Varón de Dolores, muerto en vida. La paloma espiritual también pertenece a este tipo de imágenes, aunque no se ha conservado en varias imágenes. Esta expresión de la imagen de la Trinidad se puede encontrar a menudo en esculturas, pinturas sobre tablas y libros, pero también en gráficos de finales de la Edad Media y principios de la Edad Moderna. En el ensayo académico “Piedad Trinitaria – Un concepto de imagen medieval tardía y su impacto continuo en el contexto de la Reforma y la Reforma Católica” del Dr. Dagmar Preising rastreará la historia de este motivo pictórico en la pintura, la escultura y la gráfica, reuniendo numerosas piezas, incluso menos conocidas. Estos se clasifican por tipo. Más allá de agrupar los ejemplos, es importante resaltar el contexto iconográfico y funcional de estas representaciones de la Trinidad. También se explica el significado de la Piedad Trinitaria en el contexto del misticismo pasional y el culto sacramental en la Baja Edad Media y también se analiza la Reforma y la Contrarreforma. También se analizan los términos alternativos comúnmente utilizados para este tipo de imágenes, como propiciatorio y Notgottes. En esta exposición, la escultura de la Colección Ludwig constituye la pieza central. En torno a ella se agrupan otras representaciones de la Piedad trinitaria, así como piezas con temas pictóricos estrechamente relacionados, como el llamado propiciatorio con Dios Padre sosteniendo el crucifijo, o el ángel Piedad. Se ilustra la actualidad del tema pictórico trinitario en los siglos XV y XVI y se visualiza su continuación en el período barroco.

El zapato es una de las prendas que siempre ha conmovido especialmente a la gente. El zapato no es sólo un medio para combatir el frío y el calor, las lesiones y la suciedad, sino que, sobre todo, es una superficie de proyección del estatus social, del “caminar por el mundo” y, por supuesto, de las fantasías eróticas. La gama de representaciones artísticas del calzado, a menudo inusuales, en esta exposición abarca desde la antigüedad hasta obras actuales, desde la Edad Media hasta Mel Ramos. La ausencia del zapato, la huella del zapato y el significado simbólico del zapato se presentan en expresiones artísticas, de la misma manera que se dedica un capítulo aparte al zapato rojo.
Es la primera exposición que reúne y compara posiciones desde la legendaria huella de Buda hasta las creaciones de zapatos de Andy Warhol. Los zapatos y los zapatos icónicos y de culto forman un paréntesis; St. Hedwig, cuyo atributo son los zapatos, se encuentra con las Adidas All Stars en los pies de Freddie Mercury. Se abren nuevas perspectivas sobre algunas imágenes conocidas. Mirar el pie ofrece descubrimientos e ideas sorprendentes. Un paseo sonoro acompaña las actuaciones y no sólo Nancy Sinatra lo sabe: These Boots Are Made for Walkin'...
El compromiso con el zapato en la LUDWIGGALERIE se produce con motivo de la instalación de la escultura de acero del conocido artista pop alemán Heiner Meyer frente al edificio principal del castillo de Oberhausen en marzo de 2021. Como “exposición dentro de una exposición ”, se presta especial atención a su obra artística. Los tacones altos y los coches veloces, las botas hasta la rodilla y el esmalte de uñas, pero también las elegantes orquídeas como las "zapatillas de dama" respiran un toque de lujo. Los zapatos caros y las piernas femeninas sexys moldeadas por ellos aumentan la tentación de la publicidad. Los elementos glamorosos que conforman el deslumbrante trabajo de este artista de múltiples capas muestran una fuerte posición en el zapato. ¡Simplemente Pop Art en formato stiletto!

RED HEELS - una escultura de Heiner Meyer para la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen como parte de la exposición ART ABOUT SHOES

El zócalo de hormigón delante del castillo de Oberhausen, en la arteria principal Konrad-Adenauer-Allee, permaneció vacío durante mucho tiempo. Hasta 2013, aquí se alzaba la escultura del artista pop estadounidense Keith Haring, “Head Through Belly”. La directora del museo Dra. Christine Vogt encargó al artista pop alemán, conocido internacionalmente, Heiner Meyer, que realizara bocetos para una escultura, del que resultó RED HEELS. Ya han pasado dos años de planificación y el gran proyecto se encuentra en sus etapas finales. Jutta Kruft-Lohrengel, la primera presidenta de los Amigos de la LUDWIGGALERIE eV, contó con el apoyo de distintos artesanos. Nuestro agradecimiento al Dr. Ing. Christoph Diekmann así como a las empresas Franken Apparatebau, Klöckner & Co. y Westdeutsche Farben GmbH para la realización de la escultura RED HEELS.

Otfried Preußler (1923-2013) es uno de los autores infantiles y juveniles más importantes e influyentes del mundo de habla alemana. Con historias como El ladrón Hotzenplotz, La pequeña bruja y El pequeño fantasma, el autor ha creado personajes desde la década de 1950 que siguen moldeando a generaciones de adolescentes de hoy y se han convertido en una parte integral de las habitaciones de los niños de todo el mundo. En total, escribe más de 35 libros, que deleitan a sus lectores en todo el mundo con una tirada total de más de 50 millones de ejemplares. Preußler trabajó con numerosos ilustradores durante su período creativo. Ilustran sus historias y dan vida a los personajes utilizando su propio estilo e ideas personales. Son especialmente conocidas las ilustraciones de FJ Tripp, que dan al ladrón Hotzenplotz su aspecto llamativo. Los dibujos en madera sepia que Herbert Holzing creó para Krabat se mantienen constantes a lo largo de numerosas ediciones. El aspecto inconfundible de la brujita, pero también del tritón, se debe a la artista Winnie Gebhardt. También se pueden ver dibujos originales de Hörbe, raramente mostrados, realizados por el propio Otfried Preußler.
Muchas de las historias de Preußler también se trasladan a otros medios: audiolibros, adaptaciones teatrales, películas y juegos atestiguan su inmensa popularidad. Se reúnen un total de 300 dibujos originales, así como accesorios cinematográficos y fotografías.
¡Conozca todo el cosmos de Preußler en la exposición! ¡Aprovecha para descubrir los personajes menos conocidos y déjate fascinar por las historias de Otfried Preußler junto con tus hijos o nietos!
La exposición cuenta con el apoyo de la Stadtsparkasse Oberhausen y los Amigos de la LUDWIGGALERIE. El socio cultural es WDR 3.

“Gris: una vista clara sólo tres veces al año”, así describe Rudolf Holtappel (1923-2013) la región del Ruhr y fotografía ropa blanca frente a chimeneas humeantes, obras de teatro en escenarios de teatro y gente bebiendo en los grandes almacenes. Para los libros ilustrados de Mercator-Verlag, Holtappel pone en escena la industria, la ciudad y la gente.

De 1961 a 1970 y de 1992 a 2003, Holtappel trabajó como fotógrafo escénico en la época de Büch y Weise en el Teatro de Oberhausen. Su elección de perspectivas especiales y su sentimiento por el momento adecuado quedan tan claros en las producciones de Günther Büch, que llevó al teatro las obras de Peter Handke, como en las representaciones de Klaus Weise en los años 1990.

Holtappel trabaja desde hace años para Karstadt y Henkel y a través de sus fotografías ha influido decisivamente en la representación de las empresas. De 1974 a 2002 fotografió naves industriales, productos, procesos de producción en fábricas y personas en sus lugares de trabajo para la empresa Henkel. Entre los numerosos premios y reconocimientos y una compra del Bundestag alemán se encuentran las fotografías de las cocinas de la fábrica Henkel. Por primera vez, se presentan al público fotografías creadas para Henkel.

Holtappel, que completó su maestría en fotografía en 1950, es sorprendente y experimental en su enfoque de los antiguos procesos de impresión fina (impresiones con sal, cianotipos y impresiones con aceite de bromo) o con los materiales fotográficos. Por primera vez, la exposición ofrece una visión integral de la diversidad de la obra de Rudolf Holtappel (1923-2013). Holtappel considera que Oberhausen es su hogar desde hace más de 50 años. La ciudad de Oberhausen adquirió su propiedad en 2017, que se conserva en la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. El punto de partida de la exposición es su archivo cronológico compuesto por alrededor de 360.000 negativos en blanco y negro y en color.

Con el apoyo de la financiación cultural regional de la Asociación Regional de Renania y los Amigos de la LUDWIGGALERIE. El socio cultural es WDR 3.

Cuando la estadounidense Linda Eastman (1941-1998) comenzó a fotografiar a mediados de los años 1960, inmediatamente cayó en la escena del rock y el pop. Una invitación de prensa abre las puertas a la fiesta promocional de los Rolling Stones en el SS Sea Panther en el río Hudson. Aquí comienza su inusual carrera. También conoce a los Beatles y, por tanto, a su futuro marido, Paul. Observa la creación de la famosa portada de Abbey Road y ofrece una visión íntima de la vida familiar de McCartney.

Pero, sobre todo, sus fotografías de las grandes estrellas de la música de finales de los años 1960 siguen moldeando nuestra memoria visual hoy en día. Janis Joplin y Jimi Hendrix, Nico y Brian Jones, The Doors y The Who, Aretha Franklin y Bob Dylan son capturados por ella de forma natural y natural. La exposición utiliza fotografías de los años sesenta para mostrar momentos inquietantes de esta intensa era musical.

Además de las fotografías, se explora el tema de la música y su expresión artística visual. Un área de exposición separada está dedicada al diseño de portadas de discos. Diseños icónicos como The Dark Side of the Moon de Hipgnosis para Pink Floyd, Revolver de Klaus Voormann para los Beatles o Sticky Fingers de Andy Warhol para los Rolling Stones hoy en día son objetos de culto. Un paseo sonoro creado especialmente para la exposición permite sumergirse musicalmente en los años 60.

Además de sus fotografías musicales, Linda McCartney también llevaba su cámara en todos sus viajes. Sus obras viales muestran expresivamente observaciones de personas y espacios. Y finalmente, McCartney se volvió creativo en el campo experimental. Las huellas solares son imágenes expuestas a la luz del día, desde naturalezas muertas hasta retratos. La exposición se creó con fotografías de la colección de Ina Brockmann y Peter Reichelt, quienes armaron su colección en cooperación con Linda McCartney a principios de los años 1990.

“Mira aquí está, ¡uf! ¡el Struwwelpeter!” En 1844, el médico Dr. Heinrich Hoffmann no sólo cuenta la historia del niño que no puede peinarse ni cortarse las uñas, sino que también imagina muchos otros personajes de este estilo. Además de Suppenkaspar y Hanns Guck-in-die Luft, Zappel-Philipp también influye en el uso del alemán hasta el día de hoy. Este clásico lleva 175 años inspirando a los artistas a crear sus propias variaciones. Struwwelpeter, pero también Paulinchen, Konrad, Hanns y Friederich se encuentran por todas partes, a veces a primera vista, a veces tras una inspección exhaustiva. Los temas de las imágenes siguen siendo de gran actualidad y, en ocasiones, políticos. En la historia de Hoffmann sobre los chicos negros, el gran Nikolas sumerge a los chicos xenófobos en un gran tintero como castigo. En 2013, Luise Bofinger abordó el racismo representado en esta historia con un mensaje inequívoco. El mangaka David Füleki, por su parte, ayuda a Struwwelpeter a hacer varias apariciones en dos cómics diferentes. Hans Witte retoma el texto de Heinrich Hoffmann de forma reducida y puramente tipográfica. En su libro Lola Races, Anke Kuhl retrata con humor a varios niños que se desesperan por los peligros cotidianos, pero que también son capaces de crecer a partir de ellos. Struwwelpetriaden: internacional, estridente, política, kitsch, fuera de lugar, mordaz, a veces en el espíritu de Hoffmann, ya sea con texto original o reescrito, reimaginado, reescrito o con nuevos personajes.

Además, objetos curiosos, mercancías y discos demuestran el alto nivel de relevancia para la vida cotidiana. Una zona expositiva separada recorre el retrato de Hoffmann y muestra su obra en el contexto del período Biedermeier. Más de 100 libros, dibujos, ilustraciones, pinturas y objetos de la polifacética e internacional colección Sauer ilustran la historia y el desarrollo del tema.

La exposición Hollywood Icons está dedicada a la Era Dorada de Hollywood. Muestra a aquellos fotógrafos cuyas imágenes todo el mundo todavía conoce: desde la leyenda del cine mudo Charlie Chaplin hasta brillantes intérpretes de la temprana era del cine sonoro como Marlene Dietrich y gigantes de la posguerra como Marlon Brando y Sophia Loren. A principios de la década de 1920, la industria cinematográfica tenía su sede en Los Ángeles y sus alrededores. Todo el mundo acude en masa a California en busca de fama y fortuna. Garbo es de Suecia, Dietrich de Alemania, Hedy Lamarr de Austria, Chaplin y Cary Grant son de Inglaterra, pero fue Hollywood quien impulsó a cada uno de ellos a la fama internacional.
Hollywood Icons también presenta a los entonces desconocidos fotógrafos de retratos y fotografías que trabajan sin ser vistos detrás de escena, pero cuyas glamurosas fotografías son cruciales para la fama de las estrellas y las películas. Las imágenes de las estrellas de cine son obra de directores de fotografía que trabajan brillantemente para promover el estilo de Hollywood en todo el mundo.
John Kobal se ha ocupado intensamente de este material de Hollywood. Comienza como un amante del cine, luego se convierte en periodista, escritor y un eminente historiador del cine. Las fotografías de esta exposición proceden de su colección. La exposición muestra principalmente fotografías en blanco y negro, pero entre las obras también hay fotografías en color. Más de 200 fotografías de la Fundación John Kobal reúnen a los grandes nombres de Hollywood. Un reencuentro con rostros familiares, desde Judy Garland hasta Fred Astaire, desde James Dean hasta Elizabeth Taylor.

El punto de partida de la exposición iconográfica Anna enseña a leer a María: Sobre el culto de Santa Ana alrededor de 1500 es una escultura de piedra francesa única y de alta calidad de mediados del siglo XV, que pertenece a la colección de Peter e Irene Ludwig. Esta escultura se exhibió como préstamo permanente en el Museo Suermondt-Ludwig desde 15 y pasó a ser propiedad de la ciudad de Aquisgrán en 1994 mediante el legado de Irene Ludwig. Muestra cómo Ana entronizada instruye a leer a la pequeña María que está a su lado, un tema de imagen que se desarrolló en el contexto de la veneración de Santa Ana. El tema apareció en manuscritos ya en el siglo XIII y principios del XIV y recibió una atención cada vez mayor a finales de la Edad Media y principios de la Edad Moderna a medida que aumentaba la veneración de Santa Ana. Sin embargo, no fue hasta el Barroco que el tema adquirió una popularidad generalizada, que se prolongó hasta el siglo XIX. En el período alrededor de 2011, cuando el culto a Ana alcanzó su apogeo, la instrucción de María todavía era un tema pictórico raro en comparación con la representación mucho más popular y común de la Tercera Ana.

El tema central de la exposición es la escultura de la Colección Ludwig, que hasta ahora se consideraba aislada. En torno a esta figura se agrupan otras enseñanzas de María, se ilumina la vida posterior de la María adulta y se muestran otros motivos de imágenes importantes de la veneración de Santa Ana.

Inglaterra es considerada la cuna del Pop Art y ha producido numerosas posiciones inusuales sobre el fenómeno de lo que entonces era un nuevo movimiento artístico verdaderamente revolucionario. Además de los motivos de la vida cotidiana, se trata sobre todo de la idea de arte para todos. Las obras maestras se crean en masa a través del grabado, la edición artística y los múltiples. Hay temas favoritos como la televisión, la publicidad o los coches. Se refleja toda una actitud ante la vida y la música juega un papel crucial. Esta exposición tiene especialmente en cuenta esto al dedicar una sección separada a los diseños de portadas de álbumes, como la de Peter Blake y Jann Haworth para el álbum de los Beatles Sgt. Pepper.

El abogado de Düsseldorf Heinz Beck, cuya colección se conserva en el Museo Wilhelm Hack de Ludwigshafen, ha recopilado una extraordinaria colección de obras de esta época. Por primera vez, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen muestra una selección de arte pop británico de esta colección única con sus variedades especiales e idiosincrásicas.

Ivor Abrahams I Peter Blake I Derek Boshier I Anthony Canham I Patrick Caulfield I Harold Cohen I Ian Colverson I Antony Donaldson I Michael English I Richard Hamilton I Jann Haworth I Dick Higgins I David Hockney I David Inshaw I Bill Jacklin I Allen Jones I David King I RB Kitaj I Gerald Laing I Les Levine I David AJ Miller I Malcolm Morley I Robin Page I Eduardo Paolozzi I Peter Phillips I Tom Phillips I Patrick Procktor I John Salt I Colin Self I Richard Smith I Joe Tilson

La LUDWIGGALERIE celebra su vigésimo aniversario con gran agradecimiento y júbilo. Los gestos de tales emociones también se pueden encontrar, por supuesto, en las obras de arte. Éste es el tema básico bajo el cual se reúnen las obras maestras de la colección de Peter e Irene Ludwig en la LUDWIGGALERIE. Dotado de préstamos internacionales, se explora la comunicación no verbal, la poesía silenciosa, como Leonardo da Vinci llama arte.
De acuerdo con el espíritu de la pareja de coleccionistas, obras de diferentes épocas y regiones del mundo entran en diálogo. La gama se extiende desde la antigüedad hasta la actualidad, desde el arte precolombino hasta la Edad Media europea y mucho más allá. La cuestión de qué une o separa las cosas en el interior siempre ha sido fundamental para los Ludwig. El encuentro entre las obras bajo una cuestión común continúa este interés. Los gestos pueden usarse para comunicarse bien en un país extranjero o para lograr exactamente lo contrario: ¡cuidado si mueves la cabeza en la India!
El paso del siglo de Wolfgang Mattheuer es sin duda una obra clave para el gesto como significante en un contexto político y social. El amante tormentoso, por el contrario, encarna plenamente la fuerza del impacto emocional que el sexo opuesto puede desencadenar. Los gestos de señalar y bendecir con el dedo, los signos de victoria y el dedo apestoso, el pulgar hacia arriba o el puño de trabajador son evidencia de posiciones de las manos utilizadas con frecuencia. La pintura gestual encuentra su forma perfecta en las curvas de Karl Otto Götz. Pero el mundo entero también conoce el reflexivo “apoyar la cabeza en la mano”. Esta exposición combina gestos sorprendentes, en los que no falta el diamante de Merkel, ejecutado por St. John.

Ι Ellen Auerbach Ι Belkis Ayón Manso Ι Heike Kati Barath Ι Georg Baselitz Ι Thomas Baumgärtel Ι Caspar Benedikt Beckenkamp Ι Matthias Beckmann Ι Anne Berning Ι Robert Bosshard Ι Claudio Bravo Ι Pieter Brueghel Ι Gudrun Brüne Ι Franz Anton Bustelli Ι Carlo Cignani Ι Cornelis van Dalem Ι Walter Dohmen Ι Alberto Durero Ι Erró Ι Semëon Natanovič Fajbisovič Ι Gérard Gasiorowski Ι Sighard Gille Ι Peter Gilles Ι Karl Otto Götz Ι Bob Gruen Ι Johannes Grützke Ι Eckart Hahn Ι Keith Haring Ι Xenia Hausner Ι Bernhard Heisig Ι Gottfried nwein Ι David Hockney Ι Ottmar Hörl Ι Lambert Hopfer Ι Thomas Huber Ι Daniel Josefsohn Ι Claudia Kaak Ι Kirsten Klöckner Ι Germaine Krull Ι Monika Lioba Lang Ι Roy Lichtenstein Ι Richard Lindner Ι André Lützen Ι Wolfgang Mattheuer Ι Dóra Maurer Ι Maestro del Calvario de Sinzig Ι Johann Peter Melchior Ι Pedro de Mena Ι Heiner Meyer Ι Herman van der Mijn Ι Edvard Munch Ι Reiner Nachtwey Ι Ernst Wilhelm Nay Ι CO Paeffgen Ι Otto Pankok Ι AR Penck Ι Pablo Picasso Ι Raimondo Puccinelli Ι Marcanton Raimondi Ι Werner Reuber Ι Gerhard Richter Ι Johanna Roderburg Ι Michail Nikolaevič Romadin, James Rosenquist, Andreas Rosenthal, Svetlin Rusev, Laurentius Russinger, Gunter Sachs, Jürgen Schäfer, Egon Schiele, Karl Schmidt-Rottluff, Bernard Schultze, Emil Schumacher, Anton Sohn, Klaus Staeck, Volker Stelzmann, Franz Atascado Ι David Teniers Ι Myriam Thyes Ι Hann Trier Ι Simon Troger Ι Werner Tübke Ι Dietmar Ullrich Ι Andy Warhol Ι Jacob Willemsz. de Wet Ι Su Xinping Ι Hanefi Yeter Ι Dmitry Zhilinsky Ι

Con el apoyo de la Fundación Peter e Irene Ludwig, la Kunststiftung NRW, el Volksbank Rhein-Ruhr y los Amigos de la LUDWIGGALERIE.

En octubre de 1953, el homólogo alemán de Mickey Mouse inició su marcha triunfal. Publicados inicialmente bajo el título Till Eulenspiegel, dos jóvenes zorros llamados Fix y Foxi aparecen rápidamente, inicialmente como personajes secundarios, ¡e inmediatamente se convierten en los favoritos del público! Los dos pronto recibieron su propia revista y desde hace mucho tiempo se han convertido en una secta. Se crea un ambiente animado para los gemelos zorros: el adorable tío Fax, el ingenioso Raven Knox, la conservadora abuela Eusebia, el inteligente Lupinchen y el lobo codicioso y perezoso Lupo también viven en la idílica pequeña ciudad de Fuxholzen. Rolf Kauka ha creado todo un imperio con sus propias figuras para el mercado local. La exposición ilustra el desarrollo de una marca de culto, desde los primeros dibujos naturalistas hasta la creación de los mundialmente famosos personajes de cómic Fix & Foxi. Al igual que Walt Disney, Kauka no dibuja los personajes él mismo, sino que emplea a todo un grupo de ilustradores que están incluidos bajo la marca Kauka. A partir de los años 1960, también aparecieron en las revistas Fix & Foxi series con licencia franco-belga como Gastón, Astérix, Los Pitufos, Lucky Luke, Spirou y Fantasio.

La exposición muestra el gran cosmos de Rolf Kauka (1917-2000) en dibujos originales, borradores, documentos, revistas contemporáneas, cortometrajes y mucho más. Con más de 200 dibujos originales, es la exposición más completa hasta la fecha.

La exposición se basa en los trabajos preparatorios de Gottfried Gusenbauer, el Museo de la Caricatura de Krems y el Dr. Gisela Vetter-Liebenow, Wilhelm Busch - Museo Alemán de la Caricatura y el Dibujo, Hannover y fue revisado, ampliado y complementado significativamente para Oberhausen. En colaboración con el patrimonio de Rolf Kauka, el Dr. Stefan Piëch y Your Family Entertainment AG.

El tema del carbón ciertamente no es central en el ámbito del cómic y los dibujos animados, pero aún así hay algunas posiciones inusuales. Utilizando enfoques e implementaciones muy diferentes, los ilustradores contaron historias sobre el “oro negro”.
"Los patos en la cuenca del Ruhr" están bajo tierra, "Stahlgolem" de Hendrik Dorgathen y "Hieronymus B" de Ulf K. sobre el cambio estructural. Dachma recuerda el polvo de carbón en el aire y Ulrike Martens levanta el “Kohlibri”. Isabel Kreitz nos lleva a través de la minería didáctica en la Edad Media, los personajes de Ralf König “Bodo y Heinz” se centran en la seguridad laboral bajo tierra y Thorsten Wieser cuenta una biografía ficticia de un artista: desde el comerciante de carbón hasta el genio de la pintura y viceversa. Jamiri se alegra de la extracción de acero, mientras Ralf Marczinczik y Steff Murschetz hablan de las más que difíciles condiciones de producción en torno a 1900. Pero Walter Moers y Florian Biege demuestran que el carbón también puede desempeñar un papel mucho más allá del Ruhr, cuando nos llevan al lejano reino de Zamonia.
Como invitados especiales aparecen “Kumpel Anton”, dibujado por Otto Berenbrock, y “Grandpa Hausen” de Dirk Trachternach.
El hecho de que la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen pueda dedicarse a su especialidad de galería popular en el marco de los RuhrKunstMuseen y observar el tema desde el punto de vista del dibujo desde una perspectiva cómica muestra cuán amplia es la oferta que ofrece la escena artística y museística de la zona.

+ Otto Berenbrock + Dachma + Hendrik Dorgathen + Moritz Götze + Jan Gulbransson + Jamiri + Ulf K. + Ralf König + Isabel Kreitz/Peter Mrozek + Ralf Marczinczik + Ulrike Martens + Walter Moers/Florian Biege + Steff Murschetz + Dirk Trachternach + Thorsten Wieser +

Brigitte Bardot con una melena rubia, Yves Saint Laurent desnudo y Mick Jagger con una capucha de piel: iconos del cine, la moda y la música, fotografiados por superestrellas como Richard Avedon, Bert Stern y Helmut Newton, reflejan la actitud ante la vida del Los años 1960 y 70 reviven en la LUDWIGGALERIE.
De esta época se remonta la conexión única entre diferentes disciplinas de la expresión artística: fiesta y política, moda y música, arte y culto al cuerpo son retratados, entre otras cosas, en la Warhol's Factory y la escena neoyorquina allí representada. Warhol eleva los propios medios de comunicación a la categoría de arte. La performance como expresión del cuerpo, ya sea a través de la música, la danza o como acción artística, está viviendo una fase alta. Y la moda, sus modelos y su manifestación fotográfica se consideran una forma de arte igualitaria en esta época de deslumbrante superficialidad.
La fotografía desempeña un papel indispensable en la formación de la imagen de la estrella y proporciona (a veces escenificada) información sobre la vida privada. Los Beatles divirtiéndose en una pelea de almohadas, Twiggy como la nueva supermodelo andrógina y las estrellas de Hollywood reflejan momentos importantes de la época en impresionantes retratos. Por supuesto, también se hacen visibles los lados oscuros de este estilo de vida, como los excesos autodestructivos a través de las drogas o el alcohol. Warhol describe con desprecio la adicción constante al placer de los ricos y famosos, así como de los artistas, como una enfermedad social.
La exposición muestra principalmente fotografías en blanco y negro e impresiona por su combinación de obras con calidad de museo y fotografías atmosféricas de paparazzi. Más de 200 obras de la colección suiza Nicola Erni reúnen quién es quién de la sociedad de celebridades.

La exposición fue diseñada por el Dr. Ulrich Pohlmann, Museo de la Ciudad de Múnich/Colección de Fotografía e Ira Stehmann en colaboración con la Colección Nicola Erni.

Quién no los conoce, esas narices bulbosas y mudas que tanto saben contar a través de expresiones faciales, gestos e interacción con quienes los rodean. Guillermo Mordillo, nacido en Buenos Aires en 1932, lleva décadas representando sus figuras esféricas de forma puntiaguda, cubriendo un colorido espectro de temas: personas con sus pequeñas peculiaridades son retratadas con cariño, el amor con sus pruebas y tribulaciones, los animales con las humanas. Propiedades, fútbol y golf, así como motivos políticos, encuentran su camino en los mundos, a menudo surrealistas, del artista.

En sus imágenes no sólo armoniza de forma surrealista elementos dispares, sino que también permite a sus personajes superar con facilidad los obstáculos grandes y pequeños de la vida cotidiana. Fiel a su dicho: “El humor es el espíritu que hace piruetas en medio de la eterna danza de la vida”, Mordillo utiliza este humor para convertir el cansancio del mundo y la melancolía en opuestos, ofreciendo así al espectador la oportunidad de contrarrestar el pesimismo de la vida cotidiana. con optimismo.

La exposición reúne más de 150 de sus originales raramente expuestos y ofrece una visión del trabajo del artista internacionalmente activo, que ha ganado numerosos premios. Imágenes de fases creativas en Buenos Aires, Lima, Nueva York, París y Mónaco ofrecen una visión general de su diversa obra.

Por primera vez en 25 años, una exposición completa en un museo alemán muestra una selección retrospectiva de sus originales. Además de algunos dibujos en blanco y negro de los primeros años, en la LUDWIGGALERIE se han introducido numerosas imágenes actuales y coloridas.

En colaboración con el Museo de la Caricatura de Krems y Guillermo Mordillo.

Con el fotógrafo neoyorquino Sam Shaw (1912-1999), la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta una vez más a uno de los grandes creadores de imágenes del siglo XX. Sus motivos, a menudo espontáneos, alcanzan fama mundial y escriben la historia de la fotografía. La foto de Marilyn Monroe de The Seven Year Itch con la falda plisada de vuelo alto es una de las imágenes más reproducidas hasta el día de hoy.
La carrera de Sam Shaw comenzó como fotógrafo para la revista Collier. Ganó notoriedad con el informe How America Lives, que muestra las diversas caras de la vida cotidiana estadounidense en la década de 1940, lejos del brillo y el glamour de sus fotografías posteriores de Hollywood.
Los retratos de estrellas, artistas e intelectuales de esta época llenan numerosas portadas de revistas como Life y Look y todavía hoy determinan nuestra memoria visual.
La película es el gran modelo para sus grabaciones. A menudo se encuentran ángulos de visión inusuales que recuerdan a los ajustes de la cámara en secuencias cinematográficas. El interés adicional por la pintura se hace evidente no sólo en los retratos de los artistas, sino también en fotografías francamente pintorescas tomadas con lentes de gran distancia focal. Las fotografías son narrativas y, a menudo, están diseñadas como una serie. No importa si acompaña a Sophia Loren en un día de rodaje o sigue a los niños que juegan con la cámara.
En colaboración con los Shaw Family Archives de Nueva York, se puede ver en Oberhausen una amplia retrospectiva con alrededor de 230 fotografías en blanco y negro. Además de los clásicos, se destacan enfoques temáticos de sus 60 años de trabajo en áreas como el deporte, el retrato, el crimen y el cine.

Arte y compras, dos cosas que están muy relacionadas y, sin embargo, parecen muy alejadas. En el paso de la Edad Media a los tiempos modernos, Alberto Durero surgió como uno de los primeros empresarios del arte. Las modas del mercado del arte a lo largo de los siglos se reflejan en la pintura o la reinterpretación de temas. La cuestión del original, la copia y la falsificación surge una y otra vez. Las grandes burbujas especulativas, como la tulpomanía del siglo XVII, combinan los mercados del arte y del dinero.

El siglo XX puso patas arriba todas las tradiciones. Marcel Duchamp declara arte los productos industriales, Andy Warhol y los representantes del Pop Art incluyen en sus cuadros productos de supermercado. Y el comportamiento de las personas al comprar no sólo se muestra en la serie de fotografías de Rudolf Holtappel. Gente en los grandes almacenes observado. Cuando Gerhard Richter en su cuadro Madre e hija Mientras Brigitte Bardot parece estar de compras con su madre, el tema de las compras se combina aquí con el pintor más caro del mercado del arte actual.

La década de 1960 intentó romper barreras con nuevas formas, como copias múltiples y ediciones impresas, y crear una conexión entre el arte y la vida con la demanda de “arte para todos”. Pero la brecha es cada vez mayor, el mercado del arte lleva años explotando y ni siquiera la crisis financiera ha tenido ningún efecto sobre este fenómeno. A los artistas también les preocupa el hecho de que el arte se haya convertido en “el bien de lujo más caro de nuestra cultura” (Piroschka Dossi). También hay posiciones críticas sobre el comportamiento general del consumidor y el dinero, medio de pago del arte y el lujo, también pasa a formar parte de las obras o portadores de las imágenes.

Esta amplia exposición, que reúne obras desde el siglo XV hasta nuestros días, desde grabados en cobre hasta videoinstalaciones, arroja ahora, por primera vez de esta forma, luz sobre el amplio campo que conecta el arte y las compras.

Asociamos al pato Donald, a Mickey Mouse y a sus amigos y parientes, a menudo muy independientes, como el tío Scrooge, con el gran Walt Disney y su enorme fábrica. Pero ¿quiénes fueron los artistas detrás del imperio Disney que inventaron los personajes y sus mundos y desarrollaron el cosmos de Duckburg?
La exposición de Oberhausen presenta a los tres viejos maestros: El hombre ratón Floyd Gottfredson, que trajo el Mausiverso a la tierra; Al Taliaferro, el todavía desconocido ilustrador de las tiras diarias con Donald y obstetra de los sobrinos Huey, Dewey y Louie y de muchos otros miembros de la familia. Además del muy venerado fundador de Ducks y padre de numerosos personajes como el Tío Scrooge, Daniel Jet Gear y los Tank Crackers, Carl Barks.
Pero las historias continúan después de la muerte de estos tres grandes ilustradores, y este es también el tema de la presentación de Oberhausen. Ulrich Schröder, originario de Alemania, dibuja ahora historias y, sobre todo, portadas sobre ratones y patos. El alemán Jan Gulbransson y el estadounidense Don Rosa dejaron que Donald continuara sus aventuras llenas de rabietas y se bañara en dinero con el tío Dagoberto. Ahora los visitantes pueden sumergirse en el cosmos de Duckhausen››››Oberhausen›››› con dibujos y grabados originales, muchos de los cuales se exponen al público por primera vez.
La exposición es una de las presentaciones más extensas sobre Donald, Mickey y sus ilustradores hasta la fecha. En colaboración con la Colección Ina Brockmann y Peter Reichelt, Mannheim.

Regina Relang (Stuttgart 1906 – Múnich 1989) comenzó su carrera fotográfica en París en los años treinta. Celebró sus primeros éxitos con reportajes fotográficos realizados durante sus viajes por el sur de Europa. Le interesa el trabajo físicamente duro de los porteadores en el puerto de Oporto, al igual que una boda tradicional macedonia en Galičnik. En la posguerra, Relang se convirtió en el principal fotógrafo de moda de Alemania. Entre sus clientes se incluyen conocidos diseñadores de moda como Christian Dior, Pierre Cardin e Yves Saint Laurent, y sus fotografías aparecen en revistas de moda contemporánea como Constanze, Sra. o en Cine y mujer impreso.

En sus fotografías, que han sido descritas acertadamente como “escaparates en movimiento”, combina la moda con situaciones cotidianas de una manera idiosincrásica e inusual. Las ruinas de la destruida Múnich sirven de telón de fondo, así como el colorido y animado ajetreo urbano de las metrópolis de la moda internacional. Con su propio estilo fotográfico, Relang supera las fronteras entre la fotografía de moda y el reportaje. Integra las últimas colecciones en un contexto cotidiano o presenta a sus modelos como maniquíes estrella en el espíritu del glamuroso mundo del cine. En la década de 1960 su perspectiva fotográfica cambió y tomó cada vez más fotografías en el estudio.

La exposición abarca desde los primeros informes de viaje de los años 1930 hasta fotografías de moda de la posguerra y fotografías para revistas de moda como la dama o en MODA. Presenta la obra de toda la vida de Relang y al mismo tiempo refleja la historia de la fotografía de moda alemana a lo largo de medio siglo.

Esta exposición es la primera vez que una selección del patrimonio de Regina Relang de la colección de fotografías del Museo Municipal de Múnich puede verse fuera del sur de Alemania.

En colaboración con el Museo Suermondt-Ludwig de Aquisgrán, la exposición está dedicada una vez más a una pieza importante de la colección de Peter e Irene Ludwig. El panel de roble, creado alrededor de 1475 y atribuido al maestro del Calvario de Sinzig, aborda el raro tema de la pintura sobre paneles. ars bene moriendi, la cuestión central de cómo morir adecuadamente en la Edad Media.

Por primera vez, este panel se examina en detalle desde el punto de vista estilístico e iconográfico y se clasifica en el área temática de la buena muerte y la representación de la intercesión (intercesiones de María y Cristo), que están unidas en esta imagen. Otros préstamos valiosos como el único ars moriendi-Libro de bloques del Museo Gutenberg de Maguncia o la representación del Pobre Lázaro de la Colección Marks-Thomée complementan esta exposición concentrada en una sola sala con préstamos adicionales del Museo Suermondt-Ludwig.

Una presentación paralela a la exposición arte pop americano muestra las conexiones en el contenido que inicialmente parecen sorprendentes. Los carteles de estos paneles medievales, transcritos aquí por primera vez para esta muestra, son los precursores de los bocadillos tan típicos de los cómics. También ofrecen orientación a través de la dirección de lectura y la conexión con los personajes. Las implementaciones de Roy Lichtenstein son impensables sin esto. Y el tema de la muerte también juega un papel central en el arte pop: basta pensar en el de Andy Warhol. Muerte y desastre-Serie.

Con la llegada del arte pop a Estados Unidos, no sólo los motivos cotidianos como los cómics, las banderas o las latas de sopa se volvieron dignos de arte. También se debate, siguiendo a Marcel Duchamp, la cuestión del original y del culto al genio, lo que lleva, entre otras cosas, a que los artistas empiecen a utilizar sus serigrafías, pero también sus objetos. ars múltiples, como obras maestras en masa. Arte para todos es el lema que lleva a su propia expresión y formas idiosincrásicas.

El Museo Wilhelm Hack de Ludwigshafen alberga una magnífica colección de obras de los años 1960 y 70, incluida la colección del abogado de Düsseldorf Heinz Beck. La característica especial de esta colección reside en la preferencia de Beck por las ediciones y los múltiples, que reflejan de manera impresionante el deseo de la época por un arte democratizado. Por primera vez, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen muestra una selección de arte pop americano que ilustra el enfoque especial, no sólo de una figura central como Andy Warhol. Ediciones como 7 en una caja de 1966 o diez de leo castelli de 1967/68 proporcionan información sobre las amistades entre artistas y el comportamiento del mercado del arte.
Arman (Armand Fernández), Coalición de Trabajadores del Arte, Richard Bernstein, Christo, Robert Cottingham, Allan D'Arcangelo, Jim Dine, Don Eddy, Richard Estes, Hans-Dietrich Froese, Ralph Goings, Robert Graham, Eila Hershon, Robert Indiana, Alain Jacquet, Jasper Johns, Howard Kanovitz, Allan Kaprow, Alex Katz, Edward Kienholz, RB Kitaj, Roy Lichtenstein, Liliane Lijn, Robert W. Munford, Lowel B. Nesbitt, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, James Rosenquist, Edward Ruscha, George Segal, Robert Stanley, Alan Turner, Andy Warhol, Tom Wesselmann

Ralph Ruthe, Joscha Sauer y Flix (Felix Görmann) llevan años dando forma a la escena del cómic y los dibujos animados alemanes y su trabajo muestra claramente las transiciones y los límites del medio.

Ralph Ruthe es particularmente conocido por sus catástrofes diarias que atormentan a los protagonistas. Mierda sucede sucedió, conocido. Un rico repertorio de animales, ya sean vacas, hámsteres, buitres o leones, experimentan desgracias contadas en dibujos animados, entre los que destacan los árboles y la muerte. Ruthe ha estado trabajando intensamente con imágenes en movimiento desde hace algún tiempo. Crea películas de animación a partir de sus dibujos animados, a los que él mismo pone voz, sonido y música. Actualmente ha desarrollado un programa escénico con el que realizará una gira por Alemania durante el periodo expositivo.

NOTLUSTIG de Joscha Sauer se ha convertido ahora en un objeto de culto y una marca registrada. Un personal diverso puebla sus caricaturas. Además de los lemmings suicidas, reciben atención constante los Yetis y el señor Riebmann, que vive en una pared, al igual que la Muerte y su caniche, los fecalini, los ninjas, los extraterrestres y los científicos Wilson y Pickett. Las imágenes en movimiento también desempeñan un papel cada vez más importante para Sauer; actualmente trabaja en una serie de películas de animación. Los tres artistas publican periódicamente nuevos dibujos animados y cómics en sus sitios web.

Esto es lo que presenta Flix bajo el título Días de héroe Pequeñas situaciones cotidianas, normalmente ordenadas en cuatro recuadros, en Internet. Mientras que Ruthe y Sauer eligieron como medio el dibujo animado, es decir, la imagen única, Flix dibuja cómics extensos que a veces se basan en modelos literarios. Faust o en Don Quijote se cuentan aquí de una manera muy original. El hermosas hijas, que actualmente se publica como libro coincidiendo con la exposición, también refleja observaciones de la vida cotidiana como muchas de sus otras historias. Y Fernando el perro reportero él cede regularmente tu espejo Apariencia y carácter, mientras Ralph Ruthe inventa las historias.

Estructurar y conectar, separar y fragmentar carreteras, vías navegables, líneas ferroviarias y catenarias. Son los elementos centrales del diseño de la zona del Ruhr. Estos grandes corredores configuran la imagen de la región y actualmente suscitan debate. ¿La construcción de torres eléctricas es un indicador de la transición energética o una distorsión del panorama paisajístico? ¿Una conexión directa por autopista significa movilidad y modernidad o ruido y peligro? Diferentes perfiles espaciales indican paisajes dañados, renaturalización y cambios estructurales. Esta exposición bajo el desafiante título GREEN CITY visualiza el paisaje inusual y complejamente interconectado de la región del Ruhr a través del ojo artístico. Los temas de la ecología, el clima, la protección del medio ambiente y la energía no sólo son importantes desde el punto de vista sociopolítico, sino que también desempeñan desde hace mucho tiempo un papel central en el trabajo de numerosos artistas.

La LUDWIGGALERIE presenta un espectro de esta búsqueda artística idiosincrásica, con obras de artistas regionales y de posiciones de renombre internacional. Las obras examinadas críticamente muestran ríos y calles. Los ambientes en el espacio exterior diseñan el paisaje de forma escultórica o con color. Series fotográficas analizan la recuperación de espacios por parte de la naturaleza. Trabajamos con materiales naturales e industriales, de todos los géneros y de forma experimental. ¡Incluso la corriente eléctrica, realmente invisible, puede convertirse en un objeto de arte!
Las obras de arte en las inmediaciones de la LUDWIGGALERIE también abren el espacio del museo al medio ambiente.

Esta extensa exposición general presenta el trabajo de uno de los fotógrafos alemanes más destacados. A mediados de los años 1970, Herlinde Koelbl, que vivía cerca de Múnich, descubrió su pasión por la fotografía. Desde el principio quedó patente su especial sentimiento por las personas, los temas idiosincrásicos y su enfoque para trabajar en proyectos a largo plazo. El salón alemán fue su primer libro publicado en 1980 y hoy es uno de los clásicos de la historia de la fotografía alemana. Siguieron más de una docena de volúmenes, así como numerosos premios, puestos docentes internacionales y exposiciones.
Pero sería demasiado miope considerar a Herlinde Koelbl únicamente como fotógrafa. Muchos de sus proyectos incluyen textos extensos y trabajos de entrevistas. Películas y videoinstalaciones completan su obra. Ya en El salón alemán ella deja que las personas retratadas expresen su opinión. Ambos Retratos judíos Desde 1989, las respuestas integrales de la “última generación de judíos alemanes que nacieron en la fértil simbiosis germano-judía y que luego tuvieron que presenciar su destrucción” son una parte inseparable del trabajo y dan testimonio de preguntas sobre la tradición, la patria o religión. El profundo interés de Herlinde Koelbl por las personas también se hace evidente en la serie. niños, hombres o en mujeres fuertes. Quizás su proyecto más conocido sea el estudio a largo plazo Traces of Power. En 1991 comenzó este estudio de ocho años y observó durante su visita anual cómo el cargo y la responsabilidad, la atención pública y la presión para tener éxito cambiaban a las personas. Las imágenes de Joschka Fischer, Gerhard Schröder y, especialmente, Angela Merkel se han convertido en parte integral de la memoria pictórica alemana.

“¡Rascagato! – lleno de traición / Un hueco en el puente.” En el otoño de 1864, Wilhelm Busch completó su relato pictórico más famoso: Max y Moritz. Estas bromas de chicos malos se consideran ahora el nacimiento del cómic alemán. La LUDWIGGALERIE muestra ahora, paso a paso, la primera visión general a gran escala de la historia y el desarrollo del cómic en los países de habla alemana. Divididos en 15 capítulos (bromas), los cómics favoritos de los alemanes se presentan en casi 300 dibujos originales y más de 60 primeras copias.
Padre e hijo, Nick Knatterton, Arreglar y astuto, mecki o en Strizz luego poblar el castillo de Oberhausen. Ralf König está con nosotros el hombre en movimiento tan representado como la figura de culto de Walter Moers pequeño gilipollas. Además, esta primera retrospectiva del cómic ofrece interesantes conocimientos sobre la escena del cómic local actual. A las obras de vanguardia de Hendrik Dorgathen y Anke Feuchtenberger les siguen las novelas gráficas artísticamente ambiciosas de Isabel Kreitz y Reinhard Kleist. También forman parte de la exposición las últimas novedades, como el gas alemán basado en el modelo japonés, los cómics de superhéroes para el mercado estadounidense y los cómics web.
Dejan claro que los cómics en lengua alemana son hoy más variados y de mayor calidad que nunca. En 150 años ha ido ganando continuamente en fuerza innovadora.

Eve Arnold (1912 – 2012) es una de las fotógrafas más importantes del siglo XX. A finales de los años 20 comenzó su carrera fotográfica como fotógrafa autodidacta con una cámara Rolleicord y en 1940, como una de las primeras mujeres, se unió a la legendaria agencia fotográfica MAGNUM. Se hizo famosa por sus inusuales fotografías de moda en Harlem y sus reportajes políticos. Pero las sensibles observaciones de la vida que recién comienza y las fotografías de sus viajes a Afganistán, China e India también demuestran su lenguaje visual único y profundamente humanista.
Además de las fotografías de viajes, son especialmente los sensibles retratos de estrellas de cine como Marlene Dietrich, Marilyn Monroe y Joan Crawford con los que Eve Arnold hizo historia en la fotografía. Ha estado fotografiando a Monroe and Co. durante más de cincuenta años.
Eve Arnold impresiona como una observadora tranquila y sensible que siempre retrocede detrás de sus sujetos fotográficos para capturar el "momento decisivo", en el espíritu de Henri Cartier-Bresson. Sus fotografías aparecen en revistas de moda y fotografía importantes y conocidas como Harper's Bazaar, Vogue y LIFE. La LUDWIGGALERIE dedica ahora una completa retrospectiva a la gran dama del fotoperiodismo, que murió en Londres en 2012, poco antes de cumplir 100 años. El tema central de la exposición de Oberhausen son las fotografías de viajes de Afganistán, China, India y Sudáfrica, así como sus estudios de retratos fotográficos de Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Joan Crawford, Isabella Rossellini y otros rostros conocidos del siglo XX.

Incluso durante su vida, Andy Warhol fue más popular que casi cualquier otro artista: creó símbolos e íconos que todavía son válidos hoy en día, y su estética visual tiene un impacto duradero en la vida cotidiana. Inspirándose en los medios de comunicación y la cultura cotidiana, la obra de Warhol proporcionó impulsos decisivos para el desarrollo del arte a partir de los años sesenta. Al mismo tiempo que Roy Lichtenstein, Warhol utilizó para su arte motivos de la prensa escrita y productos producidos en masa, como las latas de sopa Campbell. Elimina los objetos cotidianos de su entorno, los coloca en un lugar destacado en la imagen y transforma así las cosas cotidianas en arte. Encuentra sus motivos en los medios actuales, la historia del arte, la arquitectura o la naturaleza. Durante este tiempo, Warhol descubrió el proceso de serigrafía. Sólo a través de la tecnología de serigrafía es posible que el artista elimine cualquier rasgo escrito a mano de su obra, rompiendo así con la pintura tradicional y aún desarrollando su estilo inconfundible.
El foco de la exposición son los grabados de Warhol, especialmente los de sus primeros años. Dentro de la exposición, grabados como Electric Chair, Campbell's Soup y el portafolios Flash, retratos de Marilyn, Mao y la Anunciación según Leonardo da Vinci presentan la extraordinaria forma de trabajar de Warhol. La exposición se centra principalmente en el artista gráfico Warhol, pero también incluye obras en lienzo como Retrato de una dama. También se hace referencia a su presencia dentro del panorama musical de la época y al cineasta Warhol. Puedes ver las portadas de discos que diseñó, así como guiones originales. Las fotografías documentales de Leo Weisse, tomadas en 1971, hacen tangible la autoescenificación del artista. El fotógrafo acompañó a Warhol en su gira promocional de la película Trash en Alemania.

El cabello ha ejercido una fascinación especial entre personas de todas las culturas durante miles de años. Ya sea que se considerara el asiento del alma, simbolizara la fuerza vital humana o sirviera como portador central de mensajes eróticos. El cabello juega un papel especial en todas las religiones del mundo; muestra humildad al afeitarse el cabello o aumenta la cercanía a Dios al usar cabello real en los crucifijos en la Edad Media cristiana. La fertilidad o la pérdida de fuerza se reflejan en el cabello exuberante o cortado. El estatus, el género o la afiliación grupal se indican mediante el cabello abierto o cubierto con su peinado o la forma de la capucha. El color del cabello varía desde el rojo del traicionero Judas y la prole de brujas hasta el seductor rubio de María Magdalena y Marilyn Monroe y el negro profundo de la mujer fatal. Los rizos de los seres queridos se conservaban como muestra de amistad. El arte de los siglos XX y XXI está redescubriendo el cabello. Repulsivamente escenificado o dirigido al deseo, sorprendente en un contexto roto o apropiado para la vida cotidiana, el cabello ahora puede aparecer en muchas formas diferentes. Las metamorfosis parecen no tener límites.
Basada en los ricos fondos de la Colección Peter e Irene Ludwig, la muestra rastrea cómo los artistas han interpretado el cabello a lo largo de los siglos. Este proyecto expositivo tiene especialmente en cuenta la idea de Peter e Irene Ludwig de colocar continuamente sus obras de arte en nuevos contextos y combinarlas con otras obras de otras colecciones.

Arthur Fellig (1899-1968), que adoptó el sinónimo de seguridad Weegee – The Famous, es una de las posiciones inusuales en la fotografía estadounidense de los años 1930, 40 y 50. Se hizo famoso por sus fotografías nocturnas de incendios, accidentes y asesinatos, así como por sus observaciones de personas sin hogar y forajidos. En 1910 la familia de Zloczew, en la actual Polonia, emigró a América. Después de varios trabajos no cualificados y de cuarto oscuro, a mediados de los años 30 se convirtió en fotógrafo de prensa por cuenta propia. En 1938 fue el primero en recibir el privilegio de escuchar oficialmente la radio policial. Instala el dispositivo en su coche y suele presentarse en la escena del crimen antes que la policía. Instala un cuarto oscuro improvisado en la parte trasera del coche, de modo que sus fotografías suelen ser las primeras en informar sobre asesinatos y homicidios, incendios y prostitución. Este tipo de trabajos le convirtieron en uno de los cronistas visuales más famosos de esta época brutal, que todavía era en blanco y negro.
Las imágenes se caracterizan por una iluminación intensa con una inmediatez aterradora y un realismo drástico. Su brillante destello a menudo crea “pálidas figuras nocturnas”, resaltando visualmente la oscuridad como su principal tiempo de trabajo.
En más de 100 fotografías, la exposición presenta a este realista, que fue una figura ejemplar y formativa para muchos fotógrafos, directores y cineastas posteriores. Weegee tituló su primera exposición durante su vida "El asesinato es mi negocio". Además de imágenes de escenas de crímenes y perpetradores, el espectáculo de Oberhausen también reúne imágenes de celebridades y estrellas como Jackie Kennedy y Salvador Dalí.

Cornelia Funke es una de las grandes narradoras alemanas, tanto con la palabra como con la pluma. La ilustradora de formación comenzó su carrera dibujando para textos de otras personas, luego rápidamente se dio cuenta de que podía inventar historias igual de bien (¡o mejor!) y se dedicó cada vez más a escribir. Sus propias historias comenzaron a finales de los años 1980 con No Cookie for Goblins y otros libros infantiles. Series como Los Cazafantasmas o Las gallinas salvajes la convirtieron en una de las favoritas del público joven. Se dio a conocer internacionalmente con El señor de los ladrones y finalmente la trilogía sobre el mundo de la tinta.
Aunque en los últimos años ha limitado su dibujo a favor de la escritura, los originales muestran claramente cuán imaginativa inventora de imágenes es. Las primeras ilustraciones suelen estar muy coloreadas y ricas en figuras; en los libros posteriores a menudo se limitan a dibujos (muy finos) en tinta negra o tiza o grafito que introducen los capítulos. La patria adoptiva de América, nativa de Dorsten, se refleja visualmente en algunos de sus últimos dibujos.
Por primera vez se presenta la obra gráfica de Cornelia Funke, desde los inicios hasta las obras más actuales de Reckless, acompañada de un extenso catálogo. Aquí queda claro que Cornelia Funke es uno de esos raros dobles talentos que lleva a las personas a nuevos mundos de una manera imaginativa y original a través de palabras e imágenes. No sólo inspira a niños y jóvenes, sino que también cautiva al público adulto. Numerosas adaptaciones cinematográficas de sus libros abren nuevos mundos de imágenes en este medio.

Los personajes de Ulf K. son adorables outsiders que creen en su propia imaginación. Sus historias te contagian una fascinación difícil de resistir.
El dibujante e ilustrador, nacido en Oberhausen en 1969 con su nombre real Ulf Keyenburg, es uno de los más reconocidos de Alemania. En 2004, Ulf K. recibió el premio Max y Moritz al mejor dibujante de cómics de habla alemana en el Salón Internacional del Cómic de Erlangen. Sus publicaciones aparecen en todo el mundo.
Ulf K. estuvo especialmente influenciado por los cómics franco-belgas, como Tintín de Hergé, pero rápidamente desarrolló su propio estilo. Su estilo es muy reconocible gracias a las líneas claras y reducidas y al color plano y monocromático en la tradición de la línea clara.
Sus cómics a menudo transmiten desde un estado de ánimo entre morboso y melancólico o incluso tienen la muerte como protagonista principal, como en el recientemente reimpreso. tango de la muerte (2000/2012). A menudo se les añade una pizca de humor negro.
Crea historias ilustradas y también historias que funcionan sin palabras. El espectro abarca desde cómics para adultos hasta libros infantiles y escolares, pasando por libros ilustrados de cartón para niños de dos a cuatro años.
La muestra presenta la obra en su totalidad con más de 200 originales en color, dibujos a mano y bocetos. Se muestran los primeros dibujos y el álbum de cómics. el observador de la luna, que fue autoeditado en 1998, así como la serie de libros para niños que actualmente produce Gerstenberg Verlag.

Marilyn Monroe es una de las mujeres más fotografiadas del mundo. Fue descubierta como modelo a una edad temprana. En 1949, Tom Kelley capturó los encantos de la joven Marilyn, que, sin embargo, no se transmitieron hasta un calendario de gran éxito en 1952. En 1953, una de las fotografías incluso apareció en la página central del primer número de Playboy.
Milton H. Greene conoció a Marilyn apenas este año. Los dos se hicieron amigos cercanos durante unos pocos años y fundaron la empresa conjunta Marilyn Monroe Productions Inc. En 1953, Greene recibió el encargo de fotografiar a Marilyn para la edición navideña de Look. Se crearon innumerables fotografías más hasta que se rompió el contacto en 1957, probablemente en la época de su matrimonio con Arthur Miller.
La exposición se centra en las fotografías tomadas por Bert Stern, quien en 1962, apenas unas semanas antes de la muerte de Marilyn, realizó una sesión fotográfica para Vogue titulada La última sesión se hizo conocido. Las fotografías de Stern presentan a Marilyn con una densidad inquietante y, a veces, con una gran intimidad. La última fotografía de esta sesión, tomada por el asistente de Stern, Leif-Eric Nygård, completa la serie.
La revista Cosmopolitan también se interesó por la actriz en el verano de 1962. George Barris realiza para ella una sesión fotográfica de tres días en la playa de Santa Mónica, en cuyas fotos se puede ver con el jersey de lana. Y por último, se dice que las fotografías de Allan Grant para la revista Life se encuentran entre las últimas fotografías de Marilyn y están representadas aquí con un ejemplo destacado.
Una exposición en colaboración con Ina Brockmann y Peter Reichelt, Mannheim.

¡Será privado! – La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen se atreve a mirar el salón, la cocina, el baño y también el dormitorio. Muchos habitantes de la región del Ruhr todavía recuerdan los asentamientos obreros y el barroco de Gelsenkirchen. Esta muestra muestra cómo los artistas diversos y multiculturales ven la metrópoli del Ruhr. No es el enfoque histórico-cultural lo que interesa, sino la visión artística de, a través y detrás de los ojos de las cerraduras.
Habitaciones llenas y habitaciones vacías, habitaciones diseñadas por personas y aquellas en las que los objetos parecen desarrollar vida propia, todo esto se puede observar de formas a veces extrañas. Anna y Bernhard Blume experimentan en el suyo Casa casada. Julia Arztmann y Barbara Deblitz confunden a las personas con objetos misteriosos de la supuesta vida cotidiana. Mischa Kuballs nuevo pott y la serie barrio de Sebastian Mölleken y Oliver Blobel examinan el tema del hogar. Laurenz Berges y Jörg Winde, por el contrario, se enfrentan al abandono y al vacío.
Y también en el ámbito cinematográfico –en colaboración con el Blicke Festival de Cine de la Región del Ruhr – surgen nuevos conocimientos sobre lo que parece familiar. La unión Cultura en la torre está trabajando en una instalación realizada específicamente para la exposición.

Utilizando la mejor técnica de tallado, el sapo de marfil revela su aterrador mensaje: la fugacidad de la vida, la descomposición de la carne. Las plagas abundantes dan testimonio de la pecaminosidad del hombre. Los sapos y las serpientes representan criaturas infernales, las moscas, cosas del diablo, incluso ocupan el lugar del corazón. El cuerpo está incrustado en una caja decorada con incrustaciones de marfil y ébano, que permite la vista a través de las paredes laterales caladas incluso con la tapa cerrada. La exposición del gabinete está dedicada a esta obra única de cultura del recuerdo de la colección de Peter e Irene Ludwig.
El precioso niño de marfil se complementa con la representación tridimensional de la Danza de la Muerte de Basilea. Las llamadas figuras de Zizenhausen, pequeños grupos escultóricos hechos de arcilla, muestran vívidamente la que probablemente sea la más popular y conocida de las danzas de la muerte medievales. La muerte no se detiene ni en el rey ni en el monje, ni en la duquesa ni en el pintor.
Numerosos gráficos, incluidos los de artistas como Alberto Durero, Hans Holbein, Hendrick Goltzius y Marco, muestran hasta qué punto la gente de principios de la Edad Moderna y de los siglos posteriores se preocupaba por los temas de la muerte y la redención, la condenación y la resurrección, y cómo se reflejado en imágenes de Dente o Matthias Merian. El pequeño y maravilloso hueso encuentra aquí su contexto morboso.
La exposición se realizó en colaboración con el Museo Schnütgen de Colonia, el Museo Suermondt-Ludwig de Aquisgrán y la Colección Gráfica El hombre y la muerte de la Universidad Heinrich Heine de Düsseldorf.

Las mentiras del capitán del pelaje azul son tan legendarias como el comportamiento políticamente incorrecto del chico que ya tiene el gilipollas en su nombre. Y con el personaje Adolf, el cerdo nazi, rompe el último gran tabú: Walter Moers, ilustrador y autor de exuberante ingenio. Moers vive su imaginación ilimitada en su nuevo continente, al que llama Zamonia y que puebla con muchas formas diferentes de existencia, como cíclidos y Eydeetes, Fhernhachen y Wolpertingers, Buchlingen y Shark Maggots o Scratches and Scares. Un universo de una clase especial que ha elegido la literatura y la lectura, el juego con las palabras y las frases, como uno de sus temas principales. Las imágenes de este reino de fantasía idiosincrásico brindan una visión profunda de la imaginación del autor de doble talento y, al igual que sus textos, muestran un amplio repertorio de conocimiento histórico y literario del arte.
Walter Moers ya mostró su gran interés por el hilado marinero con uno de sus primeros personajes, el abuelo oso azul y sus tres nietos, para el espectáculo El ratón. Además de estos trabajos para televisión, Moers se hizo conocido por sus cómics, especialmente The Little Asshole. Un estilo de dibujo reducido con narices enormes es la marca registrada de Moer. A finales de los años 1990 se alejó de los cómics, sólo después se dibujó Adolf - The Bonker, acompañado de un vídeo musical.
Por primera vez, una exposición está dedicada a la obra del ilustrador y autor Walter Moers, nacido en Mönchengladbach en 1957, en todas sus facetas. Más de 200 obras en forma de dibujos, bocetos, pinturas, esculturas, muñecos y películas, incluidas obras inéditas, presentan a uno de los creadores de historias más importantes de Alemania en su amplitud mediática.

El conocido fotógrafo de Magnum Elliott Erwitt, nacido en 1928, muestra una visión general de su trabajo en la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Perros y niños, grupos y personas desnudas, museos y paisajes: nadie está a salvo de su mirada irónica y humorística. A través de casi 140 fotografías, la exposición ofrece una visión de todas las fases de la obra. Se representan las famosas imágenes de perros que se han convertido en iconos de la fotografía, así como temas aún por descubrir. El hecho de que los amigos de cuatro patas que ladran desempeñen un papel muy especial en su obra se basó, además de en las preferencias personales de Elliott, en un encargo para una serie de moda sobre zapatos de mujer. Decidió tomar las fotografías desde la perspectiva de los perros, ya que nadie vería tantos zapatos como los perros.
"Hablo en serio acerca de no ser serio", dice Erwitt sobre sí mismo. Las personas y los animales son el centro de su trabajo. Numerosos viajes lo llevaron por todo el mundo, y algunas de sus fotografías de reportaje todavía moldean nuestra visión de los acontecimientos históricos de hoy. En 1953 se incorporó a la agencia Magnum, cofundada por Robert Capa, de la que más tarde llegó a ser presidente. Ya estuvo representado con tres fotografías en la legendaria exposición fotográfica de Edward Steichen, The Family of Man, en 1955 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este estadounidense nacido en Francia y de padres rusos ha elaborado numerosas exposiciones y, sobre todo, varios libros ilustrados sobre sus temas. Además de la fotografía libre, que Erwitt llama sus “fotos personales”, y numerosos reportajes, el viejo maestro del blanco y negro también ha ejercido una influencia duradera en la fotografía de moda y publicitaria.
En colaboración con Magnum Fotos.

El foco de esta exposición de muy alta calidad en una sola sala es el llamado candelabro o lámpara de araña femenina de la colección de Peter e Irene Ludwig. Probablemente creado en el norte de Suiza hacia 1540, procede del ayuntamiento de Rapperswil o está colgado en la casa de los clientes Thüring Göldlin y Margareta Muntprat. Rodeada por las orgullosas astas de un ciervo de catorce coronas del que brotaron hielo, la figura sostiene el escudo de armas de la alianza de la pareja.
Numerosos préstamos valiosos ilustran el contexto de la pieza. Por primera vez en más de 20 años, el delicado dibujo de un candelabro de dragón de Alberto Durero se exhibirá junto con la versión ejecutada de Veit Stoss. Uno de los candelabros femeninos más jóvenes que se conservan y un candelabro masculino tardío, junto con otras esculturas, pinturas y gráficos, ilustran la doble estructura única de cosa natural y obra de arte de este maravilloso género.
La exposición se realizó en colaboración con el Museo Suermondt-Ludwig de Aquisgrán.

La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta a Janosch, uno de los ilustradores y narradores más importantes y populares de Alemania. En una exposición muy extensa con más de 200 obras, el artista se presenta en acuarelas, gouaches, bocetos y grabados originales. Los diseños dejan claro cuán estrechamente se entrelazan imágenes e historias. Proporcionan una visión profunda del proceso creativo artístico del narrador de renombre internacional con el lápiz de dibujo.
Janosch, nacido como Horst Eckert en Alta Silesia en 1931, publicó más de 300 libros (para niños) que han sido traducidos a 40 idiomas. Por eso, grandes y pequeños conocen muy bien sus tigres, osos y leones. Oso y Tigre no sólo nos mostraron lo que es el coraje y que Panamá puede estar a nuestras puertas, sino también lo importante que es la amistad. Las historias de Schnuddel, Kasper Mütze y Günter Kastenfrosch contienen mensajes que no sólo animan a los niños a pensar de forma lúdica. Janosch consigue transmitir valores de generación en generación, estimular la imaginación y hacer reír.
Sin embargo, lejos de Panamá, hay otros mundos en su obra que hasta ahora han sido menos conocidos. Janosch aborda intensamente las críticas a la institución de la Iglesia y muestra de forma exagerada la relación entre hombres y mujeres. Cuando lo real y lo fantástico se fusionan en el universo de Panamá y en los otros mundos, el fenómeno Janosch sólo se aclara en su totalidad.

Con esta inusual presentación, la Galería Ludwig presenta para la Capitalidad de la Cultura 2010 una amplia exposición sobre el uso artístico de la mesa. El punto de partida son las colecciones de alta calidad y difusión internacional de Peter e Irene Ludwig. Un panóptico de mesas revela perspectivas insólitas. Vasijas antiguas, mesas (de altar) medievales o naturalezas muertas del siglo XVII se enfrentan a las tendencias de los siglos XX y XXI. Las posiciones, una al lado de la otra y una contra la otra, demuestran una amplia variedad de enfoques. No se trata de una exploración histórico-cultural de la cultura de la mesa; más bien se trata de una visualización de conexiones internas, que a menudo parecen muy diferentes al principio.
El objeto cotidiano de la mesa se utiliza aquí por primera vez para presentar enfoques artísticos, algunos de los cuales muestran grandes distancias y otros sorprendentemente cercanos. Si la silla es y fue el objeto de diseño por excelencia, la mesa desempeña un papel más bien secundario y secundario. Y, sin embargo, combina mucho en sí mismo y sobre sí mismo. La naturaleza muerta es el único género que lo convierte en el protagonista principal. De lo contrario, tal vez sea precisamente la informalidad de su comportamiento lo que distingue a la mesa. Es la primera vez que una exposición aborda este tema a través del tiempo y el género y utiliza obras maestras de la Colección Ludwig para buscar la estructura interna, la esencia de las posibilidades fundamentales.
La gama de tensiones se extiende desde los servicios decorativos de porcelana fina de la colección Ludwig hasta los de Renato Guttuso. comida funeraria, que une a Picasso y su mundo. Las latas de sopa Campbell's pertenecen a la mesa tanto como los grandes skyphos antiguos o el cuenco para ojos Attic. Las acciones rituales (mesa del altar) desempeñan un papel igual que las áreas cotidianas. David Hockney da una idea de su estudio de dibujo, Alberto Durero presenta la cámara de estudio de San Jerónimo.

La nariz bulbosa es su marca registrada, la observación de la interacción (homo)erótica es su contenido: la galería Ludwig dedica la primera exposición grande y completa a Ralf König. Armado con premios internacionales (sus cómics han sido traducidos a 15 idiomas), ahora se puede ver por primera vez una visión general de su trabajo en originales.
Hombres conmovedores y yeguas, pasteles de crema y panecillos de limón retozan en sus historias y han convertido a Ralf König no sólo en el dibujante de cómics alemán más importante, sino también en la figura más importante del movimiento gay. “The Moving Man” lo dio a conocer a un público más amplio y cada vez más heterosexual en 1986. Sus cómics se han llevado al cine o se han presentado con éxito como espectáculos de marionetas. König recurrió repetidamente a material literario clásico, como “Lisístrata” –basada en Aristófanes o “Yago” –basada en Shakespeare. Abordó el tema del SIDA en Superparadise Side Effects. Y en 1993 también puso su propia (breve) biografía en una historia dibujada de forma atrevida... y lo hizo con la mano izquierda.
In Prototyp y el ArquetipoEn sus dos libros más recientes, ofrece información sobre la bulbosa historia de la creación, así como sobre la construcción y la actividad alrededor y sobre el Arca de Noé. Aquí aborda el tema de la religión y trata las historias de la Biblia de una manera muy idiosincrásica. König comentó críticamente la polémica de las caricaturas y el Islam, defendiendo así claramente la libertad de expresión y la libertad de prensa. En 2006 recibió el “Premio Max y Moritz” en Erlangen. Además de las historietas, se mostrarán obras de gran formato de Ralf König, la mayoría de las cuales fueron creadas específicamente para la presentación de Oberhausen.

Georg Baselitz, Markus Lüpertz y AR Penck se encuentran sin duda entre los protagonistas más importantes de la pintura en Alemania. En las últimas décadas, sus imágenes han dado forma y siguen dando forma a las artes visuales, incluso más allá de Alemania. Peter e Irene Ludwig adquirieron los primeros dibujos de los tres artistas para su colección, que trazan el desarrollo que llevó a Baselitz, Lüpertz y Penck a sus temas y formas.
A finales de los años cincuenta, Baselitz se aleja de las formas gestuales y se acerca a la figura. Esta fase se caracteriza por personas y partes del cuerpo individuales de apariencia casi orgánica. Los héroes y los “chicos nuevos” se unen, alcanzando un clímax programático con los “grandes amigos”. A finales de los años 1950, Baselitz empezó a rotar sus motivos.

Con el ditirambo, Markus Lüpertz introdujo en el arte en 1964 una forma que, debido a su efecto extremadamente físico, sugiere asociaciones representativas, pero que no puede asignarse objetivamente. Sus dibujos muestran el camino hasta allí. Otros grupos ilustran el desarrollo de sus conocidos objetos pictóricos. Capa, casco, caracol, dragón y pez pueblan los dibujos; las “imágenes de estilo” caracterizan su propia forma.
Y el desarrollo del sistema de dibujo de AR Penck también se puede ver en la colección de dibujos de la Colección Ludwig. Incluso en sus primeras imágenes de sistemas, Penck estaba interesado en la importancia de las señales en la transmisión de información.
La exposición, creada en colaboración con el Foro Ludwig para el Arte Internacional y la Fundación Ludwig de Aquisgrán, ofrece una primera visión del fondo gráfico internacional de la Colección Ludwig de Europa occidental y oriental, así como de Asia y Cuba.

“El octavo de segundo me parece un abrir y cerrar de ojos en la fotografía clásica”, dice Jim Rocket, uno de los fotógrafos alemanes más famosos. Realiza sus retratos con una cámara de placas, una técnica de los inicios de la fotografía. En sus impresionantes retratos, el berlinés ofrece una visión del mundo del cine y la música, el arte y la danza, la literatura y la política.
En los retratos se representan "extraños familiares", cuya lista de nombres se lee como un quién es quién de la vida pública. Para Rocket es importante capturar a sus protagonistas en la imagen sin maquillaje y como seres humanos. Heino Ferch, relajado con una taza de café, Christiane Paul, embarazada en la agitada estación de tren, junto a Helmut Schmidt con el inevitable cigarrillo. El artista Jörg Immendorff huele un clavel en un gesto melancólico.
La escena musical, en la que Jim Rocket desempeñó un papel fundamental como manager, no sólo está representada por Nena y Ulla Meinecke, sino también por Luna plateada y el somos héroes. Algunas de las raras fotografías en color, que muestran a Nadja Auermann y Polina Semionova, arrojan luz sobre esta parte de su trabajo. El amor oculto de Rocket por los conejos no sólo es visible en la contraportada del libro de fotografías del mismo nombre.
La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen muestra alrededor de 130 de estos impresionantes retratos. Las imágenes son un recorrido rápido por personas influyentes en muchos ámbitos de la vida (música, cine, política y deportes, arte) con una cámara muy lenta (de placa), dice Jim Rocket. Se creó un homenaje a la fotografía en plata, cuya época toca a su fin. Para dar una idea del sencillo ambiente de trabajo de este tipo de fotografía, la exposición presenta una situación de estudio en la que también se pueden ver la fiel cámara de placas, el fondo arrugado de algunas fotografías y algunas placas originales.

La imagen del hombre ha sufrido una intensa transformación desde la modernidad. Las vanguardias abordan formas innovadoras de representación y abren nuevos caminos. La exposición arroja luz sobre este fenómeno. Comenzando con la primera obra maestra de Edvard Munch, Madonna, el arco se extiende hasta los íconos pop de Andy Warhol.
Las figuras de danza de Ernst Ludwig Kirchner desarrollan sus intrincados ritmos, las figuras de los artistas del Brücke como Heckel, Schmidt-Rottluff, Pechstein y Müller diferencian formas de representación. Nolde, Kandinsky, Dix y Beckmann introducen una nueva visión de la humanidad, al igual que los actos lascivos de Egon Schiele.
Picasso creó nuevas formas de imagen humana en una amplia gama, desde la comida austera hasta los cuadros de malabaristas; sus obras van desde el estilo prismático del cubismo hasta las variaciones históricas y los grabados experimentales de líneas blancas. Varios retratos de sus socios proporcionan información sobre las relaciones privadas.
Los íconos pop de Andy Warhol marcan un punto final artístico en la estilización de la imagen humana en el siglo XX. Además de los billetes, las flores y las vacas, la figura domina como objeto de arte digno de ser exhibido. Warhol influyó significativamente en nuestra visión de íconos del cine como Marilyn Monroe, Liz Taylor y Jane Fonda.
En parte, impresiones en color de gran formato, impresiones de prueba y piezas únicas, la exposición muestra en imágenes magistrales el cambio de figura a icono y sorprende con la imagen de la humanidad en el siglo XX en las tres plantas de la Galería Ludwig.

Hay fotografías de Thomas Hoepker que están firmemente ancladas en nuestra memoria visual: la hambruna en la India (1951), los leprosos en Etiopía (1963), Boxidol Muhammad Ali (1966), el entrenamiento de los reclutas de los marines estadounidenses (1970) y Nueva York el 11 de septiembre de 2001. Estas imágenes no sólo pretendían ilustrar el texto, sino que formaban parte de interesantes reportajes fotográficos de varias páginas. La vivacidad surgió enteramente de la expresividad visual de las fotografías.
Lo que todavía hoy nos llama la atención de las fotografías de Hoepker es su “mirada humana”. No es un reportero fotográfico sensacionalista, sino más bien un observador curioso y sensible. Las fotografías de Hoepker se inscriben en la tradición de la "fotografía de interés humano", a la que asociamos los nombres de Dorothea Lange, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, entre otros, cuya actitud fotográfica se hizo especialmente evidente en el trabajo de la legendaria agencia fotográfica. MAGNUM, del que Hoepker es miembro desde 1989.
La retrospectiva de Thomas Hoepker muestra no sólo la curiosidad y la intensidad con la que se dedicó repetidamente a los dramas humanos de los acontecimientos mundiales, sino también cómo buscó las formas de expresión más apropiadas para las diversas tareas fotográficas.
La exposición fue desarrollada por Thomas Hoepker en colaboración con MAGNUM Photos Paris y el Museo de Fotografía del Museo Municipal de Múnich.

La descarada ruptura de tabúes, la burla cáustica, la lujuria carnal desenfrenada y la sensualidad barroca son marcas registradas del satírico austriaco Manfred Deix. Luchadores, pomposos y mezquinos, sus personajes caricaturizan el “sano sentimiento popular”. Políticos, policías, sacerdotes, pederastas, pervertidos, prostitutas, turistas, extranjeros, desempleados y neonazis: los encontramos a todos en su abultado cosmos de imágenes.
Cuando miras estas imágenes de la exposición, inicialmente piensas que los personajes que ha dibujado son monstruosos productos de tu imaginación, hasta que luego te sorprendes al darte cuenta de que todas las personas en la calle realmente parecen haber sido dibujadas por Deix. "La sátira de nuestra realidad", dice Deix, "ha superado hace mucho la imaginación de un caricaturista. Por lo tanto, no se considera un "exagerador", sino más bien un "bonito" y "trivial" de la sátira real cotidiana". – como ilustrador que “disfruta” Quiero difundir algo de belleza entre la gente.
La Galería Ludwig muestra 200 dibujos originales de Deix, incluida su nueva biografía de Arnold Schwarzenegger “La verdad desnuda”.
La exposición se realizó en colaboración con el Museo de la Caricatura de Krems y el Museo Wilhelm Busch de Hannover.

Fue Wilhelm Busch, sobre todo, quien enseñó a caminar al cine con sus legendarias historias pictóricas de Max y Moritz, la piadosa Helene, Plisch y Plum, Hans Huckebein, el mono Fips y otros. Lo que aún hoy nos fascina de los cómics “Little Nemo” de Winsor McCay y de las primeras películas de Disney “Silly Sinphonies” es que este mundo en movimiento de imágenes fue inventado por Wilhelm Busch. Ya no intentaba expresar sus historias en una sola imagen como los artistas anteriores a él, sino que las contaba en una secuencia de imágenes cuya furiosa dramaturgia arrastra al espectador casi sugerentemente hacia los acontecimientos: puntos de vista y perspectivas en constante cambio, planos generales y primeros planos. arriba, la obsesión por el detalle y la violencia de sus líneas dinámicas.
Su pintura también fue absolutamente moderna. Franz Marc llamó a Wilhelm Busch el “primer futurista”, porque con sus pinceladas furiosas quitó a las imágenes toda estabilidad interior y las transformó en un cuerpo de color en movimiento.
Sus cuadros no idealizan, sino que caricaturizan, deforman, distorsionan y pervierten el ideal y exponen lo bueno al ridículo. “Heart Pain and Nose Pain” muestra que la caricatura se nutre de la malicia, el rencor y la alegría maliciosa.
Además de las obras maestras de Wilhelm Busch, se muestran obras de: Callot, Carracci, Gillray, Rowlandson, Hogarth, Grandville, Toepffer, Dirks, McCay, Disney, Heine, Flora, Pericoli, Searle, Sempé, Topor, Ungerer y otros.
Socio colaborador de la exposición: Museo Wilhelm-Busch de Hannover

La exposición permite experimentar la fascinante diversidad de las relaciones entre el mundo de las formas en la naturaleza y el arte. Las piedras de más de 2 mil millones de años y las fotografías de Albert Renger-Patzsch, Alfred Ehrhardt y Karl Blossfeldt muestran: La naturaleza y el arte están igualmente impregnados por las fuerzas del diseño creativo.
“Piedras vivas” comienza con un prólogo histórico-cultural: cruz de cristal de roca medieval y escalón de cristal de roca, piedras de antiguos eruditos chinos y formas de piedra extrañas. La combinación de importantes obras de arte y piedras preciosas de la Colección Ludwig hace visibles las diferencias en la comprensión de la naturaleza entre Europa y el Lejano Oriente.
La última obra "Rock" de Albert Renger-Patzsch, compuesta por 64 fotografías, muestra el ciclo de crecimiento y decadencia que ha tenido lugar durante miles de millones de años: las "fases de crecimiento" de las rocas terrestres. Las fotografías de Renger-Patzsch, Blossfeldt y Ehrhardt contrastan apasionantemente con los hallazgos de rocas y cristales únicos. Al igual que otras obras de arte, las piedras de la exposición se presentan preciosamente como formas creativas de la naturaleza. A medida que el espectador penetra su belleza con todos sus sentidos, las piedras comienzan a contar una historia. Porque cada uno de ellos tiene su propia biografía, como el gran meteorito de hierro y níquel que cayó a la Tierra hace 30000 años, que procede del cinturón de asteroides entre Marte y Júpiter y nació con el sistema solar hace 4,5 millones de años.
La exposición se creó en colaboración con el Ruhrmuseum Essen, la Colección Ann y Jürgen Wilde de Zülpich y la Fundación Alfred Ehrhardt de Colonia. Los prestamistas de las obras histórico-culturales son: Museo de Arte de Asia Oriental de Colonia, Museo Schnütgen de Colonia, Museo Suermondt-Ludwig de Aquisgrán.

La exposición muestra obras de tres colecciones de arte únicas: fotografías de Karl Blossfeldt de la colección Ann y Jürgen Wilde, Zülpich, capiteles florales románicos del Museo Schnütgen de Colonia y libros antiguos sobre plantas de la Biblioteca Estatal de Bamberg. Tan diversas como el material con el que artistas, artesanos y científicos crearon estas representaciones durante un período de casi 1000 años, todas cantan alabanzas a los poderes creativos de la naturaleza.
Karl Blossfeldt fotografió el mundo de las plantas con un aumento de 2 a 40x para ilustrar que la historia del arte ha surgido de las formas de la naturaleza: la foto del helecho de avestruz y un cayado de obispo dorado, la hoja de la saxífraga y un rosetón gótico, un Acantus planta y un tapiz medieval.
Por primera vez, las fotografías de Blossfeldt se pueden ver en esta exposición junto con capiteles románicos de los siglos X al XIII. Durante más de 10 años, ha unido el asombro y la curiosidad de artistas y científicos hacia las fuerzas creativas de la naturaleza.
En los antiguos libros de hierbas y plantas, cada planta está representada con precisión con palabras e imágenes y se describe su uso como alimento, medicina o veneno, pero al mismo tiempo las ilustraciones siempre intentan representar la planta como una creación única de una manera digna y manera magnífica. Estos artistas y científicos estaban igualmente preocupados por el conocimiento y la edificación.

La exposición presenta 130 obras maestras de arte y artesanía que abarcan 5000 años de las colecciones de Peter e Irene Ludwig, así como de otros importantes museos y colecciones privadas. La urna de los niños del antiguo Egipto, el ánfora de vientre griega, la vasija de donación iraní, la vasija de figuras precolombinas, el ánfora de pie china antigua, la calabaza coreana, el cáliz medieval. La fascinación por las obras maestras de la artesanía mostradas en la exposición hace comprensible que estos recipientes alguna vez fueron fuerzas misteriosas, vivificantes y destructoras, en cuyas formas antropomorfas, zoomorfas, biomórficas y geomórficas estaban encerradas las energías de la naturaleza y la humanidad. Una cosmovisión panteísta impregna Mundo de embarcaciones, que ha sido olvidado en los tiempos modernos, al igual que el papel central que desempeñaron las vasijas en la cultura y el arte matriarcal.
Desde entonces, el buque ha sufrido una variedad de metamorfosis. Porcelanas y loza únicas de Meissen, Delft y Estrasburgo muestran cómo, en el esplendor del barroco y el rococó, la vasija como símbolo universal de la creatividad se convirtió en una elegante y delicada decoración de mesa del más alto nivel artístico.
Al final de la exposición se encuentran obras maestras de la cerámica de Pablo Picasso. Después del movimiento reformista del Art Nouveau, contribuyó significativamente a dar un nuevo impulso a la cerámica, que en el siglo XIX se había reducido a artes decorativas.

La exposición muestra Oberhausen de una manera que nadie espera de una ciudad industrial: los edificios administrativos y residenciales se encuentran en un mar de árboles, como en un parque; Preciosas avenidas arboladas impregnan la ciudad como una red de vetas verdes. Lo que se creó en el centro de Oberhausen entre 1900 y 1930 fue la realización de una gran utopía urbanística de la arquitectura moderna: el propio centro de la ciudad se convirtió en un parque.
En aquella época, el arquitecto urbano Ludwig Freitag no sólo consiguió inspirar a los mejores arquitectos de las escuelas de Berlín y Darmstadt para crear obras maestras de la arquitectura expresionista en ladrillo, sino que estos edificios crecieron junto con los parques y las avenidas arboladas hasta formar un todo único. con fascinante movimiento rítmico.
La restauración de la histórica ciudad-parque de Oberhausen también mira hacia el futuro: la ciudad-parque se desarrolló con el objetivo de crear un "cuerpo urbano saludable con una red de avenidas radiantes y espacios verdes como poderosas arterias y pulmones".

Gerhard Haderer dibuja semanalmente desde hace más de diez años sus fascinantes caricaturas para las revistas “Stern” y “Profil”. Haderer no se considera un caricaturista, sino un realista. Con sus poderes de observación meticulosamente precisos, nos muestra cómo somos realmente o, más precisamente, qué ha hecho nuestro esfuerzo por ser contemporáneos, en forma y dinámicos en nuestros rostros y cuerpos, nuestras almas y nuestro entorno.
Todo empieza siempre de forma tan bonita: la superficie brillante llena de detalles preciosamente pintados casi nos atrae hacia sus cuadros. Pero Haderer no nos permite sentirnos cómodos allí. El deseo de mirar pronto se convierte en escalofrío, porque lo que dibuja con tanto cariño como Biedermeier resulta, si se mira más de cerca, ser la locura frenética y cotidiana de nuestra realidad: locura por la belleza, locura por el fitness, estrés de las vacaciones, comodidad familiar, adicción a la comida, adicción a la televisión, manía por el teléfono celular, obsesión por la tecnología, ansia de escándalo, ansia de dolor, destructividad, gigantomanía y egomanía. Los dibujos de Haderer no nos muestran como víctimas lamentables, sino como jugadores fanáticos que aportan con entusiasmo toda su energía vital a esta locura diaria. Los dibujos de Haderer muestran que la visión de Neil Postman de “Nos estamos divirtiendo hasta la muerte” ya no es una profecía, sino una realidad.
La exposición muestra 140 dibujos y caricaturas originales, incluida la historia ilustrada “La vida de Jesús”, que causó un escándalo en Austria el año pasado por “herir los sentimientos religiosos”. La exposición se realizó en colaboración con el Museo Wilhelm Busch de Hannover.

Nadja Auermann, Milla Jovovich, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Kristen McMenamy, Amber Valletta y Marie-Sophie Wilson son algunas de las supermodelos y estrellas que Peter Lindbergh ha convertido en iconos de nuestro tiempo en sus fotografías. Lo que en el pasado fueron adorados y maldecidos con nostalgia como diosas, santos y amazonas, brujas y hadas, Peter Lindbergh ha renacido en la forma de sus supermodelos a través de su imaginación fotográfica. La naturaleza misteriosa, parecida a una esfinge, de sus imágenes de mujeres es su contradicción interna: mujeres fuertes pero frágiles al mismo tiempo. En el último libro de Lindbergh, “STORIES”, que dio título a la exposición, Wim Wenders describe a estas mujeres como fuertes pero desprotegidas, llenas de devoción pero intocables, familiares y extrañas al mismo tiempo. Utilizando los medios expresivos de la fotografía de moda, Peter Lindbergh escenifica sus historias en los lugares más insólitos del mundo. Deja que sus modelos actúen en medio de los enormes fondos industriales de las acerías de Duisburg, los macizos rocosos escarpados de Zabriskie Point, los cañones urbanos de Manhattan y las playas desiertas de California. Se trata de paisajes apocalípticos que, debido a la artificialidad de las criaturas que en ellos se desarrollan, se convierten en escenario de mitos modernos, reales y de cuento de hadas. El tema central de la exposición es la historia de Peter Lindbergh "Invasión", un fantástico apocalipsis moderno sobre la llegada de extraterrestres al planeta Tierra.
“STORIES” es la exposición más completa de Peter Lindbergh hasta la fecha. Las 204 fotografías, en su mayoría de gran formato, se muestran por primera vez en esta exposición junto con sus expresivos documentales, como la película sobre Pina Bausch, y sus impresionantes anuncios comerciales.

La exposición muestra por primera vez obras maestras del arte chino antiguo y contemporáneo. Hace perceptible el campo cultural de tensión en el que opera la cultura china hoy: entre el impresionante arte milenario que ha surgido de las fuerzas de la tradición y una revolución cultural impulsada por las intensas energías del progreso económico, que pone en duda todas las ideas tradicionales de valor y belleza proporcionan.
Obras únicas como el carillón de nueve piezas del período Zhou (siglo VIII a. C.) y el grupo de camellos de cerámica de la dinastía Tang (siglo VIII d. C.) muestran el antiguo arte chino a través de su máxima interiorización espiritual y su excitante expresividad. Por lo tanto, tocar estas obras de arte de diferentes milenios en esta exposición puede ayudarnos a los europeos a comprender mejor las enormes contradicciones entre tradición y modernidad que tienen lugar hoy en China.
La exposición fue creada en colaboración con el Museo de Arte de Asia Oriental de Colonia, el Museo Ludwig de Colonia, el Foro Ludwig de Arte Internacional de Aquisgrán y el Museo Nacional de Bellas Artes de China en Beijing.

En obras maestras de pintura, escultura, gráfica, carteles y fotografía encontramos imágenes antiguas y nuevas de dioses de una amplia variedad de culturas: la reina egipcia Nefertiti, el atleta olímpico, el Buda "iluminado", la santa virgen, Afrodita y el La diosa india Sita, los caballeros medievales y el “aterrador” Fudó, pero también la talentosa actriz Sarah Bernardt, la “divina” Garbo, el ídolo del rock Elvis Presley y la superestrella Michael Jackson.
Todos los dioses, héroes, ídolos, santos, brujas y demonios son modelos inmortales que resucitan en el panteón de nuestra cultura trivial moderna, el mundo cotidiano de las imágenes en el cine, la fotografía, los cómics y la televisión y en virtud de sus millones de La difusión en la comunicación electrónica de imágenes ha mantenido su inquebrantable fascinación en la vida cotidiana de las personas, despierta pasiones, aleja a los demonios de nosotros, cumple expectativas de salvación, mantiene el arriba y el abajo, separa el bien del mal en un mundo en el que el cielo hace tiempo que está despoblado. por dioses y nos acostumbramos a ver las acciones y experiencias en el ciberespacio como más reales que en la vida cotidiana sin sentido.
La exposición se creó en colaboración con el Antikenmuseum Basel y la Colección Ludwig, el Foro Ludwig de Arte Internacional de Aquisgrán, el Museo Ludwig de Colonia, el Museo Rautenstrauch-Joest de Colonia, el Museo Suermondt-Ludwig de Aquisgrán y otros