Depuis le milieu des années 1990, le génie universel Udo Lindenberg a créé une œuvre considérable et d’une grande valeur de reconnaissance. La famille humaine vit ensemble dans une coexistence pacifique, pleine d’amour et de joie. Des astronautes et des vampires apparaissent à l'écran, tout comme le détective Coolman, Elli Pyrelli, Rudi Ratlos, la famille Cod et le professeur de piano. Et au-dessus de tout cela, la comète décolle.

L'artiste brillant et polyvalent, qui a marqué l'histoire de la musique en tant que chanteur et a créé une œuvre idiosyncratique, colorée, orientée vers la bande dessinée et le dessin animé en tant que peintre et illustrateur, est présenté sous toutes ses facettes dans cette exposition très complète. Des sujets sérieux comme le cycle sur l'œuvre principale de Goethe Faust, la discussion de la Bible Offre ou sa position politique claire dans la lutte contre le sentiment d'extrême droite – avec le Têtes de bite une espèce distincte a été créée – se tenir à côté des nus animés ou de la voile Andrea Doria.

Le contour noir définit ses figures et permet de reconnaître le maître à ses traits. Les muses et les déesses font tout autant partie du personnel permanent que le paniqué lui-même : chapeau et lunettes de soleil sont synonymes. Avec les Likörellen, Lindenberg a trouvé sa propre technique, dont il a breveté le nom. La large gamme de couleurs est étonnante : liqueur de banane pour un jaune foncé, liqueur d'œuf pour un jaune clair, liqueur de menthe poivrée pour le vert, liqueur de cerise pour le rouge ou encore Blue Curaçao pour le bleu.

Ce qui est unique, c'est que l'exposition, avec des dessins et des croquis très anciens, jamais exposés auparavant, rend compréhensible le développement de son style non conventionnel. Déjà sur l'album vivant à partir de 1979, Udo se dessine sur la couverture intérieure de l'album Le martèlement des dieux En 1984, il inclut une affiche dessinée en lignes de contour pures. Des udogrammes émerge un cosmos fantastique avec le président paniqué à son sommet.

La Fondation Brost rend possible cette exposition d’art unique des œuvres d’Udo Lindenberg. Sa mission est de soutenir des projets qui se concentrent sur la région de la Ruhr et qui ont un impact bien au-delà. Professeur Bodo Hombach, président du conseil d'administration de la Fondation Brost : « La Fondation Brost soutient les projets du talentueux Udo Lindenberg dans et pour la Ruhr. La Ruhr, en proie à des difficultés, a besoin d'alliés solides. Les messages de Lindenberg sont crédibles car authentiques. Ils ont un impact. Son autorité transcende les générations. »

Udo Lindenberg, dont les racines sont ancrées en Rhénanie-du-Nord-Westphalie : « Oui ! L'univers d'Udo s'abat sur le cœur de la Ruhr telle une comète. Udo revient chez lui en Rhénanie-du-Nord-Westphalie. Mes bébés, mes tableaux, peuvent emménager dans le magnifique château d'Oberhausen, tout comme toute l'histoire de Panik. »

Grâce à la Fondation Brost, l'ensemble du bâtiment de la LUDWIGGALERIE peut être dédié pour la première fois à un artiste : Le Petit château présente en exclusivité la biographie de Lindenberg basée sur ses œuvres musicales et ses spectacles. De ses débuts en tant que batteur en NRW à son tube n°1 Komet, tout l'Udoverse devient visible dans la région de la Ruhr !

Vous trouverez de plus amples informations sur l'offre éducative du musée et le programme d'accompagnement de l'exposition à l'adresse suivante : www.ludwiggalerie.de.

La LUDWIGGALERIE est soutenue par les Amis de la Galerie. Le partenaire culturel de la LUDWIGGALERIE est WDR 3.

La célèbre photographe Angelika Platen crée des portraits obsédants et sensibles depuis plus de cinq décennies. Dotée d'un sens extraordinaire pour les jeunes artistes en herbe et désormais célèbres, elle a photographié la scène artistique lors des salons et des vernissages d'expositions dans les années 1960 et au début des années 1970. Au début des années 2000 – après une longue pause – elle se tourne de plus en plus vers des artistes féminines. Déclenché mentalement par le Moi aussidébat, elle réfléchit aux raisons pour lesquelles elle n’a photographié que quelques artistes féminines lorsqu’elle était jeune. Elle décide de se concentrer uniquement sur les portraits de femmes pendant un an afin de combler cet oubli dans son œuvre photographique.

L'exposition Mes femmes est dédié à plusieurs générations d'artistes féminines nationales et internationales, comme les portraits de Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Monica Bonvicini et Pola Sieverding, avec des photographies intensives et rapprochées, tant du secteur documentaire qu'artistique. Des titres inspirants et poétiques complètent toujours ses enregistrements.

Angelika Platen, née à Heidelberg en 1942, travaille comme photographe indépendante pour la presse écrite et journaliste pour Le temps et dirige la galerie Gunter Sachs à Hambourg de 1972 à 1975. Sa première exposition personnelle a lieu en 1969. Ses portraits photographiques ont été largement publiés et font partie des collections publiques des musées nationaux et européens.

Vicco von Bülow, alias Loriot, est l'un des humoristes les plus importants d'Allemagne. Ses célèbres hommes au nez bulbeux et ses mots accrocheurs comme « Oh mon Dieu » ou « Il y avait plus de guirlandes » font déjà partie de la mémoire culturelle.

L'exposition se concentre particulièrement sur Loriot en tant qu'artiste et présente des dessins originaux de son enfance et de sa jeunesse jusqu'à ses dernières œuvres. Grâce à son sens de l'observation aiguisé, l'humour de Loriot vise directement l'image que la société petite-bourgeoise se faisait des années 1950 à 1980 et lui tend littéralement un miroir.

De nombreuses œuvres – en paroles et en images – développent leur propre comédie et deviennent ainsi le témoignage de la plus fine critique sociale. Mais la série met également en avant son travail d'écrivain, d'acteur et de réalisateur. Wum et Wendelin, le canard et les Hoppenstedt ne devraient pas manquer. Un sujet raconte également comment une exposition de Loriot a vu le jour dans sa ville natale de Brandebourg-sur-la-Havel en 1985 - à une époque où il n'était pas acquis que les artistes ouest-allemands étaient reconnus dans ce qui était alors la RDA.

En coopération avec le Musée de la Caricature de Francfort et le Musée municipal de Brandebourg-sur-la-Havel, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen expose des dessins, des photos, des croquis, de la correspondance, des scénarios, des maquettes et des extraits de films de toutes les périodes créatives de Loriot.

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Idéaux de beauté, de sexualité et de rapport à son propre corps, stéréotypes de genre, identité, égalité et tabous sociaux, conflits et relations générationnelles, sentiment d'(impuissance), de honte et de liberté de choix - après plus de cent ans de lutte des femmes mouvement, ces sujets sont toujours très d’actualité.

Franziska Becker, Julia Bernhard, Lisa Frühbeis, Mia Oberländer et Paulina Stulin abordent ces sujets d'une manière unique dans leurs récits illustrés. En utilisant des styles et des formats individuels, les cinq illustratrices visualisent des histoires réelles d'un point de vue féminin. Ses protagonistes s'écartent des modèles traditionnels et remettent ainsi en question les attentes sociales à l'égard des femmes. Avec un œil aiguisé et une légèreté impressionnante, les artistes mettent en scène les problèmes du quotidien et poussent avec humour à l'extrême le jeu des rôles de genre.

À l’aide de dessins originaux des années 1980 à aujourd’hui, l’exposition montre comment les illustrateurs exposent des schémas de pensée et de comportement intériorisés dans leurs bandes dessinées. Ses personnages féminins respirent l'authenticité et vous invitent à réfléchir, à rire et à faire preuve d'empathie. L'éventail des œuvres présentées s'étend des images individuelles impressionnantes aux séquences d'images en série provenant de chroniques de bandes dessinées et de romans graphiques.

Doté d'un double talent brillant, celui d'auteur de dessins et celui d'illustrateur d'écriture, Walter Moers a inventé une grande variété de personnages comme aucun autre en Allemagne et a raconté leurs histoires avec humour et subtilité. Le matelot de marin Capitaine Bluebear, dont les fables n'amusent encore aujourd'hui que les enfants, l'humour noir parfois profond que dégage LE personnage comique culte des années 1990, le petit connard politiquement complètement incorrect, ou encore l'incroyable nouveau continent de Zamonia Moers. traite de son alter ego Hildegunst von Mythenmetz avec la plus grande aisance et une comédie subtile, parfois bizarre équipé. Un cosmos de bande dessinée pas comme les autres.

Tous ces personnages et histoires sont présentés dans des dessins originaux, des marionnettes et des animations avec une attention particulière au sens de l'humour particulier de leur créateur. Moers ne se contente pas de caricaturer le fonctionnement des musées avec des connards dans le pétrole. Cela promet d'être une visite amusante !

L'exposition est parrainée par le Stadtsparkasse Oberhausen et l' Cercle d'amis de la LUDWIGGALERIE. est un partenaire culturel WDR3.

Dépliant d'exposition

Salutations de Walter Moers

Mesdames et Messieurs!

Tout d’abord, je tiens à vous remercier infiniment pour tout le soin et l’appréciation que vous m’avez témoignés ainsi qu’à mon travail et qui ont désormais pris forme dans cette exposition.

Je tiens tout particulièrement à remercier Christine Vogt et sa merveilleuse équipe pour l'effort et le travail qu'implique une telle exposition. À chaque minute de notre collaboration, j'ai ressenti l'enthousiasme avec lequel tout le monde travaille ici à la Ludwiggalerie. Et je voudrais remercier toute la communauté municipale ici à Oberhausen, qui vous permet de regarder l'ensemble de mon travail avec moi et moi avec vous et de vous demander : de quoi y a-t-il de quoi rire ?

Les musées sont généralement des lieux où les choses deviennent assez sérieuses. Des biens culturels importants y sont préservés, le passé est parfois abordé et le deuil est même célébré.

Quand on pense aux musées, on pense à des gens marchant à pas mesurés dans des pièces calmes, s'arrêtant parfois en silence devant une œuvre d'art ou un objet d'exposition et en parlant à voix basse. Il n’y a généralement pas de rire dans les musées. Pourquoi au fait ?

Ainsi, lors de conversations entre Christine Vogt et moi, l'idée d'un MOERSEUMS est apparue comme un lieu où le rire devrait non seulement être expressément autorisé, mais même organisé, voire provoqué. Où, entre autres aspects, l'humour créatif dans toutes ses manifestations formelles et liées au contenu doit être cultivé et placé au centre. Un lieu où l'on est non seulement confronté à l'art illustratif de manière intéressante, mais aussi diverti de manière amusante.

Bien sûr, ce n’est pour l’instant qu’une idée, juste un vœu pieux qui doit passer par de nombreuses étapes et surmonter des obstacles avant de pouvoir se réaliser. Cette exposition ne peut donc être que le début d’un projet d’espoir.

J'espère qu'à partir de ce soir, il y aura autant de rires, de reniflements et peut-être même de rires décomplexés occasionnels dans ce château. Je suis heureux d'attendre que le médecin vienne. Parce que nous saurions alors que nous sommes sur la bonne voie avec notre idée.

Dans cet esprit, je vous souhaite, ainsi qu'à tous les visiteurs qui vous suivront, beaucoup de plaisir cette soirée - basé sur le nôtre
Devise:

FAITES RIRE – PAS LA GUERRE !

Bien à vous, Walter Moers.

Ce n’est pas seulement depuis le Brexit que le monde a porté un regard critique sur le plus grand État insulaire d’Europe. Presque aucun autre pays au monde n’est sujet à autant de clichés que la Grande-Bretagne. Cependant, les côtes pittoresques du sud de l'Angleterre, la famille royale et Mister Bean ne peuvent ignorer la réalité dramatique à laquelle le pays doit faire face depuis des décennies : bouleversements sociaux et sociaux, chômage élevé, instabilité politique.

Dans cette exposition, 28 photographes britanniques de trois générations éclairent ces sujets ainsi que d'autres sujets d'actualité tels que la critique sociale, la migration, l'identité de genre, la communauté et la diversité dans des œuvres en série. Les histoires derrière les photographies sont inextricablement liées aux personnes qui y sont représentées ou aux expériences personnelles des photographes.

Avec des premières photos en noir et blanc des années 1970, ils documentent la vie quotidienne dans les grandes villes et sur la côte. Dans les années 1980 et 1990, les photographes s'éloignent de la photographie documentaire classique et s'ouvrent à une perspective artistique et à leur propre langage visuel, présenté de manière humoristique et satirique. Des années 2000 à nos jours, les jeunes positions féminines se sont tournées vers la photographie comme médium artistique et traitent, entre autres, des questions personnelles d'identité ou des effets de la pandémie corona dans des (auto)portraits impressionnants.

Les 28 femmes photographes sont unies par leur désir irrépressible d’autonomie artistique, sociale et sociétale aux côtés de leurs collègues masculins.

Avec 220 œuvres issues de 29 séries, l'exposition le démontre de manière impressionnante. Il est organisé par Ralph Goertz en coopération avec IKS PHOTO.

Hipgnosis, le légendaire studio britannique de design photo fondé par Aubrey Powell et Storm Thorgerson, a conçu plus de 1967 pochettes de disques pour des groupes et musiciens internationaux entre 1984 et 400, dont un certain nombre ont désormais atteint le statut d'icône dans l'histoire de la musique.

La pochette du disque mythique de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd, créée par Hipgnosis, vient de fêter ses 50 ans. Les deux créateurs, amis de Pink Floyd, créent d'autres reprises pour le groupe. Les célèbres motifs des LP Houses of the Holy et Presence de Led Zeppelin, Elegy de The Nice et Deceptive Bands de 10cc ont également été dessinés par eux et sont désormais mondialement connus.

Powell et Thorgerson nomment leur studio d'après une lettre que Syd Barrett de Pink Floyd aurait pulvérisée sur la porte de son studio. Ils aiment immédiatement l’union contradictoire et ironique du sens de hip – nouveau, cool, tendance – et de gnose – le grec ancien signifiant connaissance. Ses idées de design sont tout aussi paradoxales et humoristiques. On remarque également qu’ils travaillent rarement avec des portraits de musiciens. De nombreuses pochettes de disques sont clairement inspirées d'œuvres d'art surréalistes, contenant des moments énigmatiques qui invitent à un second regard. Certains motifs ont été créés grâce à des expérimentations avec la technique Polaroid, d'autres grâce à des associations avec les titres des albums. Des histoires entières se cachent derrière les enregistrements finaux.

L'exposition les explore en rassemblant les créations les plus importantes du duo et en les présentant de manière impressionnante dans plus de 120 tirages d'art et photographies grand format limités. Plus de 20 pochettes de disques originales sont également exposées. Ces expositions sont complétées par le nouveau documentaire Eclipse d'Aubrey Powell pour Pink Floyd à l'occasion du 50e anniversaire de The Dark Side of the Moon, ainsi qu'une promenade sonore qui donne vie à la musique.

Une exposition de la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen en coopération avec la Browse Gallery Berlin. L'exposition est organisée par John Colton, Browse Gallery Berlin et Aubrey Powell, fondateur de Hipgnosis.

Parcourez la fantaisie sur le dragon porte-bonheur Fuchur, rencontrez l'impératrice enfantine, asseyez-vous dans le grenier avec Bastian, accompagnez Momo dans sa fuite des voleurs du temps, préparez le punch aux souhaits infernal satanarchéolien ou vivez une aventure avec Jim Knopf et Lukas. Ces histoires de renommée mondiale inspirent et touchent les gens depuis des décennies. Fantaisie et réalité se heurtent toujours et une chose est claire : il n'est jamais trop tard pour se plonger dans les chefs-d'œuvre de Michael Ende !

Les illustrateurs et dessinateurs les plus divers ont traduit le cosmos littéraire d'Ende, composé de personnages fantastiques et de figures héroïques, dans des mondes visuels. FJ Tripp, qui a également donné forme au voleur Hotzenplotz d'Otfried Preußler, crée des icônes de l'art du livre avec Jim Knopf, Lukas et Emma. Regina Kehn développe l'ensemble de personnages fou de Wunschpunsch et Roswitha Quadflieg donne à Neverending Story les initiales légendaires. A l'occasion du 40e anniversaire du livre, c'est l'artiste Sebastian Meschenmoser qui donne une nouvelle apparence à cette histoire mondialement connue. Les peintures à l’huile colorées qui en résultent peuvent être vues dans l’exposition.

Les artistes présentent également une grande variété de styles de dessin, de techniques et de langages visuels, de sorte que cet aperçu impressionnant montre non seulement l'œuvre approfondie de Michael Ende, mais également des icônes de l'art de l'illustration. Avec plus de 300 dessins originaux, peintures et éditions de livres, ce magnifique monde d'images peut être découvert pour la première fois dans une exposition à Oberhausen.

De plus, un espace d'exposition séparé avec des peintures et des dessins est dédié au peintre et père de Michael Ende, Edgar Ende. Les héros Michael Endes seront également invités en tant que marionnettes du Théâtre de Marionnettes de Düsseldorf.

De nombreuses histoires d'Ende ont été transférées sur d'autres médias : livres audio et pièces de théâtre, adaptations de théâtre, de théâtre musical et de spectacles de marionnettes, films et dessins animés ainsi que produits dérivés témoignent également de l'immense popularité des personnages.

L'exposition est soutenue par la Stadtsparkasse Oberhausen et les Amis de la LUDWIGGALERIE. Le partenaire culturel est WDR 3.

La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen fête son anniversaire d'argent et invite un focus de sa collection éponyme dans la région de la Ruhr ! Pour la première fois, la collection de porcelaine exquise et originale de Peter et Irene Ludwig est largement présentée à Oberhausen, sur un thème qui s'y prête parfaitement : la représentation des métiers.
Le couple de mécènes d'Aix-la-Chapelle collectionnait la porcelaine depuis des décennies et prenait un plaisir particulier à représenter les activités humaines. Le XVIIIe siècle en particulier aimait montrer le fermier et le charlatan, la bergère et le tailleur, le vendeur de chapeaux et le maître de danse, l'Colombine et le soldat dans la plus belle porcelaine de Meissen.
Ces professions inférieures sont rassemblées comme de grandes décorations de table pour s'amuser lors des fêtes aristocratiques. La société courtoise aime les bals masqués et les fêtes champêtres, et aime à se glisser dans les costumes de bergère et de berger.
Les porcelaines précieuses jouent le rôle d'inspiration pour les divertissements lors des banquets. Mais des scènes et des groupes de personnages peuvent également dépasser la représentation réelle. La faucheuse incarne l’été et peut servir de remerciement pour une récolte abondante. En relation avec les autres
Chiffres, il devient le symbole de la terre parmi les quatre éléments. Dans le cycle saisonnier, il symbolise l'été. De telles ambiguïtés permettent d’utiliser les personnages de plusieurs manières. Aujourd'hui, cet « or blanc », comme on appelait aussi la porcelaine, est conservé à Bamberg.
En plus d'une appréciation de Peter et Irene Ludwig, il y a aussi un retour sur les 25 dernières années. De nombreuses expositions comprenant des fonds de la vaste collection Ludwig ont été organisées, ainsi que des présentations sur la bande dessinée et les caricatures, la photographie et les monuments si importants pour la région de la Ruhr. Un best-of sera décerné pendant la durée du parcours.

Avec Barbara Klemm, la LUDWIGGALERIE présente l'un des photographes les plus importants de l'après-guerre. Ses impressionnantes images en noir et blanc documentent des personnes et des événements en Allemagne et dans le monde sur plus de cinq décennies. Klemm a travaillé comme photographe éditorial pour le Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ de 1970 à 2005 et a voyagé non seulement dans l'Allemagne divisée, mais aussi sur quatre continents.

Beaucoup de ses photographies sont aujourd'hui considérées comme des icônes de l'histoire de la photographie et représentent des moments historiques tels que les révoltes étudiantes, le baiser fraternel socialiste ou la réunification.

Ayant grandi dans la maison d'un artiste - son père était le peintre de Karlsruhe Fritz Klemm - elle a acquis dès son plus jeune âge un œil particulier pour la composition et la structure. Beaucoup de ses productions reflètent une bonne connaissance de l’histoire de l’art et une approche empathique envers les gens. Ses portraits d'artistes l'identifient comme une grande portraitiste.

Lorsque l’Américaine Linda Eastman (1941-1998) commence à photographier au milieu des années 1960, elle se lance immédiatement dans la scène rock et pop. Une invitation à la presse ouvre les portes de la soirée promotionnelle des Rolling Stones au SS Panthère des Mers sur la rivière Hudson. C’est ici que commence sa carrière atypique : « C’était l’époque où Jimi Hendrix arrivait à mon appartement à l’improviste et j’allais dîner avec Jim Morrison dans le quartier chinois. Une fois, j'ai acheté du beurre de cacahuète pour un festin de minuit avec Janis Joplin, une autre fois, j'ai traversé la ville en métro avec Jackson Browne. Elle rencontre également les Beatles et donc son futur mari Paul. Elle assiste à la création de la célèbre couverture Abbey Road, qui vient de fêter son 50e anniversaire, et offre un aperçu intime de la vie de famille des McCartney.

Mais surtout, ses clichés des grandes stars de la musique de la fin des années 1960 façonnent encore aujourd’hui notre mémoire visuelle de cette époque affranchie de l’étiquette morale. Janis Joplin et Jimi Hendrix, Nico et Brian Jones, The Doors et The Who, Aretha Franklin et Bob Dylan sont interprétés par elle avec naturel et souvent avec beaucoup de dynamisme. L'exposition utilise des photos des années XNUMX pour montrer des moments obsédants de cette époque musicale intense.

Outre les photographies, le thème de la musique et de son expression artistique visuelle est intensément abordé. Le design des pochettes de disques, qui a également radicalement changé à partir du milieu des années 1960, est présenté dans un espace d'exposition séparé. Des designs emblématiques comme celui d'Hipgnosis The Dark Side of the Moon pour Pink Floyd, Klaus Voormanns Revolver pour les Beatles ou Andy Warhols Sticky Fingers car les Rolling Stones ont aujourd’hui un statut culte. Une promenade sonore réalisée spécialement pour l'exposition permet aux visiteurs de s'immerger musicalement dans les années 1960.

Linda McCartney emportait son appareil photo avec elle lors de tous ses voyages. Son Travaux montrer de manière expressive les observations de personnes et d’espaces. C'est toujours le regard dans le rétroviseur qui fascine. Et enfin, McCartney est également devenu créatif dans le domaine expérimental. Son Empreintes solaires montrent des images exposées à la lumière du jour, au soleil, allant de natures mortes aux portraits.

L'exposition a été développée avec la « Fondation d'art Reichelt et Brockmann » Mannheim.

« Mon territoire est le territoire » est la devise du photographe Manfred Vollmer d'Essen depuis des décennies. Et pourtant son intérêt et son travail photographique vont bien plus loin. Son premier grand projet, sa thèse de fin d'études à la Folkwangschule d'Essen, l'a emmené en Italie à la fin des années 1960, où il a capturé avec son appareil photo les coutumes inhabituelles des fêtes religieuses locales. Depuis 1970, il travaille comme photographe indépendant, principalement pour des hebdomadaires, des quotidiens et des syndicats. Son travail est – et cela se voit encore aujourd’hui – si convaincant qu’il a reçu un prix pour cela. En 1978, il se rend en Bretagne pour réaliser un reportage photo sur la marée noire provoquée par le naufrage du pétrolier américain Amoco Cadiz. Pour cela, il a reçu le premier prix du Concours mondial de photos de presse de 1979 dans la catégorie « News Picture Stories ».

Mais ses photographies de la Ruhr, ses reportages participatifs sur les conflits du travail dans les années 1980, son accompagnement des ouvriers de diverses industries et son souci des conditions de vie des travailleurs dits invités constituent en réalité l'élément le plus formateur de son travail. Lorsque la région de la Ruhr est devenue capitale culturelle en 2010, il a contribué à une nouvelle image de la région de la Ruhr avec ses images parfois monumentales et a créé des icônes qui représentent encore aujourd'hui le changement structurel et culturel de la région. La LUDWIGGALERIE consacre désormais un aperçu de son œuvre à cet important chercheur d'images.

Cheminées fumantes, déserts industriels, ouvriers en grève : de nombreux thèmes de la Ruhr se retrouvent et se rencontrent dans les photographies, peintures et graphiques de Rudolf Holtappel et Walter Kurowski. Les deux domaines artistiques enrichissent la collection de la LUDWIGGALERIE depuis 2017, ont déjà été présentés individuellement rétrospectivement et se font désormais face pour la première fois directement dans une exposition commune.

Les thèmes centraux des deux artistes sont également exposés dans des salles monographiques séparées. Toute l'étendue artistique de Rudolf Holtappel est présentée à travers des motifs de photographies de grands magasins, de scènes de théâtre et de décors industriels. Affiches, caricatures et dessins démontrent la diversité de l'œuvre de Walter Kurowski.

Rudolf Holtappel (1923-2013), chroniqueur de la Ruhr, a travaillé comme photojournaliste et photographe indépendant après avoir obtenu son master en photographie en 1950. Avec ses images, l'habitant d'Oberhausen a façonné pendant des décennies l'apparence visuelle du groupe de grands magasins Karstadt (1964-1995) et de nombreuses entreprises industrielles du Rhin et de la Ruhr, dont Henkel (1974-2002). Ses photographies influencent l'image du théâtre d'Oberhausen à l'époque de Büch (1961-1970) et de Weise (1992-2003), ainsi que les volumes de paysages urbains d'éditeurs renommés (Carl Lange Verlag/Mercator-Verlag).

Légende culturelle et seul artiste de la ville d'Oberhausen, Walter Kurowski (1939-2017) a marqué la scène artistique et musicale de la ville pendant plus de 50 ans, en peignant et en dessinant son chemin dans sa mémoire. Ce diplômé primé de la Folkwangschule s'est battu avec son art en tant que l'un des caricaturistes les plus importants d'Allemagne dans les années 1970 et 1980 aux côtés des travailleurs pour la paix et la justice et contre l'oppression et l'exploitation. En tant qu'affichiste, il a reçu pendant des décennies des commandes pour des événements culturels, des organisations politiques et des syndicats.

Plus de 50 dessinateurs de bandes dessinées de l'espace germanophone ouvrent leurs tiroirs et donnent un aperçu d'œuvres inédites. Dans l'exposition, vous pourrez découvrir environ 300 cadres avec 500 dessins que personne n'a jamais vu auparavant ! Les nouveaux arrivants rencontrent des illustrateurs connus et célèbres et leur font comprendre : ils ont tous des projets qui sont jusqu'à présent restés inachevés. Certaines ont été rejetées voire censurées par l'éditeur. Parfois, le temps et les loisirs manquaient pour mener à bien des idées de projets et des questions qui nous tenaient à cœur. D’autres histoires, cependant, sont terminées et prêtes à être imprimées en grande quantité.

Cette compilation de différents genres de bandes dessinées, styles de dessin et mouvements offre un aperçu perspicace de l’histoire de la bande dessinée en langue allemande. Les originaux historiques tels que les histoires illustrées publiées à titre posthume par le pionnier de la bande dessinée Wilhelm Busch représentent les premiers exemples de l'art séquentiel. Les dessins d'Erich Ohser des années 1930 témoignent de l'état difficile de la bande dessinée à cette époque. Des feuillets inédits de pionniers importants comme Willi Kohlhoff et Hansrudi Wascher illustrent la percée des petits magazines dans les années 1950 et ouvrent la voie à de grands comiques comme Isabel Kreitz, Ulli Lust et Ralf König. Werner de Brösel propose un divertissement de masse des années 1990.

La diversité avec laquelle se présente aujourd'hui la scène de la bande dessinée rend flous les genres, les genres, les styles et les méthodes d'édition. Il n'est pas nécessaire qu'il y ait de frontières et le contenu ne peut plus être classé dans des catégories fixes telles que l'action, le fantastique ou le western. Matthias Schultheiss dresse un portrait grand format d'Adolf Hitler pendant la Première Guerre mondiale, tandis que Sheree Domingo soulève des questions sur l'édition génétique et la protection du climat. À travers Atak et Fil, le Faust de Goethe expérimente une toute nouvelle forme d'expression, tant visuelle que linguistique, et Nicolas Mahler emmène notre société du commentaire jusqu'à l'absurdité avec une série humoristique. Découvrez des chefs-d'œuvre cachés qui racontent un peu d'histoire de la bande dessinée et un peu d'histoire du monde !

Le point de départ de l'exposition thématique d'une salle sur le motif de la Pietà trinitaire dans la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen, qui sera ensuite également présentée au Suermondt-Ludwig-Museum Aix-la-Chapelle, sont cinq sculptures de la fin du Moyen Âge du musée d'Aix-la-Chapelle. Parmi celles-ci se trouve une pièce souabe de la collection Peter et Irene Ludwig, qui a été transférée en 1977 à la collection municipale d'Aix-la-Chapelle avec la grande fondation. Pour la première fois, cette sculpture et son thème pictural particulier sont mis en lumière et discutés dans leur contexte iconographique. Le motif de la Pietà trinitaire fait référence à l'image de Dieu le Père, qui présente au spectateur le corps de son fils ou le mort-vivant des Douleurs. La colombe spirituelle appartient également à ce type d’images, même si elle n’a pas été conservée dans un certain nombre d’images. Cette expression de l'image de la Trinité se retrouve souvent dans la sculpture, la peinture sur panneaux et dans les livres, mais aussi dans les graphismes de la fin du Moyen Âge et du début de l'époque moderne. Dans l'essai académique « Pietà trinitaire – Un concept d'image de la fin du Moyen Âge et son impact continu dans le contexte de la Réforme et de la Réforme catholique » du Dr. Dagmar Preising retracera l'histoire de ce motif d'image en peinture, sculpture et graphisme, en réunissant de nombreuses pièces, y compris moins connues. Ceux-ci sont classés par type. Au-delà du regroupement des exemples, il est important de souligner le contexte iconographique et fonctionnel de ces représentations de la Trinité. L'importance de la Pietà trinitaire dans le contexte de la mystique de la passion et du culte des sacrements à la fin du Moyen Âge est également expliquée et un regard est également jeté sur la Réforme et la Contre-Réforme. Les termes alternatifs couramment utilisés pour ce type d’images, comme propitiatoire et Notgottes, sont également abordés. Dans cette exposition, la sculpture de la collection Ludwig constitue la pièce maîtresse. D'autres représentations de la Pietà trinitaire ainsi que des pièces avec des sujets picturaux étroitement liés, comme le propitiatoire avec Dieu le Père tenant le crucifix, ou l'ange Pietà, sont regroupées autour. L'actualité du thème pictural trinitaire aux XVe et XVIe siècles est illustrée et sa continuité dans la période baroque est visualisée.

La chaussure fait partie des vêtements qui ont toujours particulièrement ému les gens. La chaussure est non seulement un moyen de lutter contre le froid et la chaleur, les blessures et la saleté, mais elle est surtout une surface de projection du statut social, de la « marche à travers le monde » et, bien sûr, des fantasmes érotiques. La gamme de représentations artistiques souvent inhabituelles de chaussures dans cette exposition s'étend de l'Antiquité aux œuvres actuelles, du Moyen Âge à Mel Ramos. L'absence de la chaussure, l'empreinte de la chaussure et la signification symbolique de la chaussure sont présentées dans les expressions artistiques, tout comme un chapitre séparé est consacré à la chaussure rouge.
Il s'agit de la première exposition qui rassemble et compare des positions allant de l'empreinte du légendaire Bouddha aux créations de chaussures d'Andy Warhol. Les chaussures et les chaussures cultes et emblématiques forment une parenthèse ; Sainte Hedwige, dont l'attribut est les chaussures, rencontre les Adidas All Stars aux pieds de Freddie Mercury. De nouvelles perspectives s'ouvrent sur certaines images connues. Regarder le pied offre des découvertes et des aperçus surprenants. Une promenade sonore accompagne les performances et Nancy Sinatra n'est pas la seule à le savoir : These Boots Are Made for Walkin'…
L'engagement avec la chaussure dans la LUDWIGGALERIE a lieu à l'occasion de l'installation de la sculpture en acier du célèbre artiste pop allemand Heiner Meyer devant le bâtiment principal du château d'Oberhausen en mars 2021. En tant qu'« exposition dans une exposition », une attention particulière est portée à son travail artistique. Les talons hauts et les voitures rapides, les cuissardes et le vernis à ongles, mais aussi les orchidées élégantes comme la « pantoufle de dame » insufflent une touche de luxe. Les chaussures chères et les jambes sexy des femmes façonnées par celles-ci augmentent la tentation de la publicité. Les choses glamour qui composent le travail éblouissant de cet artiste aux multiples facettes montrent une position forte sur la chaussure. Juste du Pop Art au format stiletto !

RED HEELS - une sculpture de Heiner Meyer pour la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen dans le cadre de l'exposition ART ABOUT SHOES

Le socle en béton devant le château d'Oberhausen, sur l'artère principale Konrad-Adenauer-Allee, est resté longtemps vide. Jusqu'en 2013, la sculpture de l'artiste pop américain Keith Haring, « Head Through Belly », dominait ici. Directeur du musée Dr. Christine Vogt a chargé l'artiste pop allemand de renommée internationale Heiner Meyer de dessiner les esquisses d'une sculpture qui a donné naissance à RED HEELS. Deux années de planification se sont maintenant écoulées et le grand projet est dans sa phase finale. Jutta Kruft-Lohrengel, la première présidente des Amis de la LUDWIGGALERIE eV, a recruté les différents métiers artisanaux pour la soutenir. Nos remerciements vont au Dr.-Ing. Christoph Diekmann ainsi que les sociétés Franken Apparatebau, Klöckner & Co. et Westdeutsche Farben GmbH pour la réalisation de la sculpture RED HEELS.

Otfried Preußler (1923–2013) est l'un des auteurs pour enfants et jeunes adultes les plus importants et les plus influents de l'espace germanophone. Avec des histoires telles que Le Voleur Hotzenplotz, La Petite Sorcière et Le Petit Fantôme, l'auteur a créé depuis les années 1950 des personnages qui continuent de façonner des générations d'adolescents aujourd'hui et qui font désormais partie intégrante des chambres d'enfants du monde entier. Au total, il écrit plus de 35 livres qui ravissent ses lecteurs du monde entier avec un tirage total de plus de 50 millions d'exemplaires. Preußler a travaillé avec de nombreux illustrateurs au cours de sa période créative. Ils illustrent ses histoires et donnent vie aux personnages en utilisant leur propre style et leurs idées personnelles. Les illustrations de FJ Tripp, qui donnent au voleur Hotzenplotz son apparence frappante, sont particulièrement connues. Les dessins sépia ressemblant à des gravures sur bois créés par Herbert Holzing pour Krabat restent cohérents au fil de nombreuses éditions. Le look incomparable de la petite sorcière, mais aussi du petit triton, est dû à l'artiste Winnie Gebhardt. On peut également voir des dessins originaux rarement montrés pour Hörbe, réalisés par Otfried Preußler lui-même.
De nombreuses histoires de Preußler sont également transférées sur d'autres médias : des livres audio, des adaptations théâtrales, des films et des jeux témoignent de leur immense popularité. Au total, 300 dessins originaux ainsi que des accessoires de cinéma et des photographies sont réunis.
Découvrez tout le cosmos Preußler dans l'exposition ! Profitez-en pour découvrir des personnages moins connus et laissez-vous fasciner par les histoires d'Otfried Preußler avec vos enfants ou petits-enfants !
L'exposition est soutenue par la Stadtsparkasse Oberhausen et les Amis de la LUDWIGGALERIE. Le partenaire culturel est WDR 3.

« Gris – une vue dégagée seulement trois fois par an », voilà comment Rudolf Holtappel (1923-2013) décrit la région de la Ruhr et photographie le linge blanc devant les cheminées fumantes, les drames sur les scènes de théâtre et les gens consommant dans les grands magasins. Pour les livres illustrés Mercator-Verlag, Holtappel met en scène l'industrie, la ville et les hommes.

De 1961 à 1970 et de 1992 à 2003, Holtappel a travaillé comme photographe de scène à l'époque de Büch et Weise au Théâtre d'Oberhausen. Son choix de perspectives particulières et son sens du moment opportun se manifestent aussi clairement dans les mises en scène de Günther Büch, qui a porté au théâtre les pièces de Peter Handke, que dans les représentations de Klaus Weise dans les années 1990.

Holtappel travaille depuis des années pour Karstadt et Henkel et a eu une influence décisive sur la représentation des entreprises à travers ses photographies. De 1974 à 2002, il a photographié des halls d'usine, des produits, des processus de production dans des usines et des personnes sur leur lieu de travail pour la société Henkel. Parmi les nombreux prix et récompenses ainsi qu'un achat du Bundestag allemand figurent les photographies des cuisines de l'usine Henkel. Pour la première fois, des photographies créées pour Henkel sont présentées au public.

Holtappel, qui a obtenu sa maîtrise en photographie en 1950, est surprenant et expérimental dans son approche des anciens procédés d'impression fine (épreuves au sel, cyanotypes et épreuves à l'huile de brome) ou des matériaux photographiques. Pour la première fois, l'exposition donne un aperçu complet de la diversité de l'œuvre de Rudolf Holtappel (1923-2013). Holtappel habite à Oberhausen depuis plus de 50 ans. La ville d'Oberhausen a acquis son domaine en 2017, qui est conservé dans le château LUDWIGGALERIE d'Oberhausen. Le point de départ de l'exposition est son archive chronologique composée d'environ 360.000 XNUMX négatifs en noir et blanc et en couleur.

Soutenu par le financement culturel régional de l'Association régionale de Rhénanie et des Amis de la LUDWIGGALERIE. Le partenaire culturel est WDR 3.

Lorsque l’Américaine Linda Eastman (1941-1998) commence à photographier au milieu des années 1960, elle se lance immédiatement dans la scène rock et pop. Une invitation de la presse ouvre les portes de la soirée promotionnelle des Rolling Stones à bord du SS Sea Panther sur le fleuve Hudson. C'est ici que commence sa carrière hors du commun. Elle rencontre également les Beatles et donc son futur mari Paul. Elle observe la création de la célèbre couverture d'Abbey Road et donne un aperçu intime de la vie de la famille McCartney.

Mais surtout, ses clichés des grandes stars de la musique de la fin des années 1960 façonnent encore aujourd’hui notre mémoire visuelle. Janis Joplin et Jimi Hendrix, Nico et Brian Jones, The Doors et The Who, Aretha Franklin et Bob Dylan sont capturés par elle d'une manière naturelle et naturelle. L'exposition utilise des photos des années XNUMX pour montrer des moments obsédants de cette époque musicale intense.

En plus des photographies, le thème de la musique et de son expression artistique visuelle est exploré. Un espace d'exposition séparé est dédié à la conception de pochettes de disques. Des créations emblématiques telles que The Dark Side of the Moon de Hipgnosis pour Pink Floyd, Revolver de Klaus Voormann pour les Beatles ou Sticky Fingers d'Andy Warhol pour les Rolling Stones sont aujourd'hui devenues cultes. Une promenade sonore réalisée spécialement pour l'exposition permet de s'immerger musicalement dans les années 60.

En plus de ses photos musicales, Linda McCartney emportait également son appareil photo avec elle lors de tous ses voyages. Ses travaux routiers montrent de manière expressive des observations de personnes et d'espaces. Et finalement, McCartney est devenu créatif dans le domaine expérimental. Les empreintes solaires sont des images exposées à la lumière du jour, allant des natures mortes aux portraits. L'exposition a été réalisée à partir de photographies de la collection d'Ina Brockmann et Peter Reichelt, qui ont constitué leur collection en coopération avec Linda McCartney au début des années 1990.

« Regardez, il est là, pouah ! le Struwwelpeter ! » En 1844, le docteur Dr. Heinrich Hoffmann raconte non seulement l'histoire du garçon qui ne peut ni se faire coiffer ni se couper les ongles, mais imagine également de nombreux autres personnages dans ce style. Outre Suppenkaspar et Hanns Guck-in-die Luft, Zappel-Philipp façonne également aujourd'hui l'usage allemand. Ce classique inspire les artistes à créer leurs propres variations depuis 175 ans. Struwwelpeter, mais aussi Paulinchen, Konrad, Hanns et Friederich se trouvent partout - parfois au premier coup d'œil, parfois après une inspection approfondie. Les thèmes de l’image sont encore aujourd’hui très actuels et parfois politiques. Dans l'histoire des garçons noirs d'Hoffmann, le grand Nikolas plonge les garçons xénophobes dans un grand encrier en guise de punition. En 2013, Luise Bofinger a abordé le racisme décrit dans cette histoire avec un message sans équivoque. Mangaka David Füleki, quant à lui, aide le Struwwelpeter à faire plusieurs apparitions dans deux bandes dessinées différentes. Hans Witte reprend le texte de Heinrich Hoffmann de manière réduite et purement typographique. Dans son livre Lola courses, Anke Kuhl met en scène, avec un humour pointu, plusieurs enfants qui désespèrent à cause des dangers quotidiens, mais qui sont également capables de grandir. Struwwelpetriaden - international, criard, politique, kitsch, décalé, pointu, parfois dans l'esprit d'Hoffmann, que ce soit avec un texte original ou réécrit, réimaginé, réécrit ou doté de nouveaux personnages.

En outre, des objets curieux, des marchandises et des disques démontrent leur grande pertinence pour la vie quotidienne. Un espace d'exposition séparé retrace le portrait de Hoffmann et montre son travail dans le contexte de la période Biedermeier. Plus de 100 livres, dessins, illustrations, peintures et objets de la collection Sauer aux multiples facettes et internationale illustrent l'histoire et l'évolution du sujet.

L'exposition Hollywood Icons est consacrée à l'âge d'or d'Hollywood. Il montre ces photographes dont tout le monde connaît encore aujourd'hui les images : de la légende du cinéma muet Charlie Chaplin aux brillants interprètes des débuts du cinéma sonore comme Marlene Dietrich en passant par les géants de l'après-guerre comme Marlon Brando et Sophia Loren. Au début des années 1920, l’industrie cinématographique était basée à Los Angeles et dans ses environs. Tout le monde afflue en Californie pour rechercher la gloire et la fortune. Garbo est suédois, Dietrich allemand, Hedy Lamarr autrichienne, Chaplin et Cary Grant anglais, mais c'est Hollywood qui a propulsé chacun d'eux vers une renommée internationale.
Hollywood Icons présente également des photographes de portraits et d'images fixes alors inconnus qui travaillent invisiblement dans les coulisses, mais dont les photographies glamour sont cruciales pour la renommée des stars et des films. Les images des stars de cinéma sont l’œuvre de cinéastes qui travaillent avec brio pour promouvoir le style hollywoodien dans le monde entier.
John Kobal a traité intensivement de ce matériel hollywoodien. Il commence comme cinéphile, puis devient journaliste, écrivain et éminent historien du cinéma. Les photographies de cette exposition proviennent de sa collection. L'exposition présente principalement des photographies en noir et blanc, mais parmi les œuvres figurent également des photographies en couleur. Plus de 200 photos de la Fondation John Kobal rassemblent les grands noms d'Hollywood. Des retrouvailles avec des visages familiers de Judy Garland à Fred Astaire, de James Dean à Elizabeth Taylor.

Le point de départ de l'exposition iconographique Anna apprend à Maria à lire - Sur le culte de Sainte-Anne vers 1500 est une sculpture en pierre française unique et de grande qualité du milieu du XVe siècle, qui appartient à la collection Pierre et Irène Ludwig. Cette sculpture a été exposée en prêt permanent au Musée Suermondt-Ludwig à partir de 15 et est devenue propriété de la ville d'Aix-la-Chapelle en 1994 grâce au legs d'Irene Ludwig. Il montre comment Anna intronisée enseigne la lecture à la petite Marie debout à côté d'elle, un thème pictural qui s'est développé dans le contexte de la vénération de Sainte Anne. Le sujet est apparu dans des manuscrits dès le XIIIe et le début du XIVe siècle et a reçu une attention croissante à la fin du Moyen Âge et au début des temps modernes à mesure que la vénération de Sainte Anne augmentait. Cependant, ce n’est qu’à l’époque baroque que le sujet a gagné en popularité, et ce jusqu’au XIXe siècle. Vers 2011, lorsque le culte d'Anne atteignit son apogée, l'instruction de Marie était encore un sujet pictural rare par rapport à la représentation beaucoup plus populaire et courante de la Troisième Anne.

L'exposition se concentre sur la sculpture de la collection Ludwig, considérée jusqu'à présent comme isolée. D'autres enseignements de Marie sont regroupés autour de cette figure, la vie ultérieure de Marie adulte est éclairée et d'autres motifs importants de la vénération de Sainte Anne sont montrés.

L'Angleterre est considérée comme le berceau du Pop Art et a produit de nombreuses positions inhabituelles sur le phénomène de ce qui était alors un nouveau mouvement artistique véritablement révolutionnaire. Outre les motifs de la vie quotidienne, c'est avant tout l'idée d'un art pour tous. Les chefs-d'œuvre sont créés en masse grâce à la gravure, à l'édition artistique et aux multiples. Il y a des sujets de prédilection comme la télévision, la publicité ou les voitures. Toute une attitude face à la vie s'y reflète et la musique y joue un rôle crucial. Cette exposition en tient particulièrement compte en consacrant une section distincte aux designs de pochettes d'albums, comme celle de Peter Blake et Jann Haworth pour l'album des Beatles Sgt Pepper.

L'avocat de Düsseldorf Heinz Beck, dont la collection est conservée au musée Wilhelm Hack de Ludwigshafen, a constitué une collection exceptionnelle d'œuvres de cette période. Pour la première fois, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen présente une sélection de Pop Art britannique de cette collection unique avec ses variétés particulières et idiosyncrasiques.

Ivor Abrahams, Peter Blake, Derek Boshier, Anthony Canham, Patrick Caulfield, Harold Cohen, Ian Colverson, Antony Donaldson, Michael English, Richard Hamilton, Jann Haworth, Dick Higgins, David Hockney, David Inshaw, Bill Jacklin, Allen Jones, David King. I RB Kitaj I Gerald Laing I Les Levine I David AJ Miller I Malcolm Morley I Robin Page I Eduardo Paolozzi I Peter Phillips I Tom Phillips I Patrick Procktor I John Salt I Colin Self, Richard Smith, Joe Tilson

La LUDWIGGALERIE fête ses 20 ans avec beaucoup de remerciements et de liesse. Les gestes de telles émotions se retrouvent bien entendu également dans les œuvres d’art. C'est donc le thème de base sous lequel les chefs-d'œuvre de la collection Peter et Irene Ludwig sont rassemblés dans la LUDWIGGALERIE. Dotée de prêts internationaux, la communication non verbale est explorée, la poésie silencieuse, comme Léonard de Vinci appelle l'art.
Fidèles à l’esprit du couple collectionneur, des œuvres de différentes époques et régions du monde entrent en dialogue. La gamme s'étend de l'Antiquité à nos jours, de l'art précolombien au Moyen Âge européen et bien au-delà. La question de savoir ce qui unit ou sépare les choses à l’intérieur a toujours été au cœur des Ludwig. La rencontre entre les œuvres sous une question commune poursuit cet intérêt. Les gestes peuvent être utilisés pour bien communiquer dans un pays étranger ou pour obtenir exactement le contraire : soyez prudent si vous secouez la tête en Inde !
Le Pas du siècle de Wolfgang Mattheuer est certainement une œuvre clé pour le geste comme signifiant dans un contexte politique et social. L’amant orageux, quant à lui, incarne pleinement la force de l’impact émotionnel que peut déclencher le sexe opposé. Les gestes de pointage du doigt et de bénédiction, les signes de victoire et le doigt puant, le pouce levé ou le poing de l'ouvrier témoignent de positions de main fréquemment utilisées. La peinture gestuelle trouve sa forme parfaite dans les courbes de Karl Otto Götz. Mais le monde entier connaît aussi le pensive « reposer sa tête dans sa main ». Cette exposition combine des gestes étonnants, parmi lesquels le diamant de Merkel - exécuté par Saint-Jean - ne manque pas.

Ι Ellen Auerbach Ι Belkis Ayón Manso Ι Heike Kati Barath Ι Georg Baselitz Ι Thomas Baumgärtel Ι Caspar Benedikt Beckenkamp Ι Matthias Beckmann Ι Anne Berning Ι Robert Bosshard Ι Claudio Bravo Ι Pieter Brueghel Ι Gudrun Brüne Ι Franz Anton Bustelli Ι Carlo Cignani Ι Cornelis van Dalem Ι Walter Dohmen Ι Albrecht Dürer Ι Erró Ι Semëon Natanovič Fajbisovič Ι Gérard Gasiorowski Ι Sighard Gille Ι Peter Gilles Ι Karl Otto Götz Ι Bob Gruen Ι Johannes Grützke Ι Eckart Hahn Ι Keith Haring Ι Xenia Hausner Ι Bernhard Heisig Ι Gottfried Helnwein Je suis David Hockney, je suis Ottmar Hörl Ι Lambert Hopfer Ι Thomas Huber Ι Daniel Josefsohn Ι Claudia Kaak Ι Kirsten Klöckner Ι Germaine Krull Ι Monika Lioba Lang Ι Roy Lichtenstein Ι Richard Lindner Ι André Lützen Ι Wolfgang Mattheuer Ι Dóra Maurer Ι Maître du calvaire de Sinzig Ι Johann Peter Melchior Ι Pedro de Mena Ι Heiner Meyer Ι Herman van der Mijn Ι Edvard Munch Ι Reiner Nachtwey Ι Ernst Wilhelm Nay Ι CO Paeffgen Ι Otto Pankok Ι AR Penck Ι Pablo Picasso Ι Raimondo Puccinelli Ι Marcanton Raimondi Ι Werner Reuber Ι Gerhard Richter Ι Johanna Roderburg Ι Michail Nikolaevič Romadin, James Rosenquist, Andreas Rosenthal, Svetlin Rusev, Laurentius Russinger, Gunter Sachs, Jürgen Schäfer, Egon Schiele, Karl Schmidt-Rottluff, Bernard Schultze, Emil Schumacher, Anton Sohn, Klaus Staeck, Volker Stelzmann, Franz Stuck. Ι David Teniers Ι Myriam Thyes Ι Hann Trier Ι Simon Troger Ι Werner Tübke Ι Dietmar Ullrich Ι Andy Warhol Ι Jacob Willemsz. de Wet Ι Su Xinping Ι Hanefi Yeter Ι Dmitry Zhilinsky Ι

Soutenu par la Fondation Peter et Irene Ludwig, la Kunststiftung NRW, la Volksbank Rhein-Ruhr et les Amis de la LUDWIGGALERIE.

En octobre 1953, le pendant allemand de Mickey Mouse entame sa marche triomphale. Initialement publiés sous le titre Till Eulenspiegel, deux jeunes renards nommés Fix & Foxi apparaissent rapidement - d'abord comme personnages secondaires - et deviennent immédiatement les favoris du public ! Les deux hommes ont rapidement reçu leur propre magazine et sont depuis longtemps devenus cultes. Un environnement animé est créé pour les jumeaux renards : l'adorable oncle Fax, l'inventif Raven Knox, la grand-mère conservatrice Eusebia, l'intelligent Lupinchen et le loup avide et paresseux Lupo vivent également dans la petite ville idyllique de Fuxholzen. Rolf Kauka a créé tout un empire avec ses propres figures pour le marché local. L'exposition illustre le développement d'une marque culte - depuis les premiers dessins naturalistes jusqu'à la création des personnages de bandes dessinées de renommée mondiale Fix & Foxi. Comme Walt Disney, Kauka ne dessine pas les personnages lui-même, mais emploie plutôt tout un groupe d'illustrateurs regroupés sous la marque Kauka. À partir des années 1960, des séries sous licence franco-belges comme Gaston, Astérix, les Schtroumpfs, Lucky Luke, Spirou et Fantasio apparaissent également dans les magazines Fix & Foxi.

L'exposition montre le grand cosmos de Rolf Kauka (1917-2000) à travers des dessins originaux, des brouillons, des documents, des magazines contemporains, des courts métrages et bien plus encore. Avec plus de 200 dessins originaux, c'est l'exposition la plus complète à ce jour.

L'exposition s'appuie sur les travaux préparatoires de Gottfried Gusenbauer, du Caricature Museum Krems et du Dr. Gisela Vetter-Liebenow, Wilhelm Busch - Musée allemand de la caricature et du dessin, Hanovre et a été révisé, considérablement élargi et complété pour Oberhausen. En coopération avec la succession de Rolf Kauka, le Dr. Stefan Piëch et Your Family Entertainment AG.

Le thème du charbon n’est certainement pas central dans le domaine de la bande dessinée et du dessin animé, et pourtant il existe un certain nombre de positions inhabituelles. En utilisant des approches et des mises en œuvre très différentes, les illustrateurs ont raconté des histoires sur « l’or noir ».
«Les canards de la Ruhr» sont sous terre, le «Stahlgolem» de Hendrik Dorgathen et le «Rapport Hieronymus B» d'Ulf K. Dachma se souvient de la poussière de charbon dans l'air et Ulrike Martens évoque le « Kohlibri ». Isabel Kreitz nous emmène à travers l'exploitation minière didactique au Moyen Âge, les personnages de Ralf König « Bodo et Heinz » se concentrent sur la sécurité au travail sous terre et Thorsten Wieser raconte une biographie fictive d'artiste - du marchand de charbon au génie de la peinture et vice-versa. Jamiri se réjouit du taraudage de l'acier, tandis que Ralf Marczinczik et Steff Murschetz discutent des conditions de production plus que difficiles vers 1900. Mais Walter Moers et Florian Biege montrent que le charbon peut aussi jouer un rôle bien au-delà de la région de la Ruhr lorsqu'ils vous emmènent dans le lointain royaume de Zamonia.
« Kumpel Anton », dessiné par Otto Berenbrock, et « Grandpa Hausen » de Dirk Trachternach font leur apparition en tant qu'invités spéciaux.
Le fait que la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen puisse poursuivre sa spécialité de galerie populaire dans le canon du RuhrKunstMuseen et observer le sujet du point de vue du dessin dans une perspective comique montre à quel point la diversité de la scène artistique et muséale de la région est large.

+ Otto Berenbrock + Dachma + Hendrik Dorgathen + Moritz Götze + Jan Gulbransson + Jamiri + Ulf K. + Ralf König + Isabel Kreitz/Peter Mrozek + Ralf Marczinczik + Ulrike Martens + Walter Moers/Florian Biege + Steff Murschetz + Dirk Trachternach + Thorsten Wieser +

Brigitte Bardot avec une crinière blonde, Yves Saint Laurent nu et Mick Jagger avec une capuche en fourrure : des icônes du cinéma, de la mode et de la musique, photographiées par des superstars comme Richard Avedon, Bert Stern et Helmut Newton, reflètent l'attitude de vie des Les années 1960 et 70 font revivre les années de la LUDWIGGALERIE.
Le lien unique entre les différentes disciplines de l'expression artistique remonte à cette époque : la fête et la politique, la mode et la musique, l'art et le culte du corps, entre autres, sont représentés par Warhol's Factory et la scène new-yorkaise y est représentée. Warhol élève les médias de masse eux-mêmes au rang d’art. La performance en tant qu'expression du corps, que ce soit à travers la musique, la danse ou l'action artistique, connaît une phase apogée. Et la mode, ses modèles et leur manifestation photographique sont considérés comme une forme d’art égale en cette époque de superficialité éblouissante.
La photographie joue un rôle indispensable dans la formation de l’image de la star et donne un aperçu (parfois mis en scène) de la vie privée. Les Beatles s'amusant dans une bataille d'oreillers, Twiggy dans le rôle du nouveau mannequin androgyne et les stars d'Hollywood reflètent les moments importants de l'époque dans des portraits impressionnants. Bien entendu, les côtés sombres de ce mode de vie, comme les excès autodestructeurs liés à la drogue ou à l’alcool, deviennent également visibles. Warhol décrit avec autodérision la dépendance incessante au plaisir des riches et célèbres ainsi que des artistes comme une maladie sociale.
L'exposition présente principalement des photographies en noir et blanc et impressionne par sa combinaison d'œuvres de qualité muséale et de photos atmosphériques de paparazzi. Plus de 200 œuvres de la collection suisse Nicola Erni rassemblent le gratin de la société des célébrités.

L'exposition a été conçue par le Dr. Ulrich Pohlmann, Musée municipal de Munich/Collection photographique et Ira Stehmann en collaboration avec la Collection Nicola Erni.

Qui ne les connaît pas, ces nez bulbeux muets qui savent tant de choses à raconter à travers leurs expressions faciales, leurs gestes et leurs interactions avec ceux qui les entourent. Guillermo Mordillo, né à Buenos Aires en 1932, représente depuis des décennies ses figures sphériques de manière pointue, couvrant un spectre coloré de thèmes : les gens avec leurs petites particularités sont représentés avec amour, l'amour avec ses épreuves et ses tribulations, les animaux avec les humains. Les propriétés, le football et le golf ainsi que les motifs politiques se retrouvent dans les mondes souvent surréalistes de l'artiste.

Dans ses images, non seulement il harmonise des choses dissemblables de manière surréaliste, mais il permet également à ses personnages de surmonter facilement les petits et grands obstacles de la vie quotidienne. Fidèle à son dicton : « L'humour est l'esprit qui pirouette au milieu de la danse éternelle de la vie », Mordillo utilise cet humour pour opposer la lassitude du monde et la mélancolie, offrant ainsi au spectateur l'opportunité de contrer le pessimisme de la vie quotidienne. avec optimisme.

Plus de 150 de ses originaux rarement montrés sont rassemblés dans l'exposition et donnent un aperçu du travail de cet artiste d'envergure internationale, lauréat de nombreux prix. Les images des phases créatives de Buenos Aires, Lima, New York, Paris et Monaco offrent un aperçu de son travail diversifié.

Pour la première fois depuis 25 ans, une exposition complète dans un musée allemand présente une sélection rétrospective de ses originaux. Outre quelques dessins en noir et blanc des premières années, de nombreuses images actuelles et colorées ont trouvé leur place dans la LUDWIGGALERIE.

En coopération avec le Musée de la Caricature de Krems et Guillermo Mordillo.

Avec le photographe new-yorkais Sam Shaw (1912–1999), la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen présente une fois de plus l'un des grands créateurs d'images du XXe siècle. Ses motifs, souvent spontanés, acquièrent une renommée mondiale et écrivent l'histoire de la photographie. La photo de Marilyn Monroe dans Sept ans de réflexion avec sa jupe plissée de haut vol est l'une des images les plus fréquemment reproduites à ce jour.
La carrière de Sam Shaw a débuté en tant que photographe pour le magazine Collier's. Il a gagné en notoriété avec le rapport How America Lives, qui montre les divers visages de la vie quotidienne américaine dans les années 1940 - loin du faste et du glamour de ses photographies hollywoodiennes ultérieures.
Les portraits de stars, d'artistes et d'intellectuels de cette époque remplissent de nombreuses couvertures de magazines tels que Life et Look et déterminent encore aujourd'hui notre mémoire visuelle.
Le film est le grand modèle de ses enregistrements. Il existe souvent des angles de vision inhabituels qui rappellent les réglages de caméra pour les séquences de films. L'intérêt supplémentaire pour la peinture est évident non seulement dans les portraits d'artistes, mais aussi dans les photographies carrément pittoresques prises avec des objectifs à longue focale. Les photographies sont narratives et souvent conçues comme une série. Qu'il accompagne Sophia Loren lors d'une journée de tournage ou qu'il suive des enfants jouant avec la caméra.
En collaboration avec les Shaw Family Archives de New York, une rétrospective complète d'environ 230 photographies en noir et blanc peut être vue à Oberhausen. Outre les classiques, des thèmes issus de ses 60 années d'activité sont mis en avant dans des domaines tels que le sport, les portraits, le crime et le cinéma.

L’art et le shopping, deux choses étroitement liées et qui semblent pourtant très éloignées. Au tournant du Moyen Âge vers les temps modernes, Albrecht Dürer s'impose comme l'un des premiers entrepreneurs artistiques. Les modes du marché de l'art au fil des siècles se traduisent par des surpeintures ou des réinterprétations de thèmes. La question de l’original, de la copie et du faux se pose sans cesse. De grandes bulles spéculatives comme la Tulpomanie du XVIIe siècle associent les marchés de l'art et de l'argent.

Le XXème siècle bouleverse alors toutes les traditions. Marcel Duchamp déclare que les biens industriels sont de l'art, Andy Warhol et les représentants du Pop Art incluent des produits de supermarchés dans leurs images. Et le comportement des gens lors de leurs achats n'est pas seulement montré dans la série de photos de Rudolf Holtappel. Les gens dans le grand magasin observé. Quand Gerhard Richter dans sa peinture Mère et fille Alors que Brigitte Bardot semble faire du shopping avec sa mère, le thème du shopping se conjugue ici avec celui du peintre le plus cher du marché de l'art actuel.

Les années 1960 ont tenté de briser les barrières avec de nouvelles formes telles que les multiples et les éditions imprimées et de créer un lien entre l'art et la vie avec la demande d'un « art pour tous ». Mais l'écart se creuse de plus en plus, le marché de l'art explose depuis des années et même la crise financière n'a eu aucun effet sur ce phénomène. Les artistes s’inquiètent également du fait que l’art est devenu « le produit de luxe le plus cher de notre culture » (Piroschka Dossi). Il existe également des positions critiques sur le comportement général du consommateur et sur l’argent, moyen de paiement pour l’art et le luxe, qui fait également partie des œuvres ou des supports des images.

Cette vaste exposition, qui rassemble des œuvres du XVe siècle à nos jours, depuis les gravures sur cuivre jusqu'aux installations vidéo, met pour la première fois sous cette forme en lumière le vaste champ qui relie l'art et le shopping.

Nous associons Donald Duck, Mickey Mouse et leurs amis et parents - comme l'oncle Scrooge - souvent très indépendants au grand Walt Disney et à son immense usine. Mais qui étaient les artistes derrière l’empire Disney qui ont inventé les personnages et leurs mondes et développé le cosmos de Duckburg ?
L'exposition d'Oberhausen présente les trois maîtres anciens : The Mouse Man Floyd Gottfredson, qui nous a amené le Mausiverse sur terre ; Al Taliaferro, l'illustrateur du quotidien encore largement méconnu, dévoile avec Donald et obstétricien les neveux Huey, Dewey et Louie et de nombreux autres membres de la famille. Ainsi que le très vénéré fondateur d'Entenhaut et père de nombreux personnages tels que l'oncle Dagobert, Daniel Jet Gear et les Tank Crackers, Carl Barks.
Mais les histoires continuent après la mort de ces trois grands illustrateurs, et c'est aussi le sujet de la présentation d'Oberhausen. Ulrich Schröder, originaire d'Allemagne, dessine désormais des histoires et surtout des couvertures sur les souris et les canards. L'Allemand Jan Gulbransson et l'Américain Don Rosa laissent Donald poursuivre ses aventures pleines de colère et se baigner dans l'argent avec l'oncle Dagobert. Les visiteurs peuvent désormais s'immerger dans le cosmos de Duckhausen››››Oberhausen›››› à travers des dessins et des gravures originaux, dont beaucoup sont exposés au public pour la première fois.
L'exposition est l'une des présentations les plus complètes sur Donald, Mickey et leurs illustrateurs à ce jour. En collaboration avec la collection Ina Brockmann et Peter Reichelt, Mannheim.

Regina Relang (Stuttgart 1906 – 1989 Munich) a débuté sa carrière photographique à Paris dans les années 1930. Elle célèbre ses premiers succès avec des photos de reportage prises lors de ses voyages à travers l'Europe du Sud. Le travail physiquement pénible des porteurs du port de Porto suscite son intérêt, tout comme un mariage macédonien traditionnel à Galičnik. Dans la période d'après-guerre, Relang est devenu le principal photographe de mode allemand. Ses clients comprennent des créateurs de mode de renom tels que Christian Dior, Pierre Cardin et Yves Saint Laurent, et ses photographies sont présentées dans des revues de mode contemporaines telles que Constanze, Mme ou Le cinéma et la femme imprimé.

Dans ses photographies, décrites à juste titre comme des « vitrines en mouvement », elle combine la mode avec les situations quotidiennes d'une manière singulière et inhabituelle. Les ruines de Munich détruites servent de toile de fond, tout comme l'agitation urbaine colorée et animée des métropoles internationales de la mode. Avec son propre style photographique, Relang dépasse les frontières entre la photographie de mode et la photographie de reportage. Elle inscrit les dernières collections dans un contexte quotidien ou met en scène ses modèles comme des mannequins stars dans l'esprit du monde glamour du cinéma. Dans les années 1960, sa perspective photographique change et elle prend de plus en plus de photographies en studio.

L'exposition s'étend des premiers récits de voyage des années 1930 à la photographie de mode de l'après-guerre en passant par les photographies de magazines sur papier glacé tels que Die Dame ou VOGUE. Il présente l'œuvre de la vie de Relang et reflète en même temps l'histoire de la photographie de mode allemande sur un demi-siècle.

Cette exposition est la première fois qu'une sélection de la succession de Regina Relang de la collection de photographies du musée municipal de Munich est visible en dehors du sud de l'Allemagne.

En coopération avec le Suermondt-Ludwig-Museum Aix-la-Chapelle, l'exposition est à nouveau consacrée à une pièce importante de la collection Peter et Irene Ludwig. Le panneau de chêne, créé vers 1475 et attribué au maître du calvaire de Sinzig, traite du sujet rare de la peinture sur panneau. ars bene moriendi, la question centrale de savoir comment bien mourir au Moyen Âge.

Pour la première fois, ce panneau est examiné en détail sur le plan stylistique et iconographique et classé dans le domaine de la bonne mort et de la représentation de l'intercession (intercessions de Marie et du Christ), qui sont liées entre elles dans cette image. Autres prêts de valeur comme le prêt unique ars moriendi-Livre bloc du Musée Gutenberg de Mayence ou la représentation du Pauvre Lazare de la collection Marks-Thomée complètent cette exposition concentrée dans une seule pièce avec des prêts supplémentaires du musée Suermondt-Ludwig.

Une présentation parallèle à l'exposition Pop art américain montre les connexions dans le contenu qui semblent au premier abord étonnantes. Les banderoles de ces panneaux médiévaux, retranscrites ici pour la première fois pour cette exposition, sont les précurseurs des bulles si typiques de la bande dessinée. Ils offrent également une orientation grâce à la direction de lecture et à la connexion avec les personnages. Les implémentations de Roy Lichtenstein sont impensables sans cela. Et le thème de la mort joue également un rôle central dans le Pop Art - il suffit de penser à l'œuvre d'Andy Warhol. Mort et catastrophe-Série.

Avec l’avènement du Pop Art en Amérique, les motifs du quotidien tels que les bandes dessinées, les drapeaux ou les boîtes de soupe ne sont pas les seuls à devenir dignes d’art. La question de l'original et du culte du génie est également abordée - dans l'esprit de Marcel Duchamp - et conduit, entre autres, à ce que les artistes commencent à utiliser leurs sérigraphies, mais aussi des objets. ars multiples, comme des chefs-d'œuvre en masse. L'art pour tous est la devise qui conduit à sa propre expression et à ses formes idiosyncratiques.

Le musée Wilhelm Hack de Ludwigshafen abrite une magnifique collection d'œuvres des années 1960 et 70, dont la collection de l'avocat de Düsseldorf Heinz Beck. La particularité de cette collection réside dans la préférence de Beck pour les éditions et les multiples, qui reflète de manière impressionnante le désir de l'époque pour un art démocratisé. Pour la première fois, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen présente une sélection de Pop Art américain qui illustre l'approche particulière, et pas seulement d'un personnage central comme Andy Warhol. Des éditions comme 7 dans une boîte de 1966 ou dix de Leo Castelli de 1967/68 donnent un aperçu des amitiés entre artistes et du comportement du marché de l'art.
Arman (Armand Fernandez), Art Workers Coalition, Richard Bernstein, Christo, Robert Cottingham, Allan D'Arcangelo, Jim Dine, Don Eddy, Richard Estes, Hans-Dietrich Froese, Ralph Goings, Robert Graham, Eila Hershon, Robert Indiana, Alain Jacquet, Jasper Johns, Howard Kanovitz, Allan Kaprow, Alex Katz, Edward Kienholz, RB Kitaj, Roy Lichtenstein, Liliane Lijn, Robert W. Munford, Lowel B. Nesbitt, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, James Rosenquist, Edward Ruscha, George Segal, Robert Stanley, Alan Turner, Andy Warhol, Tom Wesselmann

Ralph Ruthe, Joscha Sauer et Flix (Felix Görmann) façonnent la scène allemande de la bande dessinée et du dessin animé depuis des années et leur travail montre clairement les transitions et les limites du médium.

Ralph Ruthe est particulièrement connu pour ses catastrophes quotidiennes qui affligent les protagonistes. La merde arrive arrivé, connu. Un riche répertoire d'animaux - qu'il s'agisse de vaches, de hamsters, de vautours ou de lions - vivent des malheurs racontés dans des dessins animés, les arbres et la mort se distinguant particulièrement comme personnages. Ruthe travaille beaucoup avec des images en mouvement depuis un certain temps déjà. Il crée des films d'animation à partir de ses dessins animés, qu'il fournit lui-même en voix, sons et musiques. Il a actuellement développé un programme scénique avec lequel il fera une tournée en Allemagne pendant la période d'exposition.

NOTLUSTIG de Joscha Sauer est désormais devenu culte et une marque de fabrique. Une équipe diversifiée peuple ses dessins animés. Outre les lemmings suicidaires, les Yétis et M. Riebmann, qui vit dans un mur, reçoivent une attention constante, tout comme la Mort et son caniche, les fécalini, les ninjas, les extraterrestres et les scientifiques Wilson et Pickett. Les images en mouvement jouent également un rôle de plus en plus important pour Sauer ; il travaille actuellement sur une série de films d'animation. Les trois artistes proposent régulièrement de nouveaux dessins animés et bandes dessinées sur leurs sites Web.

C'est ce que présente Flix sous le titre Journées des héros de petites situations du quotidien, généralement rangées dans quatre cases, sur internet. Alors que Ruthe et Sauer ont choisi le dessin animé, c'est-à-dire l'image unique, comme support, Flix dessine de vastes bandes dessinées qui s'inspirent parfois de modèles littéraires. Faust ou Don Quijote sont ici racontés de manière très originale. Le Belles filles, qui est actuellement publié sous forme de livre à l'occasion de l'exposition, reflète également des observations de la vie quotidienne, comme nombre de ses autres histoires. Et Ferdinand le chien journaliste il cède régulièrement Votre miroir Apparence et caractère, tandis que Ralph Ruthe invente les histoires.

Structurer et relier, séparer et découper les routes, les voies navigables, les lignes ferroviaires et les lignes aériennes. Ce sont les éléments centraux de la conception de la région de la Ruhr. Ces grands corridors façonnent l’image de la région et suscitent actuellement des débats. La construction de pylônes électriques est-elle un indicateur de la transition énergétique ou une distorsion d’un panorama paysager ? Une connexion autoroutière directe est-elle synonyme de mobilité et de modernité ou de bruit et de danger ? Différents profils spatiaux indiquent des paysages endommagés, une renaturation et un changement structurel. Cette exposition au titre ambitieux GREEN CITY visualise le paysage inhabituel et complexement interconnecté de la région de la Ruhr à travers le regard artistique. Les thèmes de l'écologie, du climat, de la protection de l'environnement et de l'énergie ne sont pas seulement importants sur le plan sociopolitique, mais jouent également depuis longtemps un rôle central dans le travail de nombreux artistes.

La LUDWIGGALERIE présente un spectre de cette quête artistique idiosyncratique, avec des œuvres d'artistes régionaux ainsi que des positions de renommée internationale. Des œuvres d'examen critique montrent des rivières et des rues. Les paramètres de l’espace extérieur conçoivent le paysage de manière sculpturale ou avec de la couleur. Des séries photographiques s'intéressent à la reconquête des espaces par la nature. Nous travaillons avec des matériaux naturels et industriels, dans tous les genres et de manière expérimentale. Même le courant électrique réellement invisible peut devenir un objet d’art !
Les œuvres d'art situées à proximité immédiate de la LUDWIGGALERIE ouvrent également l'espace du musée sur l'environnement.

Cette vaste exposition d'ensemble présente le travail de l'un des photographes allemands les plus éminents. Au milieu des années 1970, Herlinde Koelbl, qui vivait près de Munich, découvre sa passion pour la photographie. Dès le début, son sens particulier des gens, des sujets idiosyncratiques et son approche du travail sur des projets à long terme étaient évidents. Le salon allemand était son premier livre publié en 1980 et est aujourd'hui l'un des classiques de l'histoire de la photographie allemande. Plus d'une douzaine de volumes ont suivi, ainsi que de nombreux prix, postes d'enseignants internationaux et expositions.
Mais il serait trop myope de considérer Herlinde Koelbl uniquement comme photographe. Beaucoup de ses projets comprennent un travail approfondi de textes et d’entretiens. Des films et des installations vidéo complètent son travail. Déjà à Le salon allemand elle laisse la parole aux personnes représentées. Les deux Portraits juifs à partir de 1989, les réponses globales de la « dernière génération d'Allemands juifs nés dans la symbiose fertile germano-juive - et qui ont ensuite dû assister à sa destruction » sont une partie indissociable de l'œuvre et témoignent de questions sur la tradition, la patrie. ou la religion. Le profond intérêt d'Herlinde Koelbl pour les gens se reflète également dans la série enfants, hommes ou Des femmes fortes. Son projet le plus connu est peut-être l’étude à long terme Traces of Power. En 1991, elle a commencé cette étude de huit ans et a observé lors de sa visite annuelle comment le poste et la responsabilité, l'attention du public et la pression pour réussir changeaient les gens. Les images de Joschka Fischer, Gerhard Schröder et surtout d'Angela Merkel font désormais partie intégrante de la mémoire visuelle allemande.

« Chat à gratter ! – plein de trahison / Une brèche dans le pont. » À l’automne 1864, Wilhelm Busch acheva son récit illustré le plus célèbre : Max et Moritz. Ces farces de mauvais garçons sont désormais considérées comme la naissance de la bande dessinée allemande. Coup sur coup, la LUDWIGGALERIE présente aujourd'hui le premier aperçu à grande échelle de l'histoire et de l'évolution de la bande dessinée dans les pays germanophones. Divisées en 15 chapitres (farces), les bandes dessinées préférées des Allemands sont présentées dans près de 300 dessins originaux et plus de 60 premiers tirages.
Père et fils, Nick Knatterton, Réparer et Foxy, mecki ou Strizz puis peuplez le château d'Oberhausen. Ralf König est avec nous L'homme en mouvement tout aussi représenté que le personnage culte de Walter Moers Petit connard. De plus, cette première rétrospective de la bande dessinée offre un aperçu passionnant de la scène locale de la bande dessinée aujourd'hui. Aux œuvres d'avant-garde de Hendrik Dorgathen et Anke Feuchtenberger succèdent les romans graphiques artistiquement ambitieux d'Isabel Kreitz et Reinhard Kleist. Les derniers développements, tels que le gaz allemand basé sur le modèle japonais, les bandes dessinées de super-héros pour le marché américain et les bandes dessinées Web, font également partie de l'exposition.
Ils montrent clairement que la bande dessinée en langue allemande est aujourd’hui plus diversifiée et de meilleure qualité que jamais. En 150 ans, elle n'a cessé de gagner en force d'innovation.

Eve Arnold (1912 – 2012) est l'une des photographes les plus importantes du XXe siècle. À la fin des années 20, elle débute sa carrière photographique en tant que photographe autodidacte avec un appareil photo Rolleicord et en 1940 - comme l'une des premières femmes - à rejoindre la légendaire agence photo MAGNUM. Elle est devenue célèbre pour ses photographies de mode insolites à Harlem et ses reportages politiques. Mais les observations sensibles de la vie qui commence et les photographies de ses voyages en Afghanistan, en Chine et en Inde démontrent également son langage visuel unique et profondément humaniste.
Outre les photographies de voyage, ce sont surtout les portraits sensibles de stars de cinéma telles que Marlene Dietrich, Marilyn Monroe et Joan Crawford avec lesquels Eve Arnold a marqué l'histoire de la photographie. Elle photographie Monroe and Co. depuis plus de cinquante ans.
Eve Arnold impressionne en tant qu'observatrice calme et sensible qui se retire toujours derrière ses sujets photographiques afin de capturer le « moment décisif » - dans l'esprit d'Henri Cartier-Bresson. Ses photos apparaissent dans de grands magazines de photo et de mode connus tels que Harper's Bazaar, Vogue et LIFE. La LUDWIGGALERIE consacre désormais une rétrospective complète à la grande dame du photojournalisme, décédée à Londres en 2012, peu avant son 100e anniversaire. L'exposition d'Oberhausen se concentre sur les photographies de voyages en Afghanistan, en Chine, en Inde et en Afrique du Sud ainsi que sur ses études de portraits photographiques de Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Joan Crawford, Isabella Rossellini et d'autres visages bien connus du 20e siècle.

Même de son vivant, Andy Warhol était plus populaire que presque tous les autres artistes : il a créé des symboles et des icônes qui sont encore valables aujourd'hui et son esthétique visuelle a un impact durable sur la vie quotidienne. Inspirée par les médias de masse et la culture quotidienne, l'œuvre de Warhol a donné une impulsion décisive au développement de l'art à partir des années 1960. En même temps que Roy Lichtenstein, Warhol utilisait pour son art des motifs issus de la presse écrite et des produits fabriqués en série tels que les boîtes de soupe Campbell. Il retire les objets du quotidien de leur environnement, les place en évidence dans l'image et transforme ainsi les objets du quotidien en art. Il trouve ses motifs dans les médias actuels, l'histoire de l'art, l'architecture ou la nature. C'est à cette époque que Warhol découvre le procédé de sérigraphie. Seule la technologie de sérigraphie permet à l'artiste de supprimer toute trace manuscrite de son œuvre, rompant ainsi avec la peinture traditionnelle tout en développant son style incomparable.
L'exposition se concentre sur les estampes de Warhol, en particulier celles de ses premières années. Au sein de l'exposition, des tirages tels que Electric Chair, Campbell's Soup et le portfolio Flash, des portraits de Marilyn, Mao et l'Annonciation d'après Léonard de Vinci présentent l'extraordinaire façon de travailler de Warhol. L'exposition se concentre principalement sur le graphiste Warhol, mais comprend également des œuvres sur toile telles que Portrait of a Lady. Il est également fait référence à sa présence sur la scène musicale de l'époque et au cinéaste Warhol. Vous pouvez voir les pochettes de disques qu'il a conçues, ainsi que les scripts originaux. Les photographies documentaires de Leo Weisse, prises en 1971, rendent tangible la mise en scène de l'artiste. Le photographe a accompagné Warhol lors de sa tournée promotionnelle du film Trash en Allemagne.

Les cheveux exercent une fascination particulière sur les personnes de toutes les cultures depuis des milliers d’années. Qu'il soit considéré comme le siège de l'âme, symbolisait la force vitale humaine ou servait de vecteur central de messages érotiques. Les cheveux jouent un rôle particulier dans toutes les religions du monde ; ils montrent l'humilité en se rasant les cheveux ou augmentent la proximité avec Dieu en utilisant de vrais cheveux sur les crucifix au Moyen Âge chrétien. La fertilité ou la perte de puissance se reflète dans les cheveux luxuriants ou coupés. Le statut, le sexe ou l'appartenance à un groupe sont signalés par les cheveux ouverts ou couverts avec leur coiffure ou la forme de la capuche. La couleur des cheveux va du rouge du perfide Judas et membre de la couvée des sorcières au blond séduisant de Mary Magdalene et Marilyn Monroe jusqu'au noir profond de la femme fatale. Les boucles des proches étaient conservées en gage d’amitié. L'art des XXe et XXIe siècles redécouvre la coiffure. Mises en scène repoussantes ou destinées au désir, étonnantes dans un contexte brisé ou adaptées au quotidien, les cheveux peuvent désormais apparaître sous de multiples formes. Il semble qu'il n'y ait pas de limites aux métamorphoses.
Basée sur les riches fonds de la collection Peter et Irene Ludwig, l'exposition retrace la manière dont les artistes ont interprété les cheveux au fil des siècles. Ce projet d'exposition tient particulièrement compte de l'idée de Peter et Irene Ludwig de placer continuellement leurs œuvres d'art dans de nouveaux contextes et de les combiner avec d'autres œuvres d'autres collections.

Arthur Fellig (1899-1968), qui a adopté le synonyme sûr de lui Weegee – The Famous, est l’une des positions inhabituelles de la photographie américaine des années 1930, 40 et 50. Il est devenu célèbre pour ses photos nocturnes d'incendies, d'accidents et de meurtres ainsi que pour ses observations de sans-abri et de hors-la-loi. En 1910, la famille de Zloczew, dans l'actuelle Pologne, a émigré en Amérique. Après divers travaux non qualifiés et en chambre noire, il se met à son compte en tant que photographe de presse au milieu des années 30. En 1938, il fut le premier à recevoir le privilège d'écouter officiellement la radio de la police. Il installe l'appareil dans sa voiture et se présente souvent sur les lieux du crime devant la police. Il installe une chambre noire de fortune à l'arrière de la voiture, de sorte que ses photos sont généralement les premières à rendre compte des meurtres et des homicides involontaires, des incendies et de la prostitution. Ce type d’œuvre fait de lui l’un des chroniqueurs visuels les plus célèbres de cette époque brutale, encore en noir et blanc.
Les images se caractérisent par un éclairage dur avec une immédiateté effrayante et un réalisme drastique. Son flash lumineux crée souvent des « figures nocturnes pâles », soulignant visuellement l’obscurité comme son principal temps de travail.
À travers plus de 100 photographies, l'exposition présente ce réaliste, qui fut une figure exemplaire et formatrice pour de nombreux photographes, réalisateurs et cinéastes ultérieurs. Weegee a intitulé sa première exposition de son vivant « Le meurtre est mon affaire ». Outre les images de scènes de crime et d'auteurs du crime, l'émission d'Oberhausen rassemble également des images de célébrités et de stars telles que Jackie Kennedy et Salvador Dali.

Cornelia Funke est l'une des grandes conteuses allemandes – avec des mots comme avec une plume. L'illustratrice de formation a débuté sa carrière en dessinant pour les textes d'autrui, puis s'est vite rendu compte qu'elle pouvait tout aussi bien (ou mieux !) inventer des histoires et s'est de plus en plus tournée vers l'écriture. Ses propres histoires ont commencé à la fin des années 1980 avec No Cookie for Goblins et d'autres livres pour enfants. Des séries comme Ghostbusters ou The Wild Chickens ont fait d'elle l'une des préférées du jeune public. Elle se fait connaître internationalement avec Le Seigneur des Voleurs et enfin la trilogie sur le monde de l'encre.
Même si elle a limité son dessin au profit de l'écriture ces dernières années, les originaux montrent clairement à quel point elle est une inventrice imaginative d'images. Les premières illustrations sont généralement très colorées et riches en figures ; dans les livres ultérieurs, elles se limitent souvent à des dessins - très fins - à l'encre noire ou à la craie ou au graphite qui introduisent les chapitres. L'Amérique, la patrie d'adoption de la native de Dorsten, se reflète visuellement dans certains de ses derniers dessins.
Pour la première fois, l'œuvre graphique de Cornelia Funke est présentée, depuis les débuts jusqu'aux œuvres les plus actuelles de Reckless, accompagnée d'un vaste catalogue. Ici, il apparaît clairement que Cornelia Funke est l'un des rares doubles talents qui emmène les gens dans de nouveaux mondes de manière imaginative et originale à travers des mots et des images. Elle inspire non seulement les enfants et les jeunes, mais captive également le public adulte. De nombreuses adaptations cinématographiques de ses livres ouvrent de nouveaux mondes d'imagerie dans ce médium.

Les personnages d'Ulf K. sont d'adorables étrangers qui croient en leur propre imagination. Ses histoires vous transmettent une fascination à laquelle il est difficile de résister.
Le dessinateur et illustrateur, né à Oberhausen en 1969 de son vrai nom Ulf Keyenburg, est l'un des plus renommés d'Allemagne. En 2004, Ulf K. a reçu le prix Max et Moritz du meilleur dessinateur de bande dessinée germanophone au salon international de la bande dessinée d'Erlangen. Ses publications paraissent dans le monde entier.
Ulf K. est particulièrement influencé par la bande dessinée franco-belge, comme Tintin d'Hergé, mais il développe rapidement son propre style. Son style est très reconnaissable grâce à des lignes claires et réduites et à la coloration monochrome en aplat dans la tradition de la ligne claire.
Ses bandes dessinées dégagent souvent une ambiance légèrement morbide à mélancolique ou ont même la mort comme personnage principal, comme dans celle récemment réimprimée. Tango de la Mort (2000/2012). Ils sont souvent assaisonnés d’une pincée d’humour noir.
Il crée des histoires illustrées mais aussi des histoires qui fonctionnent sans mots. L'éventail s'étend des bandes dessinées pour adultes aux livres pour enfants et scolaires en passant par les livres d'images cartonnés pour les groupes d'âge de deux à quatre ans.
L'exposition présente l'œuvre dans son intégralité avec plus de 200 originaux en couleurs, dessins à la main et croquis. Les premiers dessins et l'album de bandes dessinées sont présentés L'observateur de la lune, auto-publié en 1998, ainsi que la série de livres pour enfants actuellement produite par Gerstenberg Verlag.

Marilyn Monroe est l'une des femmes les plus photographiées au monde. Elle a été découverte comme mannequin dès son plus jeune âge. En 1949, Tom Kelley capte les charmes de la jeune Marilyn, qui ne se transmettent cependant qu'avec un calendrier très réussi en 1952. En 1953, l’une des photos figurait même au centre du premier numéro de Playboy.
Milton H. Greene a rencontré Marilyn cette année seulement. Les deux hommes sont devenus des amis proches pendant quelques années et ont fondé la société commune Marilyn Monroe Productions Inc. En 1953, Greene a été chargé de photographier Marilyn pour le numéro de Noël de Look. D'innombrables autres images furent créées jusqu'à la rupture du contact en 1957, probablement à l'époque de son mariage avec Arthur Miller.
L'exposition est centrée sur les photographies prises par Bert Stern qui, en 1962, quelques semaines seulement avant la mort de Marilyn, réalisa une séance photo pour Vogue intitulée La dernière séance est devenu connu. Les photos de Stern présentent Marilyn avec une densité envoûtante et parfois une grande intimité. La photo finale de ce shooting, prise par l'assistant de Stern, Leif-Eric Nygård, complète la série.
Le magazine Cosmopolitan s'est également intéressé à l'actrice à l'été 1962. George Barris réalise pour elle un shooting de trois jours sur la plage de Santa Monica, dont les photos sont visibles avec le pull en laine. Et enfin, les photos d'Allan Grant pour le magazine sur papier glacé Life seraient parmi les dernières photos de Marilyn et sont représentées ici avec un exemple frappant.
Une exposition en collaboration avec Ina Brockmann et Peter Reichelt, Mannheim.

Ce sera privé ! – La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen ose jeter un œil au salon, à la cuisine, à la salle de bain mais aussi à la chambre. Vivant dans la région de la Ruhr, beaucoup de gens pensent encore aux colonies ouvrières et au baroque de Gelsenkirchen. Cette exposition montre comment des artistes diversifiés et multiculturels voient la métropole de la Ruhr. Ce n’est pas l’approche historico-culturelle qui est intéressante, mais plutôt le regard artistique sur, à travers et derrière les trous de serrure.
Des pièces pleines et des pièces vides, des pièces conçues par des personnes et celles dans lesquelles les objets semblent développer une vie propre, tout cela peut être observé de manière parfois étrange. Anna et Bernhard Blume expérimentent le leur Maison mariée. Julia Arztmann et Barbara Deblitz confondent les gens avec des objets mystérieux issus de la vie quotidienne supposée. Mischa Kuballs Nouveau pot et la série Quartier de Sebastian Mölleken et Oliver Blobel abordent le thème de la maison. Laurenz Berges et Jörg Winde, quant à eux, se confrontent à l'abandon et au vide.
Et aussi au cinéma – en coopération avec le Festival du film Blicke de la Ruhr – de nouvelles perspectives sur ce qui semble familier émergent. Le syndicat Culture dans la tour travaille sur une installation réalisée spécialement pour l'exposition.

Utilisant la plus fine technique de sculpture, le crapaud ivoire révèle son message effrayant : la fugacité de la vie, la décomposition de la chair. La vermine grouillante témoigne du caractère pécheur de l'homme. Les crapauds et les serpents représentent des créatures infernales, les mouches - l'étoffe du diable - remplacent même le cœur. Le corps est encastré dans une boîte décorée d'incrustations d'ivoire et d'ébène, qui permettent de voir à travers les parois latérales ajourées même lorsque le couvercle est fermé. L'exposition du cabinet est consacrée à cette œuvre unique de culture du souvenir de la collection Peter et Irene Ludwig.
Le précieux toddle en ivoire est complété par la représentation tridimensionnelle de la danse macabre de Bâle. Les figures dites de Zizenhausen, de petits groupes sculpturaux en argile, mettent en valeur de manière vivante ce qui est probablement la plus populaire et la plus connue des danses macabres médiévales. La mort ne s'arrête ni au roi ni au moine, ni à la duchesse ni au peintre.
De nombreux graphiques, notamment ceux d'artistes tels qu'Albrecht Dürer, Hans Holbein, Hendrick Goltzius et Marco, montrent à quel point les gens du début de l'époque moderne et des siècles suivants étaient préoccupés par les thèmes de la mort et de la rédemption, de la damnation et de la résurrection et comment cela était reflété dans les images Dente ou Matthias Merian. Le merveilleux petit os trouve ici son contexte morbide.
L'exposition a été réalisée en coopération avec le musée Schnütgen de Cologne, le musée Suermondt-Ludwig d'Aix-la-Chapelle et la collection graphique de l'homme et de la mort de l'université Heinrich Heine de Düsseldorf.

Les mensonges du capitaine à la fourrure bleue sont tout aussi légendaires que le comportement politiquement incorrect du garçon qui a déjà le petit connard dans son nom. Et avec le personnage d'Adolf, le cochon nazi, il brise le dernier grand tabou : Walter Moers, illustrateur et auteur à l'ingéniosité exubérante. Moers vit son imagination sans limites sur son nouveau continent, qu'il appelle Zamonia et qu'il peuple de nombreuses formes d'existence différentes telles que Cichlidés et Eydeetes, Fhernhachen et Wolpertingers, Buchlingen et Shark Maggots ou Scratches and Scares. Un univers d'une classe particulière qui a choisi la littérature et la lecture, le jeu avec les mots et les phrases, comme l'un de ses thèmes principaux. Les images de ce royaume fantastique idiosyncrasique fournissent un aperçu profond de l’imagination de l’auteur au double talent et, comme ses textes, montrent un vaste répertoire de connaissances historiques et littéraires de l’art.
Walter Moers a déjà montré son grand intérêt pour le filage de la laine de marin avec l'un de ses premiers personnages, le grand-père ours bleu et ses trois petits-enfants, pour le spectacle avec la souris. En plus de ces œuvres pour la télévision, Moers s'est fait connaître pour ses bandes dessinées, notamment The Little Asshole. Un style de dessin réduit avec des nez énormes est la marque de fabrique de Moer. À la fin des années 1990, il se détourne de la bande dessinée, seul Adolf - The Bonker est ensuite dessiné, accompagné d'un clip.
Pour la première fois, une exposition est consacrée à l'œuvre de l'illustrateur et auteur Walter Moers, né à Mönchengladbach en 1957, sous toutes ses facettes. Plus de 200 œuvres sous forme de dessins, croquis, peintures, sculptures, poupées et films, y compris des œuvres inédites, présentent l'un des créateurs d'histoires les plus importants d'Allemagne dans son univers médiatique.

Le célèbre photographe Magnum Elliott Erwitt, né en 1928, présente un aperçu de son travail à la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Chiens et enfants, groupes et personnes nues, musées et paysages, personne n'est à l'abri de son regard ironique et humoristique. En près de 140 photographies, l'exposition donne un aperçu de toutes les phases du travail. Les célèbres photos de chiens, devenues des icônes de la photographie, sont représentées ainsi que des sujets encore à découvrir. Le fait que les amis à quatre pattes qui aboient jouent un rôle très particulier dans son œuvre était - outre la préférence personnelle d'Elliott - basé sur une commande pour une série de mode sur les chaussures pour femmes. Il a décidé de prendre les photos du point de vue des chiens, car personne ne verrait autant de chaussures que les chiens.
«Je veux vraiment ne pas être sérieux», dit Erwitt à propos de lui-même. Les personnes et les animaux sont au centre de son travail. De nombreux voyages l’ont amené à parcourir le monde et ses photos de reportage façonnent encore aujourd’hui notre vision des événements historiques. En 1953, il rejoint l'agence Magnum, cofondée par Robert Capa, dont il deviendra ensuite président. Il était déjà représenté avec trois photos lors de la légendaire exposition photographique d'Edward Steichen, The Family of Man, en 1955 au Museum of Modern Art de New York. De nombreuses expositions et surtout divers livres illustrés sur ses sujets ont été réalisés par cet Américain d'origine française et de parents russes. Outre la photographie libre, qu'Erwitt appelle ses « photos personnelles », et de nombreux reportages, le vieux maître du noir et blanc a également eu une influence durable sur la photographie de mode et publicitaire.
En collaboration avec Magnum Photos.

Le point central de cette exposition d'une pièce de très haute qualité est ce que l'on appelle le chandelier ou le lustre féminin de la collection Peter et Irene Ludwig. Probablement créé dans le nord de la Suisse vers 1540, il provient soit de la mairie de Rapperswil, soit accroché au domicile des clientes Thüring Göldlin et Margareta Muntprat. Entouré des fiers bois d'un cerf à quatorze couronnes poussé par la glace, le personnage tient les armoiries de l'alliance du couple.
De nombreux prêts précieux illustrent le contexte de la pièce. Pour la première fois depuis plus de 20 ans, le délicat dessin d'un lustre en forme de dragon d'Albrecht Dürer sera présenté avec la version exécutée de Veit Stoss. L'un des plus jeunes chandeliers féminins survivants et un chandelier masculin tardif, ainsi que d'autres sculptures, peintures et graphiques, illustrent la double structure unique de la chose naturelle et de l'œuvre d'art de ce genre merveilleux.
L'exposition a été réalisée en coopération avec le Suermondt-Ludwig-Museum, Aix-la-Chapelle

La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen présente Janosch, l'un des illustrateurs et conteurs les plus importants et les plus populaires d'Allemagne. Dans une exposition très complète avec plus de 200 œuvres, l'artiste est présenté sous forme d'aquarelles originales, de gouaches, de dessins et de gravures. Les designs montrent clairement à quel point les images et les histoires sont étroitement liées. Ils donnent un aperçu approfondi du processus de création artistique du narrateur de renommée internationale à l'aide du stylo à dessin.
Janosch, né Horst Eckert en Haute-Silésie en 1931, a publié plus de 300 livres (pour enfants) traduits en 40 langues. C’est pourquoi petits et grands connaissent très bien ses tigres, ses ours et ses lions. Bear et Tiger nous ont non seulement montré ce qu'est le courage et que le Panama peut être à nos portes, mais aussi combien l'amitié est importante. Les histoires de Schnuddel, Kasper Mütze et Günter Kastenfrosch contiennent des messages qui n'encouragent pas seulement les enfants à réfléchir de manière ludique. Janosch réussit à transmettre des valeurs à travers les générations, à stimuler l'imagination et à faire rire.
Cependant, loin du Panama, il existe dans son œuvre d’autres mondes jusqu’ici moins connus. Janosch s'attaque fortement aux critiques de l'institution de l'Église et montre les relations entre hommes et femmes dans des représentations exagérées. Lorsque le réel et le fantastique se confondent dans l'univers de Panama et dans les autres mondes, le phénomène Janosch ne s'éclaire que dans sa globalité.

Dans cette présentation insolite, la Ludwig Gallery présente une vaste exposition sur l'utilisation artistique de la table à l'occasion de l'année Capitale de la Culture 2010. Les collections internationales et de haute qualité de Peter et Irene Ludwig constituent le point de départ. Un panoptique de tableaux révèle des perspectives insolites. Vases anciens, tables (d'autel) médiévales ou natures mortes du XVIIe siècle sont confrontés aux tendances des XXe et XXIe siècles. Les positions, côte à côte et les unes contre les autres, témoignent d’une grande diversité d’approches. Il n’y a pas d’exploration culturelle et historique de la culture de la table ; il s’agit plutôt d’une visualisation de connexions internes, qui semblent souvent très différentes au départ.
L'objet du quotidien qu'est la table est ici utilisé pour la première fois pour présenter des démarches artistiques dont certaines montrent de grandes distances et d'autres étonnamment proches. Si la chaise est et était l'objet de design par excellence, la table joue plutôt un rôle de service et accessoire. Et pourtant, il combine beaucoup de choses en lui-même et sur lui-même. La nature morte est le seul genre qui en fait le protagoniste principal. Sinon, c’est peut-être précisément la désinvolture de son attitude qui distingue la table. C'est la première fois qu'une exposition aborde ce sujet à travers le temps et les genres et utilise les chefs-d'œuvre de la collection Ludwig pour rechercher la structure interne, l'essence des possibilités fondamentales.
La gamme de tensions s'étend des services décoratifs en porcelaine fine de la collection Ludwig jusqu'aux services de Renato Guttuso. Repas funéraire, qui unit Picasso et son monde. Les boîtes de soupe Campbell's ont tout autant leur place sur la table que le grand skyphos antique ou le bol à œil Attic. Les actions rituelles (table d'autel) jouent un rôle au même titre que les espaces du quotidien. David Hockney donne un aperçu de son atelier de dessin, Albrecht Dürer présente la salle d'étude de Saint-Jérôme.

Le nez bulbeux est sa marque de fabrique, l'observation de l'interaction (homo)érotique est son contenu : la Ludwig Gallery consacre la première grande et complète exposition jamais réalisée à Ralf König. Fort de récompenses internationales - ses bandes dessinées ont été traduites en 15 langues - un aperçu de son œuvre en originaux peut désormais être vu pour la première fois.
Des hommes en mouvement et des juments, des gâteaux à la crème et des petits pains au citron gambadent à travers ses histoires et ont fait de Ralf König non seulement le dessinateur de bande dessinée allemand le plus important, mais aussi la figure de sympathie la plus importante du mouvement gay. "The Moving Man" l'a fait connaître à un public plus large et de plus en plus hétérosexuel en 1986. Ses bandes dessinées ont été adaptées au cinéma ou présentées avec succès sous forme de spectacles de marionnettes. König a eu recours à plusieurs reprises à des matériaux littéraires classiques, comme « Lysistrata » – basé sur Aristophane ou « Iago » – basé sur Shakespeare. Il a abordé le sujet du SIDA dans Superparadise Side Effects. Et en 1993, il a également mis sa propre (courte) biographie dans une histoire dessinée et coquine... et l'a fait avec sa main gauche.
In Prototyp et Archétype, ses deux livres les plus récents, il donne un aperçu de l'histoire de la création bulbeuse ainsi que de la construction et de l'activité autour et sur l'arche de Noé. Ici, il aborde le thème de la religion et traite les histoires de la Bible d'une manière très singulière. König a commenté de manière critique la controverse sur les caricatures et l'Islam, prenant ainsi clairement position en faveur de la liberté d'expression et de la liberté de la presse. En 2006, il a reçu le « Prix Max et Moritz » à Erlangen. Outre les bandes dessinées, seront présentées des œuvres grand format de Ralf König, dont la plupart ont été créées spécialement pour la présentation d'Oberhausen.

Georg Baselitz, Markus Lüpertz et AR Penck comptent sans aucun doute parmi les protagonistes les plus importants de la peinture en Allemagne. Au cours des dernières décennies, son imagerie a façonné et continue de façonner les arts visuels, même au-delà de l’Allemagne. Peter et Irene Ludwig ont acquis pour leur collection les premiers dessins des trois artistes, qui retracent l'évolution qui a conduit Baselitz, Lüpertz et Penck à leurs thèmes et à leurs formes.
À la fin des années 1950, Baselitz se détourne des formes gestuelles pour se tourner vers la figure. Des personnes et des parties du corps d'apparence presque organique caractérisent cette phase. Les héros et les « nouveaux » se joignent à nous, atteignant un point culminant programmatique avec les « grands amis ». À la fin des années 1960, Baselitz commença à alterner ses motifs.

Avec le dithyrambe, Markus Lüpertz a introduit en 1964 dans l'art une forme qui, en raison de son effet extrêmement physique, suggère des associations de représentations, mais ne peut être attribuée objectivement. Ses dessins montrent le chemin pour y arriver. D'autres groupes illustrent le développement de ses objets picturaux bien connus. Cape, casque, escargot, dragon et poisson peuplent les dessins ; les « images de style » caractérisent leur propre forme.
Et le développement du système de dessin d'AR Penck est également visible dans la collection de dessins de la Ludwig Collection. Dès ses premières images système, Penck s’intéressait à l’importance des signes dans la transmission de l’information.
L'exposition, réalisée en coopération avec le Ludwig Forum for International Art et la Ludwig Foundation d'Aix-la-Chapelle, donne un premier aperçu des fonds graphiques internationaux de la collection Ludwig d'Europe occidentale et orientale ainsi que d'Asie et de Cuba.

« Le huitième de seconde me semble comme un clin d'œil dans la photographie classique », déclare Jim Rocket, l'un des photographes allemands les plus célèbres. Il réalise ses portraits avec un appareil photo à plaque, une technique issue des premiers jours de la photographie. Dans ses portraits impressionnants, le Berlinois donne un aperçu du monde du cinéma et de la musique, de l'art et de la danse, de la littérature et de la politique.
Des « étrangers familiers » sont représentés dans les portraits, dont la liste de noms se lit comme un who's who de la vie publique. Il est important pour Rocket de capturer ses protagonistes dans l'image sans maquillage et en tant qu'êtres humains. Heino Ferch, détendu avec une tasse de café, Christiane Paul, très enceinte dans la gare trépidante, à côté d'Helmut Schmidt avec l'inévitable cigarette. L'artiste Jörg Immendorff sent un œillet dans un geste mélancolique.
La scène musicale, que Jim Rocket a joué un rôle clé en tant que manager, n'est pas seulement représentée par Nena et Ulla Meinecke, mais aussi par Lune argentée et Nous sommes des héros. Certaines des rares photographies en couleur, montrant Nadja Auermann et Polina Semionova, éclairent cette partie de son œuvre. L’amour caché de Rocket pour les lapins n’est pas seulement visible au dos du livre de photographies du même nom.
La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen expose environ 130 de ces impressionnants portraits. Les images sont un aperçu rapide de personnes influentes dans de nombreux domaines de la vie (musique, cinéma, politique et sport, art) avec une caméra (à plaque) très lente, selon Jim Rocket. Un hommage à la photographie argentique a été créé, dont l'époque touche aujourd'hui à sa fin. Pour donner une impression de l'atmosphère simple de travail de ce type de photographie, l'exposition présente une situation de studio dans laquelle on peut également voir le fidèle appareil photo à plaque, le fond froissé de nombreuses photos et quelques plaques originales.

L'image de l'homme a subi une transformation intensive depuis la modernité. Les avant-gardes s’attaquent à des formes de représentation innovantes et innovent. L'exposition met en lumière ce phénomène. En commençant par Madonna, le premier chef-d'œuvre d'Edvard Munch, l'arc s'étend aux icônes pop d'Andy Warhol.
Les figures de danse d'Ernst Ludwig Kirchner développent leurs rythmes complexes, les figures des artistes de Brücke comme Heckel, Schmidt-Rottluff, Pechstein et Müller différencient les formes de représentation. Nolde, Kandinsky, Dix et Beckmann introduisent une nouvelle vision de l'humanité, tout comme les actes lascifs d'Egon Schiele.
Picasso a créé de nouvelles formes d'image humaine dans une large gamme, du repas austère aux images de jongleurs, ses œuvres vont du style prismatique du cubisme aux variations historiques en passant par les estampes expérimentales aux lignes blanches. Divers portraits de ses partenaires donnent un aperçu des relations privées.
Les icônes pop d'Andy Warhol marquent un point final artistique dans la stylisation de l'image humaine au XXe siècle. Outre les billets, les fleurs et les vaches, la figure domine en tant qu'objet d'art digne d'être exposé. Warhol a considérablement influencé notre vision des icônes du cinéma telles que Marilyn Monroe, Liz Taylor et Jane Fonda.
Dans des tirages en couleur, en partie grand format, des tirages tests et des pièces uniques, l'exposition montre le passage de la figure à l'icône dans des images magistrales et impressionne par l'image de l'humanité au XXe siècle sur les trois étages de la galerie Ludwig.

Il existe des photographies de Thomas Hoepker bien ancrées dans notre mémoire visuelle : la famine en Inde (1951), les lépreux en Ethiopie (1963), Boxidol Muhammad Ali (1966), l'entraînement des recrues des Marines américains (1970) et New York le 11 septembre 2001. Ces images n'étaient pas seulement destinées à illustrer le texte, mais faisaient partie de passionnants reportages photo de plusieurs pages, dont la vivacité découlait entièrement de l'expressivité visuelle des photographies.
Ce qui nous frappe encore aujourd'hui dans les photos de Hoepker, c'est son « regard humain ». Il n’est pas un photoreporter sensationnaliste, mais plutôt un observateur curieux et sensible. Les images de Hoepker s'inscrivent dans la tradition de la « photographie d'intérêt humain », à laquelle on associe entre autres les noms de Dorothea Lange, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, dont l'attitude photographique était particulièrement évidente dans le travail de la légendaire agence photo. MAGNUM, dont Hoepker est membre depuis 1989.
La rétrospective de Thomas Hoepker montre non seulement la curiosité et l'intensité avec lesquelles il s'est engagé à plusieurs reprises dans les drames humains des événements mondiaux, mais aussi la manière dont il a recherché les formes d'expression les plus appropriées pour les différentes tâches photographiques.
L'exposition a été réalisée par Thomas Hoepker en collaboration avec MAGNUM Photos Paris et le Musée de la Photo du Musée de la Ville de Munich.

Violation effrontée des tabous, moqueries caustiques, luxure charnelle débridée et sensualité baroque sont les marques de fabrique du satiriste autrichien Manfred Deix. Fougueux, pompeux et mesquins, ses personnages caricaturent « un sentiment populaire sain ». Politiciens, policiers, prêtres, pédérastes, pervers, prostituées, touristes, étrangers, chômeurs et néo-nazis, nous les retrouvons tous dans son vaste cosmos d'images.
Lorsque vous regardez ces images de l'exposition, vous pensez d'abord que les personnages qu'il a dessinés sont le produit monstrueux de votre imagination, jusqu'à ce que vous soyez ensuite surpris de réaliser que les gens dans la rue ont tous vraiment l'air d'avoir été dessinés par Deix. "La satire de notre réalité", dit Deix, "a depuis longtemps dépassé l'imagination d'un caricaturiste". Il ne se considère donc pas comme un "exagérateur", mais plutôt comme un "joli" et "trivial" de la vraie satire quotidienne. – en tant qu’illustrateur qui « aime « Je veux répandre un peu de beauté parmi les gens ».
La Ludwig Gallery expose 200 dessins originaux de Deix, dont sa nouvelle biographie d'Arnold Schwarzenegger « La vérité nue ».
L'exposition a été réalisée en collaboration avec le Musée de la caricature de Krems et le Musée Wilhelm Busch de Hanovre.

C'est surtout Wilhelm Busch qui a appris aux images à marcher avec ses légendaires histoires illustrées de Max et Moritz, la pieuse Hélène, Plisch et Plum, Hans Huckebein, Fips le singe et d'autres. Ce qui nous fascine encore aujourd’hui dans les bandes dessinées « Little Nemo » de Winsor McCay et les premiers films Disney « Silly Sinphonies » – ce monde d’images en mouvement a été inventé par Wilhelm Busch. Il n'essayait plus d'exprimer ses histoires dans une seule image comme les artistes avant lui, mais les racontait dans une séquence d'images dont la dramaturgie furieuse entraîne le spectateur de manière presque suggestive dans les événements : point de vue et perspective constamment changeants, plans d'ensemble et plans rapprochés. vers le haut, l'obsession du détail et la violence de ses lignes dynamiques.
Sa peinture était également absolument moderne. Franz Marc a qualifié Wilhelm Busch de « premier futuriste » car, avec ses coups de pinceau furieux, il enlevait aux images toute stabilité intérieure et les transformait en un corps de couleur en mouvement.
Ses images n’idéalisent pas, mais caricaturent, déforment, déforment et pervertissent l’idéal et exposent le bien au ridicule. « Heart Pain and Nose Pain » montre que la caricature se nourrit de méchanceté, de dépit et de joie malveillante.
En plus des chefs-d'œuvre de Wilhelm Busch, des œuvres de : Callot, Carracci, Gillray, Rowlandson, Hogarth, Grandville, Toepffer, Dirks, McCay, Disney, Heine, Flora, Pericoli, Searle, Sempé, Topor, Ungerer et d'autres sont présentées.
Partenaire de l'exposition : Wilhelm-Busch-Museum Hanovre

L'exposition permet d'éprouver la diversité fascinante des relations entre le monde des formes dans la nature et l'art. Les pierres datant de plus de 2 milliards d'années et les photographies d'Albert Renger-Patzsch, Alfred Ehrhardt et Karl Blossfeldt le montrent : la nature et l'art sont également imprégnés des forces du design créatif.
« Pierres vivantes » commence par un prologue culturel et historique : croix médiévale en cristal de roche et marche en cristal de roche, pierres d'anciens érudits chinois et formes de pierre bizarres. La combinaison d'œuvres d'art importantes et de pierres précieuses de la collection Ludwig rend visibles les différences dans la compréhension de la nature en Europe et en Extrême-Orient.
L’œuvre tardive « Rock » d’Albert Renger-Patzsch, composée de 64 photographies, montre le cycle de croissance et de décomposition qui s’est déroulé sur des milliards d’années – les « phases de croissance » des roches terrestres. Les photographies de Renger-Patzsch, Blossfeldt et Ehrhardt contrastent de manière passionnante avec les découvertes rocheuses et les cristaux uniques. Comme d’autres œuvres d’art, les pierres exposées sont précieusement présentées comme des formes créatives de la nature. Alors que le spectateur pénètre leur beauté avec tous ses sens, les pierres commencent à raconter une histoire. Car chacun d’eux a sa propre biographie, comme la grosse météorite fer-nickel tombée sur Terre il y a 30000 4,5 ans, issue de la ceinture d’astéroïdes entre Mars et Jupiter et née avec le système solaire il y a XNUMX milliards d’années.
L'exposition a été réalisée en coopération avec le Ruhrmuseum Essen, la collection Ann et Jürgen Wilde, Zülpich et la Fondation Alfred Ehrhardt, Cologne. Les prêteurs des œuvres culturelles et historiques sont : le Musée d'art d'Asie de l'Est de Cologne, le Musée Schnütgen de Cologne, le Musée Suermondt-Ludwig d'Aix-la-Chapelle.

L'exposition présente des œuvres de trois collections d'art uniques : des photographies de Karl Blossfeldt de la collection Ann et Jürgen Wilde, Zülpich, des chapiteaux fleuris romans du musée Schnütgen de Cologne et des livres anciens sur les plantes de la bibliothèque nationale de Bamberg. Aussi diversifiés que soient les matériaux dans lesquels ces représentations ont été formées par des artistes, des artisans et des scientifiques sur une période de près de 1000 ans, ils chantent tous les louanges des forces créatrices de la nature.
Karl Blossfeldt a photographié le monde végétal avec un grossissement de 2 à 40x pour illustrer que l'histoire de l'art s'est développée à partir des formes de la nature : la photo de la fougère d'autruche et d'une crosse d'évêque dorée, la feuille de saxifrage et une rosace gothique, une acanthe plante et une tapisserie médiévale.
Pour la première fois, les photographies de Blossfeldt sont présentées dans cette exposition aux côtés de chapiteaux romans du Xe au XIIIe siècle. Depuis plus de 10 13 ans, il unit l’émerveillement et la curiosité des artistes et des scientifiques envers les forces créatrices de la nature.
Dans les anciens livres sur les herbes et les plantes, chaque plante est représentée avec précision par des mots et des images et son utilisation comme aliment, médicament ou poison est décrite, mais en même temps les illustrations tentent toujours de représenter la plante comme une création unique d'une manière digne et manière magnifique. Ces artistes et scientifiques étaient également soucieux de connaissance et d’édification.

L'exposition présente 130 chefs-d'œuvre des arts et de l'artisanat couvrant 5000 XNUMX ans provenant des collections Peter et Irene Ludwig ainsi que d'autres musées et collections privées importants. L'urne des enfants égyptiens antiques, l'amphore ventrale grecque, le récipient de don iranien, le récipient à figurines précolombiennes, l'amphore chinoise ancienne, la calebasse coréenne, le calice médiéval. La fascination des chefs-d’œuvre artisanaux présentés dans l’exposition fait comprendre que ces récipients étaient autrefois des forces mystérieuses, vivifiantes et destructrices, dans les formes anthropomorphes, zoomorphes, biomorphiques et géomorphiques où étaient enfermées les énergies de la nature et de l’humanité. Une vision panthéiste du monde imprègne Monde des vaisseaux, qui a été oublié dans les temps modernes, tout comme le rôle central que jouaient les récipients dans la culture et l'art matriarcaux.
Le navire a depuis subi diverses métamorphoses. Des porcelaines et faïences uniques de Meissen, Delft et Strasbourg montrent comment, dans la splendeur du baroque et du rococo, le récipient en tant que symbole universel de la créativité est devenu une décoration de table galante et délicate du plus haut art.
Les chefs-d'œuvre de la céramique de Pablo Picasso se trouvent à la fin de l'exposition. Après le mouvement de réforme de l'Art nouveau, il a contribué de manière significative à donner un nouvel élan à la céramique, qui au XIXe siècle s'était réduite au rang des arts décoratifs.

L'exposition montre Oberhausen d'une manière que personne n'attend d'une ville industrielle : des bâtiments administratifs et résidentiels se dressent au milieu d'une mer d'arbres - comme dans un parc ; De précieuses allées d'arbres imprègnent la ville comme un réseau de veines vertes. Ce qui a été créé dans le centre d'Oberhausen entre 1900 et 1930 était la réalisation d'une grande utopie urbanistique de l'architecture moderne : le centre de la ville lui-même a été transformé en parc.
À cette époque, l'architecte de la ville Ludwig Freitag a non seulement réussi à inspirer les meilleurs architectes des écoles de Berlin et de Darmstadt à créer des chefs-d'œuvre de l'architecture expressionniste en brique, mais ces bâtiments ont grandi avec les parcs et les avenues bordées d'arbres pour former un tout unique. avec un mouvement rythmique fascinant.
La restauration de la ville-parc historique d'Oberhausen s'inscrit également dans un avenir lointain : la ville-parc a été développée dans le but de créer un « corps urbain sain avec un réseau d'avenues rayonnantes et d'espaces verts comme de puissantes artères et poumons ».

Gerhard Haderer dessine chaque semaine depuis plus de dix ans ses fascinantes caricatures pour les magazines « Stern » et « Profil ». Haderer ne se considère pas comme un caricaturiste, mais comme un réaliste. Avec son sens de l'observation minutieusement précis, il nous montre à quoi nous ressemblons réellement ou, plus précisément, ce que notre effort d'être contemporain, en forme et dynamique a fait sur nos visages et nos corps, nos âmes et notre environnement.
Tout commence toujours si bien : la surface brillante pleine de détails précieusement peints nous attire presque dans ses tableaux. Mais Haderer ne nous permet pas de nous y installer confortablement. L'envie de regarder se transforme bientôt en frisson, car ce qu'il dessine avec tant d'amour à la manière de Biedermeier s'avère, à y regarder de plus près, être la folie trépidante et quotidienne de notre réalité: la folie de la beauté, la folie du fitness, le stress des vacances, le confort familial, dépendance alimentaire, dépendance à la télévision, manie du téléphone portable, obsession de la technologie, soif de scandale, soif de douleur, destructivité, gigantomanie et égomanie. Les dessins de Haderer nous montrent non pas comme de pitoyables victimes, mais comme des acteurs fanatiques qui consacrent avec enthousiasme toute leur énergie vitale à cette folie quotidienne. Les dessins de Haderer montrent que la vision de Neil Postman selon laquelle « Nous nous amusons à mourir » n'est plus une prophétie, mais une réalité.
L’exposition présente 140 dessins et caricatures originaux, dont le récit illustré « La vie de Jésus », qui a provoqué un scandale en Autriche l’année dernière pour avoir « blessé les sentiments religieux ». L'exposition a été réalisée en coopération avec le musée Wilhelm Busch de Hanovre.

Nadja Auermann, Milla Jovovich, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Kristen McMenamy, Amber Valletta et Marie-Sophie Wilson sont quelques-uns des mannequins et stars que Peter Lindbergh a fait des icônes de notre époque dans ses photographies. Ce qui était autrefois vénéré et maudit en tant que déesses, saintes et amazones, sorcières et fées, Peter Lindbergh renaît sous la forme de ses mannequins grâce à son imagination photographique. Le caractère mystérieux et sphinx de ses images de femmes est leur contradiction intérieure : des femmes fortes mais fragiles en même temps. Dans le dernier livre de Lindbergh « STORIES », qui a donné son titre à l'exposition, Wim Wenders décrit ces femmes comme fortes mais sans protection, pleines de dévotion mais intouchables, familières et étranges à la fois. Utilisant les moyens expressifs de la photographie de mode, Peter Lindbergh met en scène ses histoires dans les lieux les plus insolites du monde. Il laisse ses modèles agir dans les décors industriels massifs des aciéries de Duisburg, les massifs rocheux déchiquetés de Zabriskie Point, dans les canyons urbains de Manhattan et sur les plages désertes de Californie. Ce sont des paysages apocalyptiques qui, en raison du caractère artificiel des créatures qui s'y déroulent, deviennent le décor de mythes modernes à la fois réels et féeriques. L'exposition est centrée sur l'histoire "Invasion" de Peter Lindbergh, une fantastique apocalypse moderne sur l'arrivée des extraterrestres sur la planète Terre.
« STORIES » est l’exposition la plus complète de Peter Lindbergh à ce jour. Les 204 photographies, pour la plupart de grand format, sont présentées pour la première fois dans cette exposition avec ses documentaires expressifs, comme le film sur Pina Bausch, et ses impressionnantes publicités commerciales.

L'exposition présente pour la première fois des chefs-d'œuvre de l'art chinois ancien et contemporain. Il rend perceptible le champ de tension culturelle dans lequel la culture chinoise évolue aujourd'hui : entre un art millénaire impressionnant, né des forces de la tradition et une révolution culturelle entraînée par les énergies actives du progrès économique, qui remet en question toutes les idées traditionnelles de valeur et de beauté.
Des œuvres uniques telles que le carillon de neuf pièces de la période Zhou (8e siècle avant JC) et le groupe de chameaux en céramique de la dynastie Tang (8e siècle après JC) montrent l'art chinois ancien à la fois par la plus haute intériorisation spirituelle et par une expressivité passionnante. Le fait de toucher ces œuvres d'art de différents millénaires dans cette exposition peut donc nous aider, nous, Européens, à mieux comprendre les énormes contradictions entre tradition et modernité qui ont lieu aujourd'hui en Chine.
L'exposition a été réalisée en collaboration avec le Musée d'art d'Asie de l'Est de Cologne, le Musée Ludwig de Cologne, le Ludwig Forum for International Art Aix-la-Chapelle et le Musée national des beaux-arts de Chine à Pékin.

Dans les chefs-d'œuvre de la peinture, de la sculpture, du graphisme, de l'affiche et de la photographie, nous rencontrons des images anciennes et nouvelles de dieux issus d'une grande variété de cultures : la reine égyptienne Néfertiti, l'athlète olympique, le Bouddha « éclairé », la sainte vierge, Aphrodite et la La déesse indienne Sita, les chevaliers médiévaux et le « terrifiant » Fudó, mais aussi la talentueuse actrice Sarah Bernardt, le « divin » Garbo, l'idole du rock Elvis Presley et la superstar Michael Jackson.
Tous les dieux, héros, idoles, saints, sorcières, démons sont des modèles immortels qui ressuscitent dans le panthéon de notre culture triviale moderne, le monde quotidien des images du cinéma, de la photographie, de la bande dessinée et de la télévision et grâce à leurs millions d'images. distribution dans la communication électronique par images ont maintenu leur fascination ininterrompue dans la vie quotidienne des gens, attisent les passions, éloignent les démons de nous, répondent aux attentes de salut, maintiennent le haut et le bas, séparent le bien du mal dans un monde où le ciel est depuis longtemps dépeuplé par les dieux et nous nous y habituons, à voir les actions et les expériences dans le cyberespace comme plus réelles que dans la vie quotidienne dénuée de sens.
L'exposition a été réalisée en coopération avec l'Antikenmuseum Basel et Ludwig Collection, le Ludwig Forum for International Art, Aix-la-Chapelle, le Musée Ludwig Cologne, le Musée Rautenstrauch-Joest, Cologne, le Musée Suermondt-Ludwig, Aix-la-Chapelle, etc.