Il fenomeno della Pop Art, principalmente associato al mondo anglosassone, trovò una forte espressione artistica anche in Germania negli anni '1960 e '1970. Oltre a motivi tratti dalla vita quotidiana e dal mondo dei consumi, la Pop Art tedesca è caratterizzata da critiche allo spirito politico del tempo, atteggiamenti pacifisti e un confronto con il passato. Queste opere sono spesso associate a movimenti e associazioni come Fluxus, ZERO o Realismo Capitalista, ma la loro espressione confina con la Pop Art. Soprattutto, gli artisti tedeschi di questo periodo perseguirono il principio della radicale democratizzazione dell'arte con impressionante coerenza. Utilizzando la stampa d'arte, l'arte editoriale e i multipli, raggiunsero un vasto pubblico.

La straordinaria collezione dell'avvocato di Düsseldorf Heinz Beck, ospitata al Museo Wilhelm Hack di Ludwigshafen, offre una panoramica completa delle espressioni tedesche della Pop Art. È evidente che non deve certo sottrarsi al confronto internazionale.

Dalla metà degli anni Novanta, il genio universale Udo Lindenberg ha creato un'ampia serie di opere di grande valore riconosciuto. La famiglia umana vive insieme in una coesistenza pacifica, piena di amore e gioia. Sullo schermo compaiono astronauti e vampiri, così come il detective Coolman, Elli Pyrelli, Rudi Ratlos, la famiglia Cod e l'insegnante di pianoforte. E sopra tutto questo decolla la cometa.

Questa mostra molto completa presenta in tutte le sue sfaccettature il geniale artista poliedrico che ha fatto la storia della musica come cantante e che ha creato un'opera peculiare, colorata, ispirata ai fumetti e ai cartoni animati come pittore e illustratore. Argomenti seri come il ciclo sull'opera principale di Goethe Faust, la discussione del testo biblico Offerta o la sua chiara posizione politica nella lotta contro il sentimento di destra – con la Teste di cazzo è stata creata una specie a parte: mettiti accanto ai vivaci nudi nudi o alla velica Andrea Doria.

La linea di contorno nera definisce le sue figure e permette di riconoscere il maestro dai suoi tratti. Muse e dee fanno parte dello staff permanente tanto quanto il panico stesso: cappello e occhiali da sole sono sinonimi. Con i Likörellen, Lindenberg ha trovato una sua tecnica personale, di cui ha brevettato il nome. La vasta gamma di colori è sorprendente: liquore alla banana per un giallo scuro, liquore all'uovo per un giallo chiaro, liquore alla menta piperita per il verde, liquore alla ciliegia per il rosso o Blue Curaçao per il blu.

Ciò che rende la mostra unica è che, attraverso disegni e schizzi molto precoci e mai esposti prima, è possibile comprendere lo sviluppo del suo stile non convenzionale. Già presente nell'album vivace del 1979, Udo si disegna sulla copertina interna dell'album Martellamento degli Dei Nel 1984 incluse un manifesto disegnato con linee di contorno pure. Dagli udogrammi emerge un cosmo fantastico con al vertice il presidente in preda al panico.

La Fondazione Brost rende possibile questa mostra d’arte unica delle opere di Udo Lindenberg. La sua missione è quella di sostenere progetti incentrati sulla regione della Ruhr e con un impatto che va ben oltre. Prof. Bodo Hombach, Presidente del Consiglio di Amministrazione della Fondazione Brost: "La Fondazione Brost sostiene i progetti del poliedrico Udo Lindenberg nella e per la regione della Ruhr. La regione della Ruhr, in difficoltà, ha bisogno di alleati forti. I messaggi di Lindenberg sono credibili perché autentici. Hanno un impatto. La sua autorevolezza trascende le generazioni."

Udo Lindenberg, le cui radici sono ancorate nel Nord Reno-Vestfalia: "Sì! L'Udoverso si schianta nel cuore della regione della Ruhr come una cometa. Udo torna a casa nel Nord Reno-Vestfalia. I miei figli, i miei dipinti, potranno trasferirsi nel magnifico Castello di Oberhausen, proprio come tutta la storia di Panik."

Grazie alla Fondazione Brost, per la prima volta l'intero complesso edilizio della LUDWIGGALERIE può essere dedicato a un artista: Piccolo castello presenta in esclusiva la biografia di Lindenberg basata sulle sue opere musicali e sui suoi spettacoli. Dagli esordi come batterista nel Nord Reno-Westfalia al suo successo numero 1 Komet, l'intero Udoverse diventa visibile nella zona della Ruhr!

Ulteriori informazioni sull’offerta didattica del museo e sul programma di supporto alla mostra sono disponibili all’indirizzo www.ludwiggalerie.de.

La LUDWIGGALERIE è sostenuta dagli Amici della Galleria. Il partner culturale della LUDWIGGALERIE è WDR 3.

La famosa fotografa Angelika Platen crea ritratti inquietanti e sensibili da oltre cinquant'anni. Con una sensibilità straordinaria per gli artisti giovani, aspiranti e ormai famosi, ha fotografato la scena artistica in occasione di fiere e inaugurazioni di mostre negli anni '1960 e all'inizio degli anni '1970. All'inizio degli anni 2000 - dopo una lunga pausa - si rivolge sempre più alle artiste. Attivato mentalmente dal Anch'iodibattito, riflette sul motivo per cui ha fotografato solo poche artiste quando era giovane. Decide di concentrarsi esclusivamente sui ritratti di donne per un anno per compensare questa svista nella sua opera fotografica.

La mostra Le mie mogli è dedicato a diverse generazioni di artisti nazionali e internazionali, come i ritratti di Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Monica Bonvicini e Pola Sieverding, con fotografie intense e ravvicinate, sia documentaristiche che artistiche. Titoli stimolanti e poetici completano sempre le sue registrazioni.

Angelika Platen, nata a Heidelberg nel 1942, lavora come fotografa freelance per la stampa e giornalista per Il tempo e gestì la galleria Gunter Sachs ad Amburgo dal 1972 al 1975. La sua prima mostra personale si tenne nel 1969. I suoi ritratti fotografici hanno avuto ampia pubblicazione e fanno parte di collezioni pubbliche in musei nazionali ed europei.

Vicco von Bülow, alias Loriot, è uno dei più importanti umoristi tedeschi. I suoi famosi uomini dal naso a patata e le parole accattivanti come “Oh cielo” o “C'erano più orpelli” fanno già parte della memoria culturale.

La mostra si concentra in particolare su Loriot come artista e presenta disegni originali della sua infanzia e giovinezza fino ai suoi ultimi lavori. Grazie alla sua acutezza di osservazione, l'umorismo di Loriot prende di mira direttamente l'immagine di sé della società della classe medio-bassa dagli anni '1950 agli anni '1980 e le tiene letteralmente uno specchio.

Numerose opere – in parole e immagini – sviluppano la loro commedia unica e diventano così la prova della più raffinata critica sociale. Ma lo spettacolo mette in luce anche il suo lavoro come scrittore, attore e regista. Non dovrebbero mancare Wum e Wendelin, la papera e gli Hoppenstedt. Un argomento racconta anche come sia nata una mostra di Loriot nella sua città natale, Brandenburg an der Havel, nel 1985, in un'epoca in cui non era un dato di fatto che gli artisti della Germania occidentale fossero riconosciuti nell'allora DDR.

In collaborazione con il Museo della Caricatura di Francoforte e il Museo civico di Brandenburg an der Havel, la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen mostra disegni, foto, schizzi, corrispondenza, sceneggiature, modelli di scena ed estratti di film di tutti i periodi creativi di Loriot.

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Ideali di bellezza, sessualità e rapporto con il proprio corpo, stereotipi di genere, identità, uguaglianza e tabù sociali, conflitti e relazioni generazionali, sentimento di (impotenza), vergogna e libertà di scelta - dopo più di cento anni di dominazione delle donne movimento, questi argomenti sono ancora molto attuali.

Franziska Becker, Julia Bernhard, Lisa Frühbeis, Mia Oberländer e Paulina Stulin affrontano questi temi in modo unico nelle loro narrazioni per immagini. Utilizzando stili e formati individuali, i cinque illustratori visualizzano storie di vita reale da una prospettiva femminile. Le sue protagoniste escono dai modelli tradizionali e mettono così in discussione le aspettative sociali delle donne. Con uno sguardo acuto e una leggerezza impressionante, gli artisti ritraggono i problemi quotidiani e portano con umorismo il gioco dei ruoli di genere all'estremo.

Utilizzando disegni originali dagli anni '1980 a oggi, la mostra mostra come gli illustratori espongono modelli di pensiero e comportamento interiorizzati nei loro fumetti. I suoi personaggi femminili trasudano autenticità e ti invitano a pensare, ridere ed entrare in empatia. La gamma di lavori presentati spazia da singole immagini impressionanti a sequenze di immagini seriali da colonne di fumetti e graphic novel.

Dotato di un duplice talento brillante, come autore di disegni o illustratore di testi, Walter Moers ha inventato un'ampia varietà di personaggi come nessun altro in Germania e ha raccontato le loro storie con umorismo e sottigliezza. L'intricato Capitano Orsoblu, le cui fantastiche storie ancora oggi divertono non solo i bambini, l'umorismo nero a volte profondo che trasuda dal personaggio cult dei fumetti degli anni '1990, il piccolo stronzo politicamente completamente scorretto o l'incredibile nuovo continente di Zamonia Moers, con la massima disinvoltura, fornisce al suo alter ego Hildegunst von Mythenmetz una commedia sottile, a volte bizzarra. Un cosmo di fumetti come nessun altro.

Tutti questi personaggi e storie sono presentati in disegni, pupazzi e animazioni originali con particolare attenzione allo speciale senso dell'umorismo del loro creatore. Moers non si limita a fare una caricatura delle operazioni dei musei con gli stronzi nel petrolio. Promette di essere un tour divertente!

La mostra è patrocinata da Stadtsparkasse Oberhausen e la Circolo di amici della LUDWIGGALERIE. è un partner culturale RDR 3.

Volantino della mostra

Un saluto da Walter Moers

Signore e signori!

Innanzitutto desidero ringraziarvi di cuore per tutta la cura e l'apprezzamento che avete dimostrato a me e al mio lavoro e che ora ha preso forma in questa mostra.

Vorrei ringraziare in particolare Christine Vogt e il suo meraviglioso team per lo sforzo e il lavoro che una mostra del genere comporta. In ogni minuto della collaborazione ho percepito l'entusiasmo con cui tutti qui alla Ludwiggalerie lavorano. E vorrei ringraziare l'intera comunità cittadina qui a Oberhausen, che ti permette di guardare tutto il mio lavoro con me e io con te e chiederti: cosa c'è da ridere?

I musei sono generalmente luoghi in cui le cose si fanno piuttosto serie. Qui si curano importanti beni culturali, talvolta si affronta il passato e si organizza anche il lutto.

Quando si pensa ai musei vengono in mente immagini di persone che camminano con passi misurati attraverso stanze silenziose, fermandosi di tanto in tanto in silenzio davanti a un'opera d'arte o a un oggetto espositivo e parlandone a bassa voce. Di solito non si ride nei musei. Perché in realtà?

Così nelle conversazioni tra me e Christine Vogt è emersa l'idea di un MOERSEUMS come luogo in cui la risata non solo dovrebbe essere espressamente consentita, ma anche curata, persino provocata. Dove, tra tanti altri aspetti, l'umorismo creativo in tutte le sue manifestazioni contenutistiche e formali va coltivato e posto al centro. Un luogo dove non solo ci si confronta con l'arte illustrativa in modo interessante, ma ci si diverte anche.

Naturalmente per ora questa è solo un’idea, solo un pio desiderio che deve attraversare molte fasi e superare ostacoli prima di poter essere realizzato. Questa mostra, quindi, non può che essere l’inizio di un progetto di speranza.

Spero che da stasera in poi in questo castello ci saranno altrettante risatine, sbuffi e forse anche qualche risata disinibita. Sono felice di aspettare finché arriva il dottore. Perché allora sapremmo che siamo sulla strada giusta con la nostra idea.

Con questo in mente, auguro a te e a tutti i visitatori che verranno dopo di te tanto divertimento stasera, in base al nostro
Motto:

FARE RISARE – NON GUERRA!

Il tuo, Walter Moers.

Non solo dopo la Brexit il mondo ha guardato con occhio critico il più grande stato insulare d’Europa. Quasi nessun altro paese al mondo è soggetto a tanti cliché come la Gran Bretagna. Tuttavia, sulle pittoresche coste dell'Inghilterra meridionale, la famiglia reale e Mister Bean non possono ignorare la drammatica realtà con cui il Paese ha dovuto fare i conti da decenni: sconvolgimenti sociali e sociali, elevata disoccupazione, instabilità politica.

In questa mostra, 28 fotografi britannici di tre generazioni illuminano questi e altri temi di grande attualità come la critica sociale, la migrazione, l'identità di genere, la comunità e la diversità in opere seriali. Le storie dietro le fotografie sono indissolubilmente legate alle persone in esse raffigurate o alle esperienze personali dei fotografi.

Con le prime foto in bianco e nero degli anni '1970 documentano la vita quotidiana nelle grandi città e sulla costa. Negli anni '1980 e '1990 i fotografi si staccarono dalla classica fotografia documentaristica e si aprirono a una prospettiva artistica e al proprio linguaggio visivo, presentato in modo umoristico e satirico. Dagli anni 2000 a oggi, le posizioni femminili più giovani si sono rivolte alla fotografia come mezzo artistico e, tra le altre cose, elaborano questioni personali di identità o gli effetti della pandemia di corona in impressionanti (auto)ritratti.

Tutte le 28 fotografe donne sono unite dal loro irrefrenabile desiderio di autonomia artistica, sociale e sociale accanto ai loro colleghi uomini.

Con 220 opere di 29 serie, la mostra lo dimostra in modo impressionante. È curata da Ralph Goertz in collaborazione con IKS PHOTO.

Hipgnosis, il leggendario studio di design fotografico britannico fondato da Aubrey Powell e Storm Thorgerson, ha progettato più di 1967 copertine di dischi per band e musicisti internazionali tra il 1984 e il 400, alcuni dei quali hanno ormai raggiunto lo status di icona nella storia della musica.

La leggendaria copertina del disco The Dark Side of the Moon dei Pink Floyd, creata da Hipgnosis, ha appena compiuto 50 anni. I due designer, amici dei Pink Floyd, stanno creando altre cover per la band. Anche i famosi motivi degli LP Houses of the Holy e Presence dei Led Zeppelin, Elegy dei The Nice e Deceptive Bands dei 10cc sono stati disegnati da loro e sono ora famosi in tutto il mondo.

Powell e Thorgerson chiamano il loro studio dopo una scritta che si dice che Syd Barrett dei Pink Floyd abbia spruzzato sulla porta del suo studio. A loro piace subito la combinazione contraddittoria e ironica del significato di hip - nuovo, cool, trendy - e gnosis - conoscenza in greco antico. Le sue idee progettuali sono altrettanto paradossali e divertenti. È anche evidente che raramente lavorano con i ritratti dei musicisti. Molte copertine di LP sono chiaramente ispirate alle opere d'arte surrealiste, contenenti momenti enigmatici che invitano a una seconda occhiata. Alcuni motivi sono stati creati sperimentando la tecnica Polaroid, altri attraverso associazioni con i titoli degli album. Ci sono intere storie nascoste dietro le registrazioni finali.

La mostra li esplora riunendo i progetti più importanti del duo e presentandoli in modo impressionante in oltre 120 stampe e fotografie d'arte limitate di grande formato. Sono esposte anche più di 20 copertine di dischi originali. Queste mostre sono completate dal nuovo documentario Eclipse di Aubrey Powell per i Pink Floyd in occasione del cinquantesimo anniversario di The Dark Side of the Moon, nonché da una passeggiata sonora che dà vita alla musica.

Una mostra della LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen in collaborazione con la Sfoglia Gallery di Berlino. La mostra è curata da John Colton, Sfoglia Gallery Berlin e dal fondatore di Hipgnosis Aubrey Powell.

Viaggia attraverso la fantasia sul drago fortunato Fuchur, incontra l'imperatrice infantile, siediti in soffitta con Bastian, accompagna Momo in fuga dai ladri del tempo, prepara il punch dei desideri satanarchaeoliancohellish o vivi un'avventura con Jim Knopf e Lukas. Queste storie di fama mondiale ispirano e toccano le persone da decenni. Fantasia e realtà si scontrano sempre e una cosa è chiara: non è mai troppo tardi per immergersi nei capolavori di Michael Ende!

Gli illustratori e i disegnatori più diversi hanno tradotto in mondi visivi il cosmo letterario di personaggi fantastici e figure eroiche di Ende. FJ Tripp, che ha dato forma anche al ladro Hotzenplotz di Otfried Preußler, crea icone dell'arte del libro con Jim Knopf, Lukas ed Emma. Regina Kehn sviluppa il folle insieme di personaggi di Wunschpunsch e Roswitha Quadflieg dà alla Storia Infinita le leggendarie iniziali. In occasione del 40° anniversario del libro, è l'artista Sebastian Meschenmoser a dare una nuova veste a questa storia famosa in tutto il mondo. I risultanti dipinti ad olio colorati possono essere visti nella mostra.

Gli artisti presentano inoltre un'ampia varietà di stili di disegno, tecniche e linguaggi visivi, in modo che l'impressionante panoramica mostri non solo il vasto lavoro di Michael Ende, ma anche icone dell'arte dell'illustrazione. Con oltre 300 disegni originali, dipinti ed edizioni di libri, questo magnifico mondo di immagini può essere scoperto per la prima volta in una mostra a Oberhausen.

Inoltre, un'area espositiva separata con dipinti e disegni è dedicata al pittore e padre di Michael Ende, Edgar Ende. Anche gli eroi Michael Endes saranno ospiti come burattini del Teatro delle marionette di Düsseldorf.

Molte delle storie di Ende sono state trasferite su altri media: audiolibri e opere teatrali, adattamenti teatrali, musical e spettacoli di marionette, film e cartoni animati, nonché prodotti di merchandising testimoniano anche l'immensa popolarità dei personaggi.

La mostra è sostenuta dalla Stadtsparkasse Oberhausen e dagli Amici della LUDWIGGALERIE. Il partner culturale è WDR 3.

La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen festeggia il suo anniversario d'argento e invita un focus della sua omonima collezione nella regione della Ruhr! Per la prima volta la squisita e originale collezione di porcellane di Peter e Irene Ludwig viene presentata in modo approfondito a Oberhausen, con un tema che qui si adatta perfettamente: la rappresentazione delle professioni.
Per decenni la coppia di mecenati di Aquisgrana collezionò porcellane e si divertì particolarmente a rappresentare le attività umane. Il Settecento in particolare amava rappresentare il contadino e il ciarlatano, la pastorella e il sarto, il venditore di cappelli e il maestro di ballo, la Colombina e il soldato nella finissima porcellana di Meissen.
Queste professioni inferiori vengono assemblate come grandi decorazioni da tavola per il divertimento durante le celebrazioni aristocratiche. La società cortese ama i balli in maschera e le feste campestri, le cosiddette fêtes champêtres, e in queste ama indossare i costumi di pastorella e pastore.
Le preziose porcellane assumono il ruolo di ispirazione per l'intrattenimento nei banchetti. Ma scene e gruppi di figure possono anche stare al di là della rappresentazione vera e propria. Il mietitore è l'estate personificata e può rappresentare un ringraziamento per un raccolto abbondante. In connessione con gli altri
Figura diventa il simbolo della terra tra i quattro elementi. Nel ciclo stagionale simboleggia l'estate. Tali ambiguità consentono di utilizzare i personaggi in molti modi. Oggi questo “oro bianco”, come veniva chiamata anche la porcellana, è conservato a Bamberga.
Oltre all'apprezzamento per Peter e Irene Ludwig, c'è anche uno sguardo indietro agli ultimi 25 anni. Si sono svolte numerose mostre con i fondi della vasta collezione Ludwig, nonché presentazioni di fumetti e caricature, di fotografia e dei monumenti così importanti per la regione della Ruhr. Durante lo svolgimento verrà premiato il best-of.

Con Barbara Klemm, la LUDWIGGALERIE presenta una delle fotografe più importanti del dopoguerra. Le sue impressionanti immagini in bianco e nero documentano persone ed eventi in Germania e nel mondo per più di cinquant'anni. Klemm ha lavorato come fotografo editoriale per la Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ dal 1970 al 2005 e ha viaggiato non solo nella Germania divisa, ma anche in quattro continenti.

Molte delle sue fotografie sono oggi considerate icone della storia della fotografia e rappresentano momenti storici come le rivolte studentesche, il bacio fraterno socialista o la riunificazione.

Cresciuta nella famiglia di un artista - suo padre era il pittore di Karlsruhe Fritz Klemm - le è stato dato fin da piccola un occhio speciale per la composizione e la struttura. Molte delle sue produzioni riflettono una buona conoscenza della storia dell'arte e un approccio empatico verso le persone. I suoi ritratti di artisti la identificano come una grande ritrattista.

Quando l'americana Linda Eastman (1941–1998) iniziò a fotografare a metà degli anni '1960, cadde immediatamente nella scena rock e pop. Un invito alla stampa apre le porte al party promozionale dei Rolling Stones al SS Pantera del Mare sul fiume Hudson. È qui che inizia la sua insolita carriera: “Quelli erano i giorni in cui Jimi Hendrix venne nel mio appartamento all'improvviso e io andai a cena con Jim Morrison a Chinatown. Una volta ho comprato del burro di arachidi per un banchetto di mezzanotte con Janis Joplin, un'altra volta ho viaggiato in metropolitana per la città con Jackson Browne. Anche lei incontra i Beatles e quindi il suo futuro marito Paul. Osserva la creazione della famosa copertina Abbey Road, che ha appena festeggiato il suo cinquantesimo compleanno, e offre uno sguardo intimo sulla vita familiare dei McCartney.

Ma soprattutto, le sue immagini delle grandi star della musica della fine degli anni '1960 plasmano ancora la nostra memoria visiva di quell'epoca, liberata dall'etichetta morale. Janis Joplin e Jimi Hendrix, Nico e Brian Jones, The Doors e The Who, Aretha Franklin e Bob Dylan sono da lei ritratti con naturalezza e spesso con grande dinamismo. La mostra utilizza foto degli anni Sessanta per mostrare momenti inquietanti di questa intensa era musicale.

Oltre alle fotografie, viene affrontato intensamente il tema della musica e la sua espressione artistica visiva. Il design delle copertine dei dischi, anch'esso radicalmente cambiato a partire dalla metà degli anni '1960, è presentato in un'area espositiva separata. Design iconici come quelli di Hipgnosis Il lato oscuro della Luna per i Pink Floyd, Klaus Voormanns Rivoltella per i Beatles o Andy Warhols Sticky Fingers perché i Rolling Stones oggi sono diventati un cult. Una passeggiata sonora allestita appositamente per la mostra permette ai visitatori di immergersi musicalmente negli anni '60.

Linda McCartney portava con sé la sua macchina fotografica in tutti i suoi viaggi. Suo Lavori stradali mostrare espressamente le osservazioni di persone e spazi. Ancora una volta è lo sguardo nello specchietto retrovisore ad affascinare. E infine, McCartney divenne creativo anche in campo sperimentale. Suo Impronte solari mostrano immagini esposte alla luce del giorno, al sole, che spaziano dalle nature morte ai ritratti.

La mostra è stata sviluppata con la “Reichelt und Brockmann Art Foundation” Mannheim.

"Il mio territorio è il territorio" è da decenni il motto del fotografo di Essen Manfred Vollmer. Eppure il suo interesse e il suo lavoro fotografico vanno ben oltre. Il suo primo grande progetto, la sua tesi finale alla Folkwangschule di Essen, lo portò in Italia alla fine degli anni '1960, dove catturò con la sua macchina fotografica le usanze insolite delle feste religiose locali. Dal 1970 lavora come fotografo freelance, principalmente per settimanali, quotidiani e sindacati. Il suo lavoro è – e lo si vede ancora oggi – così convincente che gli è stato assegnato un premio. Nel 1978 si reca in Bretagna per documentare come fotoreporter la fuoriuscita di petrolio causata dal naufragio della petroliera americana Amoco Cadiz. Per questo ha ricevuto il primo premio al World Press Photo Competition del 1979 nella categoria “News Picture Stories”.

Ma le sue fotografie della zona della Ruhr, i suoi resoconti partecipativi sulle controversie di lavoro degli anni '1980, il suo accompagnamento ai lavoratori di vari settori e la sua preoccupazione per le condizioni di vita dei cosiddetti lavoratori ospiti sono in realtà l'elemento più formativo del suo lavoro. Quando nel 2010 l'area della Ruhr è diventata la capitale culturale, con le sue immagini talvolta monumentali ha contribuito a una nuova immagine dell'area della Ruhr e ha creato icone che ancora oggi rappresentano il cambiamento strutturale e culturale della regione. La LUDWIGGALERIE dedica ora una panoramica del suo lavoro a questo importante cercatore di immagini.

Ciminiere fumanti, deserti industriali, lavoratori in sciopero: numerosi temi della zona della Ruhr si ritrovano e incontrano nelle fotografie, nei dipinti e nella grafica di Rudolf Holtappel e Walter Kurowski. I due patrimoni artistici arricchiscono la collezione LUDWIGGALERIE dal 2017, sono già stati presentati individualmente in retrospettiva e ora si affrontano per la prima volta direttamente in una mostra congiunta.

I temi centrali dei due artisti sono esposti anche in sale monografiche separate. L'intero respiro artistico di Rudolf Holtappel è presentato attraverso i motivi delle fotografie dei grandi magazzini, delle riprese teatrali e degli sfondi industriali. Manifesti, caricature e disegni dimostrano la diversità del lavoro di Walter Kurowski.

Il cronista della Ruhr Rudolf Holtappel (1923–2013) dopo aver conseguito il master in fotografia nel 1950 ha lavorato come fotoreporter e fotografo freelance. Con le sue immagini, l'abitante di Oberhausen ha plasmato per decenni l'aspetto visivo del gruppo di grandi magazzini Karstadt (1964–1995) e di numerose aziende industriali sul Reno e sulla Ruhr, tra cui Henkel (1974–2002). Le sue fotografie influenzano l'immagine del teatro Oberhausen nell'era Büch (1961–1970) e Weise (1992–2003) così come i volumi sul paesaggio urbano di noti editori (Carl Lange Verlag/Mercator-Verlag).

Walter Kurowski (1939–2017), leggenda culturale e unico artista cittadino di Oberhausen, ha movimentato per oltre 50 anni la scena artistica e musicale della città, dipingendo e disegnando un posto nella sua memoria. Il pluripremiato diplomato della Folkwangschule ha combattuto con la sua arte come uno dei più importanti fumettisti tedeschi negli anni '1970 e '1980 insieme ai lavoratori per la pace e la giustizia e contro l'oppressione e lo sfruttamento. Come cartellonista ha ricevuto per decenni incarichi per eventi culturali, organizzazioni politiche e sindacali.

Oltre 50 fumettisti provenienti dai paesi di lingua tedesca aprono i loro cassetti e forniscono spunti su materiale inedito. Nella mostra potrete scoprire circa 300 cornici con 500 disegni che nessuno ha mai visto prima! I nuovi arrivati ​​incontrano illustratori noti e famosi e lo chiariscono: tutti hanno progetti che finora sono rimasti incompiuti. Alcuni furono respinti o addirittura censurati dall'editore. A volte mancava il tempo e il tempo libero per portare a termine idee progettuali e questioni di cuore. Altri racconti, invece, sono finiti e pronti per essere stampati in grandi quantità.

Questa raccolta di diversi generi di fumetti, stili di disegno e movimenti offre una panoramica approfondita della storia del fumetto in lingua tedesca. Gli originali storici come le storie illustrate postume del pioniere dei fumetti Wilhelm Busch rappresentano i primi esempi di arte sequenziale. I disegni di Erich Ohser degli anni '1930 sottolineano la difficile situazione dei fumetti in questo momento. Fogli inediti di importanti pionieri come Willi Kohlhoff e Hansrudi Wascher illustrano la svolta delle piccole riviste negli anni '1950 e aprono la strada a grandi del fumetto come Isabel Kreitz, Ulli Lust e Ralf König. Werner di Brösel offre intrattenimento di massa degli anni '1990.

La diversità con cui si presenta la scena comica odierna fa sì che generi, generi, stili e metodi editoriali si confondano. Non devono esserci confini e il contenuto non può più essere classificato in categorie fisse come azione, fantasy o western. Matthias Schultheiss disegna un ritratto di grande formato di Adolf Hitler durante la prima guerra mondiale, mentre Sheree Domingo solleva domande sull'editing genetico e sulla protezione del clima. Attraverso Atak e Fil, il Faust di Goethe sperimenta una forma di espressione completamente nuova, sia visivamente che linguisticamente, e Nicolas Mahler porta la nostra società di commento all'assurdità con una serie umoristica. Scopri capolavori nascosti che raccontano un po' di storia del fumetto e un po' di storia del mondo!

Il punto di partenza per la mostra tematica di una stanza sul motivo della Pietà trinitaria nella LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen, che sarà poi esposta anche al Suermondt-Ludwig-Museum Aachen, sono cinque sculture tardo medievali del Museo di Aquisgrana. Tra questi c'è un pezzo svevo della collezione Peter e Irene Ludwig, che con la grande fondazione nel 1977 è stato trasferito alla collezione comunale di Aquisgrana. Per la prima volta questa scultura e il suo particolare tema pittorico vengono messi a fuoco e discussi nel loro contesto iconografico. Il motivo della Pietà trinitaria rimanda all'immagine di Dio Padre, che presenta allo spettatore il corpo di suo figlio o dell'Uomo dei dolori morto vivo. Anche la colomba spirituale appartiene a questo tipo di immagini, sebbene in molte immagini non sia stata conservata. Questa espressione dell'immagine della Trinità si trova spesso nella scultura, nella pittura su tavola e su libri, ma anche nella grafica del tardo Medioevo e della prima età moderna. Nel saggio accademico “Pietà trinitaria – Un concetto di immagine tardo medievale e il suo continuo impatto nel contesto della Riforma e della Riforma cattolica” del Dr. Dagmar Preising ripercorrerà la storia di questo motivo nella pittura, nella scultura e nella grafica, mettendo insieme numerosi pezzi, anche meno conosciuti. Questi sono classificati per tipo. Oltre a raggruppare gli esempi, è importante evidenziare il contesto iconografico e funzionale di queste rappresentazioni della Trinità. Viene inoltre spiegato il significato della Pietà trinitaria nel contesto della mistica della passione e del culto sacramentale nel tardo Medioevo e viene dato uno sguardo anche alla Riforma e alla Controriforma. Vengono inoltre discussi i termini alternativi comunemente usati per questo tipo di immagini, come propiziatorio e Notgottes. In questa mostra la scultura della Collezione Ludwig costituisce il fulcro. Attorno a questo si raggruppano altre rappresentazioni della Pietà trinitaria nonché pezzi con soggetti pittorici strettamente correlati, come il cosiddetto propiziatorio con Dio Padre che regge il crocifisso, o l'angelo Pietà. Viene illustrata l'attualità del tema pittorico trinitario nei secoli XV e XVI e viene visualizzata la sua continuazione in epoca barocca.

La scarpa è uno dei capi di abbigliamento che da sempre emoziona particolarmente. La scarpa non è solo un mezzo per combattere il freddo e il caldo, le ferite e lo sporco, ma è soprattutto una superficie di proiezione dello status sociale, del “camminare per il mondo” e, ovviamente, delle fantasie erotiche. La gamma di rappresentazioni artistiche spesso insolite di calzature in questa mostra spazia dall'antichità alle opere attuali, dal Medioevo a Mel Ramos. L'assenza della scarpa, l'impronta della scarpa e il significato simbolico della scarpa sono presentati nelle espressioni artistiche, così come alla scarpa rossa è dedicato un capitolo a parte.
È la prima mostra che riunisce e mette a confronto posizioni dalla leggendaria impronta del Buddha alle creazioni di scarpe di Andy Warhol. Scarpe e scarpe cult così come scarpe iconiche formano una parentesi; St. Hedwig, il cui attributo sono le scarpe, incontra le Adidas All Stars ai piedi di Freddie Mercury. Si aprono nuove prospettive su alcune immagini note. Guardare il piede offre scoperte e intuizioni sorprendenti. Una camminata sonora accompagna le performance e non solo Nancy Sinatra lo sa: These Boots Are Made for Walkin'...
L'incontro con la scarpa nella LUDWIGGALERIE avviene in occasione dell'installazione della scultura in acciaio del noto artista pop tedesco Heiner Meyer davanti all'edificio principale del castello di Oberhausen nel marzo 2021. Come “mostra nella mostra ”, particolare attenzione è riservata al suo lavoro artistico. Tacchi alti e auto veloci, stivali sopra il ginocchio e smalti, ma anche orchidee eleganti come la “pantofola” danno un tocco di lusso. Scarpe costose e gambe di donne sexy modellate da esse aumentano la tentazione della pubblicità. Gli elementi glamour che compongono l'opera abbagliante di questo artista multistrato mostrano una forte posizione sulla scarpa. Solo Pop Art in formato stiletto!

RED HEELS - una scultura di Heiner Meyer per la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen come parte della mostra ART ABOUT SHOES

Il basamento di cemento davanti al castello di Oberhausen, sull'arteria principale Konrad-Adenauer-Allee, è rimasto vuoto per molto tempo. Fino al 2013 qui troneggiava la scultura “Head Through Belly” dell’artista pop americano Keith Haring. Il direttore del museo Dott. Christine Vogt ha incaricato l'artista pop tedesco Heiner Meyer, noto a livello internazionale, di abbozzare gli schizzi per una scultura, da cui è nata RED HEELS. Sono ormai trascorsi due anni di pianificazione e il grande progetto è nelle fasi finali. Jutta Kruft-Lohrengel, la prima presidentessa degli Amici della LUDWIGGALERIE eV, ha reclutato diversi artigiani per sostenerla. I nostri ringraziamenti vanno al Dr.-Ing. Christoph Diekmann nonché le aziende Franken Apparatebau, Klöckner & Co. e Westdeutsche Farben GmbH per la realizzazione della scultura RED HEELS.

Otfried Preußler (1923–2013) è uno degli autori per bambini e ragazzi più importanti e influenti del mondo di lingua tedesca. Con storie come Il ladro Hotzenplotz, La piccola strega e Il piccolo fantasma, l'autore ha creato fin dagli anni '1950 personaggi che continuano a plasmare generazioni di adolescenti oggi e sono diventati parte integrante delle camerette dei bambini di tutto il mondo. In totale scrive oltre 35 libri, che deliziano i suoi lettori in tutto il mondo con una tiratura totale di oltre 50 milioni di copie. Preußler ha lavorato con numerosi illustratori durante il suo periodo creativo. Illustrano le sue storie e danno vita ai personaggi utilizzando il loro stile e le loro idee personali. Particolarmente note sono le illustrazioni di FJ Tripp, che conferiscono al ladro Hotzenplotz il suo aspetto sorprendente. I disegni color seppia simili a xilografie che Herbert Holzing creò per Krabat rimangono coerenti in numerose edizioni. L'aspetto inconfondibile della streghetta, ma anche del tritone, è merito dell'artista Winnie Gebhardt. Si possono vedere anche i disegni originali di Hörbe, raramente mostrati, realizzati da Otfried Preußler.
Molte delle storie di Preußler vengono trasferite anche su altri media: audiolibri, adattamenti teatrali, film e giochi testimoniano l'immensa popolarità. Sono riuniti un totale di 300 disegni originali, oggetti di scena cinematografici e fotografie.
Venite a conoscere l'intero cosmo Preußler nella mostra! Cogliete l'occasione per scoprire i personaggi meno conosciuti e lasciatevi affascinare dalle storie di Otfried Preußler insieme ai vostri figli o nipoti!
La mostra è sostenuta dalla Stadtsparkasse Oberhausen e dagli Amici della LUDWIGGALERIE. Il partner culturale è WDR 3.

"Grigio – una visione chiara solo tre volte all'anno", così Rudolf Holtappel (1923–2013) descrive la regione della Ruhr e fotografa la biancheria bianca davanti a camini fumanti, spettacoli teatrali su palcoscenici e persone che consumano nei grandi magazzini. Per i libri illustrati della Mercator-Verlag, Holtappel mette in scena l'industria, la città e le persone.

Dal 1961 al 1970 e dal 1992 al 2003 Holtappel ha lavorato come fotografo di scena nell'era Büch e Weise al Teatro di Oberhausen. La sua scelta di prospettive particolari e la sua sensibilità per il momento giusto sono altrettanto evidenti nelle produzioni di Günther Büch, che ha portato in teatro le opere di Peter Handke, come nelle rappresentazioni di Klaus Weise negli anni '1990.

Holtappel lavora da anni per Karstadt e Henkel e ha avuto un'influenza decisiva sulla rappresentazione delle aziende attraverso le sue fotografie. Dal 1974 al 2002 ha fotografato per l'azienda Henkel capannoni di fabbriche, prodotti, processi produttivi nelle fabbriche e persone sul posto di lavoro. Tra i numerosi premi e riconoscimenti e un acquisto da parte del Bundestag tedesco ci sono le fotografie delle cucine dello stabilimento Henkel. Per la prima volta vengono presentate al pubblico le fotografie realizzate per Henkel.

Holtappel, che ha conseguito il master in fotografia nel 1950, è sorprendente e sperimentale nel suo approccio ai vecchi processi di stampa fine (stampe al sale, cianotipi e stampe all'olio di bromo) o ai materiali fotografici. Per la prima volta la mostra offre una visione completa della diversità dell'opera di Rudolf Holtappel (1923-2013). Holtappel chiama Oberhausen la sua casa da oltre 50 anni. Nel 2017 la città di Oberhausen ha acquisito la sua tenuta, che è conservata nel castello LUDWIGGALERIE di Oberhausen. Punto di partenza della mostra è il suo archivio cronologico composto da circa 360.000 negativi in ​​bianco e nero e a colori.

Con il sostegno del finanziamento culturale regionale dell'Associazione regionale della Renania e degli Amici della LUDWIGGALERIE. Il partner culturale è WDR 3.

Quando l'americana Linda Eastman (1941–1998) iniziò a fotografare a metà degli anni '1960, cadde immediatamente nella scena rock e pop. Un invito alla stampa apre le porte alla festa promozionale dei Rolling Stones sulla SS Sea Panther sul fiume Hudson. È qui che inizia la sua insolita carriera. Incontra anche i Beatles e quindi il suo futuro marito Paul. Osserva la creazione della famosa copertina di Abbey Road e offre uno sguardo intimo sulla vita della famiglia McCartney.

Ma soprattutto, le sue immagini delle grandi star della musica della fine degli anni '1960 plasmano ancora oggi la nostra memoria visiva. Cattura Janis Joplin e Jimi Hendrix, Nico e Brian Jones, The Doors e The Who, Aretha Franklin e Bob Dylan in modo naturale. La mostra utilizza foto degli anni Sessanta per mostrare momenti inquietanti di questa intensa era musicale.

Oltre alle fotografie, viene esplorato il tema della musica e della sua espressione artistica visiva. Un'area espositiva separata è dedicata alla progettazione delle copertine dei dischi. Disegni iconici come The Dark Side of the Moon di Hipgnosis per i Pink Floyd, Revolver di Klaus Voormann per i Beatles o Sticky Fingers di Andy Warhol per i Rolling Stones sono oggi diventati dei cult. Una passeggiata sonora allestita appositamente per la mostra permette di immergersi musicalmente negli anni '60.

Oltre alle foto musicali, Linda McCartney portava con sé anche la macchina fotografica in tutti i suoi viaggi. I suoi lavori stradali mostrano espressamente osservazioni di persone e spazi. E infine, McCartney è diventato creativo nel campo sperimentale. Le impronte solari sono immagini esposte alla luce del giorno, che vanno dalle nature morte ai ritratti. La mostra è stata allestita con fotografie provenienti dalla collezione di Ina Brockmann e Peter Reichelt, che all'inizio degli anni '1990 misero insieme la loro collezione in collaborazione con Linda McCartney.

“Guarda eccolo, ugh! lo Struwwelpeter!” Nel 1844, il medico Dr. Heinrich Hoffmann non racconta solo la storia del ragazzo che non può né pettinarsi né tagliarsi le unghie, ma immagina anche numerosi altri personaggi in questo stile. Oltre a Suppenkaspar e Hanns Guck-in-die Luft, Zappel-Philipp plasma ancora oggi l'uso tedesco. Il classico ispira gli artisti a creare le proprie variazioni da 175 anni. Struwwelpeter, ma anche Paulinchen, Konrad, Hanns e Friederich si possono trovare ovunque - a volte a prima vista, a volte dopo un esame approfondito. I temi dell'immagine sono ancora oggi di grande attualità e talvolta politici. Nella storia dei ragazzi neri di Hoffmann, il grande Nikolas immerge i ragazzi xenofobi in un grande calamaio come punizione. Nel 2013 Luise Bofinger ha affrontato il razzismo rappresentato in questa storia con un messaggio inconfondibile. Il mangaka David Füleki, d'altra parte, aiuta lo Struwwelpeter a fare diverse apparizioni in due fumetti diversi. Hans Witte riprende il testo di Heinrich Hoffmann in modo ridotto e puramente tipografico. Nel suo libro Lola Races Anke Kuhl ritrae con umorismo acuto alcuni bambini che si disperano a causa dei pericoli quotidiani, ma che riescono anche a crescere. Struwwelpetriaden - internazionale, stridulo, politico, kitsch, fuori luogo, appuntito, a volte nello spirito di Hoffmann, sia con testo originale che riscritto, reinventato, riscritto o con nuovi personaggi.

Inoltre oggetti curiosi, merci e dischi dimostrano l'alto livello di rilevanza per la vita quotidiana. Un'area espositiva separata ripercorre il ritratto di Hoffmann e mostra la sua opera nel contesto del periodo Biedermeier. Più di 100 libri, disegni, illustrazioni, dipinti e oggetti della multiforme e internazionale collezione Sauer illustrano la storia e lo sviluppo del tema.

La mostra Hollywood Icons è dedicata all'epoca d'oro di Hollywood. Mostra quei fotografi le cui immagini tutti conoscono ancora oggi: dalla leggenda del cinema muto Charlie Chaplin ai brillanti interpreti dell'era del cinema sonoro come Marlene Dietrich fino ai giganti del dopoguerra come Marlon Brando e Sophia Loren. All'inizio degli anni '1920, l'industria cinematografica aveva sede a Los Angeles e dintorni. Tutti si riversano in California in cerca di fama e fortuna. Garbo viene dalla Svezia, Dietrich dalla Germania, Hedy Lamarr dall'Austria, Chaplin e Cary Grant vengono dall'Inghilterra, ma è Hollywood che li ha portati alla fama internazionale.
Hollywood Icons presenta anche ritratti e fotografi allora sconosciuti che lavorano invisibili dietro le quinte, ma le cui fotografie glamour sono cruciali per la fama delle star e dei film. Le immagini delle star del cinema sono opera di cineasti che lavorano brillantemente per promuovere lo stile hollywoodiano in tutto il mondo.
John Kobal si è occupato intensamente di questo materiale hollywoodiano. Inizia come amante del cinema, poi diventa giornalista, scrittore e un eminente storico del cinema. Le fotografie presenti in questa mostra provengono dalla sua collezione. La mostra presenta principalmente fotografie in bianco e nero, ma tra le opere sono presenti anche fotografie a colori. Oltre 200 foto della John Kobal Foundation riuniscono i grandi nomi di Hollywood. Una riunione con volti noti da Judy Garland a Fred Astaire, da James Dean a Elizabeth Taylor.

Il punto di partenza della mostra iconografica Anna insegna a Maria a leggere - Sul culto di Sant'Anna intorno al 1500 è una scultura in pietra francese unica e di alta qualità della metà del XV secolo, che appartiene alla collezione di Peter e Irene Ludwig. Questa scultura è stata esposta come prestito permanente nel Museo Suermondt-Ludwig dal 15 ed è diventata proprietà della città di Aquisgrana nel 1994 attraverso il lascito di Irene Ludwig. Mostra come Anna in trono istruisce nella lettura la piccola Maria che le sta accanto, un tema pittorico sviluppato nel contesto della venerazione di Sant'Anna. L'argomento apparve nei manoscritti già nel XIII e all'inizio del XIV secolo e ricevette crescente attenzione nel tardo Medioevo e nella prima età moderna con l'aumento della venerazione di Sant'Anna. Fu però solo in epoca barocca che il tema conquistò una popolarità generale, che durò fino al XIX secolo. Nel periodo intorno al 2011, quando il culto di Anna raggiunse il suo apice, l'istruzione di Maria era ancora un soggetto pittorico raro rispetto alla raffigurazione molto più popolare e comune della Terza Anna.

Il fulcro della mostra è la scultura della Collezione Ludwig, finora considerata isolata. Attorno a questa figura sono raggruppati altri insegnamenti di Maria, viene illustrata la vita successiva di Maria adulta e vengono mostrati altri importanti motivi della venerazione di Sant'Anna.

L'Inghilterra è considerata la culla della Pop Art e ha prodotto numerose posizioni insolite sul fenomeno di quello che allora era un nuovo movimento artistico davvero rivoluzionario. Oltre ai motivi della vita quotidiana, è soprattutto l'idea dell'arte per tutti. I capolavori vengono creati in massa attraverso il mezzo della stampa, attraverso l'arte dell'edizione e i multipli. Ci sono argomenti preferiti come la televisione, la pubblicità o le automobili. Si riflette un intero atteggiamento nei confronti della vita e la musica gioca un ruolo cruciale. Questa mostra ne tiene conto in particolare, dedicando una sezione separata ai design delle copertine dei dischi, come quella di Peter Blake e Jann Haworth per l'album dei Beatles Sgt.

L'avvocato di Düsseldorf Heinz Beck, la cui collezione è conservata nel Museo Wilhelm Hack di Ludwigshafen, ha messo insieme un'eccezionale collezione di opere di questo periodo. Per la prima volta la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta una selezione di arte pop britannica da questa collezione unica con le sue varietà speciali e idiosincratiche.

Ivor Abrahams I Peter Blake I Derek Boshier I Anthony Canham I Patrick Caulfield I Harold Cohen I Ian Colverson I Antony Donaldson I Michael English I Richard Hamilton I Jann Haworth I Dick Higgins I David Hockney I David Inshaw I Bill Jacklin I Allen Jones I David King I RB Kitaj I Gerald Laing I Les Levine I David AJ Miller I Malcolm Morley I Robin Page I Eduardo Paolozzi I Peter Phillips I Tom Phillips I Patrick Procktor I John Salt I Colin Self I Richard Smith I Joe Tilson

La LUDWIGGALERIE festeggia il suo 20° compleanno con grandi ringraziamenti e giubilo. I gesti di tali emozioni possono – ovviamente – essere ritrovati anche nelle opere d’arte. Questo è quindi il tema di fondo sotto il quale i capolavori della collezione Peter e Irene Ludwig sono riuniti nella LUDWIGGALERIE. Dotato di prestiti internazionali, viene esplorata la comunicazione non verbale, la poesia silenziosa, come Leonardo da Vinci chiama l'arte.
In linea con lo spirito della coppia di collezionisti, opere provenienti da epoche e regioni diverse del mondo entrano in dialogo. Lo spettro spazia dall'antichità ai giorni nostri, dall'arte precolombiana al Medioevo europeo e molto oltre. La questione di cosa unisce o separa le cose all'interno è sempre stata centrale per i Ludwig. L'incontro tra le opere sotto una domanda comune continua questo interesse. I gesti possono essere usati per comunicare bene in un paese straniero o per ottenere esattamente il contrario: fai attenzione se scuoti la testa in India!
Il passo del secolo di Wolfgang Mattheuer è certamente un'opera chiave per il gesto come significante in un contesto politico e sociale. L’amante tempestoso, invece, incarna appieno la forza dell’impatto emotivo che il sesso opposto può scatenare. Il dito puntato e i gesti di benedizione, i segni di vittoria e il dito puzzolente, il pollice in alto o il pugno del lavoratore sono la prova delle posizioni delle mani utilizzate di frequente. La pittura gestuale trova la sua forma perfetta nelle curve di Karl Otto Götz. Ma il mondo intero conosce anche il premuroso “appoggiare la testa tra le mani”. Questa mostra unisce gesti sorprendenti, in cui non manca il diamante della Merkel, eseguito da St. John.

Ι Ellen Auerbach Ι Belkis Ayón Manso Ι Heike Kati Barath Ι Georg Baselitz Ι Thomas Baumgärtel Ι Caspar Benedikt Beckenkamp Ι Matthias Beckmann Ι Anne Berning Ι Robert Bosshard Ι Claudio Bravo Ι Pieter Brueghel Ι Gudrun Brüne Ι Franz Anton Bustelli Ι Carlo Cignani Ι Cornelis van Dalem Ι Walter Dohmen Ι Albrecht Dürer Ι Erró Ι Semëon Natanovič Fajbisovič Ι Gérard Gasiorowski Ι Sighard Gille Ι Peter Gilles Ι Karl Otto Götz Ι Bob Gruen Ι Johannes Grützke Ι Eckart Hahn Ι Keith Haring Ι Xenia Hausner Ι Bernhard Heisig, Gottfried Helnwein, David Hockney, Ottmar Hörl, Lambert Hopfer, Thomas Huber, Daniel Josefsohn, Claudia Kaak, Kirsten Klöckner, Germaine Krull, Monika Lioba Lang, Roy Lichtenstein, Richard Lindner, André Lützen, Wolfgang Mattheuer e Dóra Maur ehm Ι Maestro del Calvario di Sinzig Ι Johann Peter Melchior Ι Pedro de Mena Ι Heiner Meyer Ι Herman van der Mijn Ι Edvard Munch Ι Reiner Nachtwey Ι Ernst Wilhelm Nay Ι CO Paeffgen Ι Otto Pankok Ι AR Penck Ι Pablo Picasso Ι Raimondo Puccinelli Ι Marcanton Raimondi Io Werner Reuber Ι Gerhard Richter Ι Johanna Roderburg Ι Michail Nikolaevič Romadin Ι James Rosenquist Ι Andreas Rosenthal Ι Svetlin Rusev Ι Laurentius Russinger Ι Gunter Sachs Ι Jürgen Schäfer Ι Egon Schiele Ι Karl Schmidt-Rottluff Ι Bernard Schultze Ι Emil Schumacher Ι Anton Sohn Ι Klau s Staeck Ι Volker Stelzmann Ι Franz von Stuck Ι David Teniers Ι Myriam Thyes Ι Hann Trier Ι Simon Troger Ι Werner Tübke Ι Dietmar Ullrich Ι Andy Warhol Ι Jacob Willemsz. de Wet Ι Su Xinping Ι Hanefi Yeter Ι Dmitry Zhilinsky Ι

Con il sostegno della Fondazione Peter e Irene Ludwig, della Kunststiftung NRW, della Volksbank Rhein-Ruhr e degli Amici della LUDWIGGALERIE.

Nell'ottobre del 1953, la controparte tedesca di Topolino iniziò la sua marcia trionfale. Inizialmente pubblicato con il titolo Till Eulenspiegel, due giovani volpi di nome Fix & Foxi compaiono rapidamente - inizialmente come personaggi secondari - e diventano subito le preferite del pubblico! I due hanno presto ricevuto una propria rivista e da tempo sono diventati un cult. Per i gemelli volpe viene creato un ambiente vivace: nell'idilliaca cittadina di Fuxholzen vivono anche l'adorabile zio Fax, l'inventivo Raven Knox, la conservatrice nonna Eusebia, l'intelligente Lupinchen e l'avido e pigro lupo Lupo. Rolf Kauka ha creato un intero impero con le proprie figure per il mercato locale. La mostra illustra lo sviluppo di un marchio cult - dai primi disegni naturalistici alla creazione dei personaggi dei fumetti di fama mondiale Fix & Foxi. Come Walt Disney, Kauka non disegna personalmente i personaggi, ma impiega piuttosto un intero gruppo di illustratori che rientrano nel marchio Kauka. A partire dagli anni '1960, serie su licenza franco-belga come Gaston, Astérix, I Puffi, Lucky Luke, Spirou e Fantasio sono apparse anche sulle riviste Fix & Foxi.

La mostra mostra il grande cosmo di Rolf Kauka (1917–2000) attraverso disegni originali, bozze, documenti, riviste contemporanee, cortometraggi e molto altro. Con oltre 200 disegni originali, è la mostra più completa fino ad oggi.

La mostra si basa sul lavoro preparatorio di Gottfried Gusenbauer, Museo della caricatura di Krems e del Dr. Gisela Vetter-Liebenow, Wilhelm Busch - Museo tedesco della caricatura e del disegno, Hannover e per Oberhausen è stato rivisto, notevolmente ampliato e integrato. In collaborazione con la tenuta di Rolf Kauka, il Dr. Stefan Piëch e Your Family Entertainment AG.

Il tema del carbone non è certamente centrale nell’ambito dei fumetti e dei cartoni animati, eppure esistono tutta una serie di posizioni insolite. Utilizzando approcci e implementazioni molto diversi, gli illustratori hanno coinvolto storie inventate sull’”oro nero”.
“Le anatre nella zona della Ruhr” sono sotterranee, “Stahlgolem” di Hendrik Dorgathen e “Hieronymus B” di Ulf K riferiscono sul cambiamento strutturale. Dachma ricorda la polvere di carbone nell'aria e Ulrike Martens solleva il “Kohlibri”. Isabel Kreitz ci guida attraverso l'attività didattica mineraria nel Medioevo, i personaggi di Ralf König “Bodo e Heinz” si concentrano sulla sicurezza sul lavoro sotterraneo e Thorsten Wieser racconta una biografia immaginaria di un artista - da commerciante di carbone a genio della pittura e viceversa. Jamiri è soddisfatto della maschiatura dell'acciaio, mentre Ralf Marczinczik e Steff Murschetz discutono delle più che difficili condizioni di produzione intorno al 1900. Ma Walter Moers e Florian Biege dimostrano che il carbone può svolgere un ruolo anche ben oltre la regione della Ruhr, quando portano nel lontano regno di Zamonia.
Come ospiti speciali compaiono “Kumpel Anton” disegnato da Otto Berenbrock e “Nonno Hausen” di Dirk Trachternach.
Il fatto che la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen possa perseguire la sua specialità di galleria popolare nel canone dei RuhrKunstMuseen e osservare l'argomento dal punto di vista del disegno da una prospettiva comica mostra quanto sia ampia la gamma che la scena artistica e museale della zona ha da offrire.

+ Otto Berenbrock + Dachma + Hendrik Dorgathen + Moritz Götze + Jan Gulbransson + Jamiri + Ulf K. + Ralf König + Isabel Kreitz/Peter Mrozek + Ralf Marczinczik + Ulrike Martens + Walter Moers/Florian Biege + Steff Murschetz + Dirk Trachternach + Thorsten Wieser +

Brigitte Bardot con la criniera bionda, Yves Saint Laurent nudo e Mick Jagger con il cappuccio di pelliccia: icone del cinema, della moda e della musica, fotografate da superstar come Richard Avedon, Bert Stern e Helmut Newton, riflettono l'atteggiamento nei confronti della vita Gli anni '1960 e '70 rivivono nella LUDWIGGALERIE.
Risale a quest'epoca la connessione unica tra le diverse discipline dell'espressione artistica: partito e politica, moda e musica, arte e culto del corpo, tra gli altri, sono rappresentati dalla Factory di Warhol e dalla scena newyorkese ivi rappresentata. Warhol eleva gli stessi mass media ad arte. La performance come espressione del corpo, sia attraverso la musica, la danza o come azione artistica, sta vivendo una fase alta. E la moda, i suoi modelli e la loro manifestazione fotografica sono considerati una forma d'arte alla pari in questo tempo di abbagliante superficialità.
La fotografia gioca un ruolo indispensabile nella formazione dell'immagine della star e fornisce spunti (a volte messi in scena) nella vita privata. I Beatles che si divertono in una lotta con i cuscini, Twiggy nei panni della nuova top model androgina e le star di Hollywood riflettono momenti importanti dell'epoca in ritratti impressionanti. Naturalmente diventano visibili anche i lati oscuri di questo stile di vita, come gli eccessi autodistruttivi dovuti alla droga o all’alcol. Warhol descrive con autoironia la dipendenza continua dal piacere dei ricchi, famosi e degli artisti come una malattia sociale.
La mostra mostra prevalentemente fotografie in bianco e nero e colpisce per la sua combinazione di opere di qualità museale e scatti atmosferici di paparazzi. Oltre 200 opere della collezione svizzera Nicola Erni riuniscono il chi è chi della società delle celebrità.

La mostra è stata ideata dal Dott. Ulrich Pohlmann, Museo Civico/Collezione di Fotografia di Monaco e Ira Stehmann in collaborazione con la Collezione Nicola Erni.

Chi non li conosce, i nasi a bulbo senza parole che sanno tanto da raccontare attraverso le espressioni facciali, i gesti e l'interazione con chi li circonda. Guillermo Mordillo, nato a Buenos Aires nel 1932, da decenni raffigura in modo mirato le sue figure sferiche, coprendo un variopinto spettro di temi: le persone con le loro piccole peculiarità sono presentate con amore, l'amore con le sue prove e tribolazioni, gli animali con quelle umane Proprietà, calcio e golf, nonché motivi politici si fanno strada nei mondi spesso surreali dell'artista.

Nelle sue immagini non solo mette in armonia cose disparate in modo surreale, ma permette anche ai suoi personaggi di superare con facilità i grandi e piccoli ostacoli della vita quotidiana. Fedele al suo detto: "L'umorismo è lo spirito che piroetta nel mezzo dell'eterna danza della vita", Mordillo usa questo umorismo per trasformare la stanchezza del mondo e la malinconia in opposti, offrendo così allo spettatore l'opportunità di contrastare il pessimismo della vita quotidiana. con ottimismo.

Oltre 150 dei suoi originali raramente esposti sono riuniti nella mostra e forniscono una panoramica del lavoro dell'artista attivo a livello internazionale, che ha vinto numerosi premi. Le immagini delle fasi creative a Buenos Aires, Lima, New York, Parigi e Monaco offrono una panoramica del suo diversificato lavoro.

Per la prima volta in 25 anni, una mostra completa in un museo tedesco presenta una selezione retrospettiva dei suoi originali. Oltre ad alcuni disegni in bianco e nero dei primi anni, numerose immagini attuali e colorate hanno trovato la loro strada nella LUDWIGGALERIE.

In collaborazione con il Museo della caricatura di Krems e Guillermo Mordillo.

Con il fotografo newyorkese Sam Shaw (1912–1999), la LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta ancora una volta uno dei più grandi creatori di immagini del XX secolo. I suoi motivi, spesso spontanei, raggiungono la fama mondiale e scrivono la storia della fotografia. Lo scatto di Marilyn Monroe di Quando la moglie è in vacanza con la gonna a pieghe svolazzante è una delle immagini più frequentemente riprodotte fino ad oggi.
La carriera di Sam Shaw è iniziata come fotografo per la rivista Collier's. Ha acquisito notorietà con il reportage How America Lives, che mostra i diversi volti della vita quotidiana americana negli anni '1940, lontano dallo sfarzo e dal glamour delle sue successive fotografie di Hollywood.
I ritratti di star, artisti e intellettuali di questo periodo riempiono numerose copertine di riviste come Life e Look e determinano ancora oggi la nostra memoria visiva.
Il film è il grande modello per le sue registrazioni. Spesso ci sono angoli di visione insoliti che ricordano le impostazioni della telecamera per le sequenze di film. L'ulteriore interesse per la pittura è evidente non solo nei ritratti degli artisti, ma anche nelle fotografie quasi pittoriche scattate utilizzando obiettivi con una lunga lunghezza focale. Le fotografie sono narrative e spesso progettate come una serie. Non importa se accompagna Sophia Loren in una giornata di riprese o segue i bambini che giocano con la telecamera.
In collaborazione con gli Shaw Family Archives di New York è possibile ammirare a Oberhausen un'ampia retrospettiva con circa 230 fotografie in bianco e nero. Oltre ai classici, vengono evidenziati i focus tematici dei suoi 60 anni di lavoro in settori come lo sport, i ritratti, la criminalità e il cinema.

Arte e shopping, due cose strettamente legate eppure che sembrano lontane. A cavallo tra il Medioevo e i tempi moderni, Albrecht Dürer emerse come uno dei primi imprenditori artistici. Le mode del mercato dell'arte nel corso dei secoli si riflettono nella ridipintura o nella reinterpretazione dei temi. La questione dell'originale, della copia e del falso si pone ancora e ancora. Grandi bolle speculative come la Tulpomania del XVII secolo uniscono i mercati dell’arte e quelli monetari.

Il XX secolo ha poi capovolto tutte le tradizioni. Marcel Duchamp dichiara che i beni industriali sono arte, Andy Warhol e i rappresentanti della Pop Art includono i prodotti dei supermercati nelle loro immagini. E il comportamento delle persone durante lo shopping non viene mostrato solo nella serie fotografica di Rudolf Holtappel Persone nel grande magazzino osservato. Quando Gerhard Richter nella sua pittura Madre e figlia Mentre Brigitte Bardot sembra fare shopping con la madre, qui il tema dello shopping si combina con quello del pittore più costoso dell'attuale mercato dell'arte.

Gli anni Sessanta tentarono di abbattere le barriere con nuove forme come i multipli e le stampe in edizione e di creare una connessione tra arte e vita con la richiesta di “arte per tutti”. Ma il divario è sempre più grande, il mercato dell’arte è in piena espansione da anni e anche la crisi finanziaria non ha avuto alcun effetto su questo fenomeno. A preoccupare gli artisti è anche il fatto che l’arte sia diventata “il bene di lusso più costoso della nostra cultura” (Piroschka Dossi). Ci sono anche posizioni critiche sul comportamento generale dei consumatori e il denaro, mezzo di pagamento per l'arte e il lusso, diventa anch'esso parte delle opere o portatore delle immagini.

Questa ampia mostra, che riunisce opere dal XV secolo ai giorni nostri, dalle incisioni su rame alle videoinstallazioni, mette ora, per la prima volta in questa forma, luce sull'ampio campo che collega arte e shopping.

Associamo Paperino, Topolino e i loro amici e parenti, come Zio Paperone, spesso molto indipendenti, al grande Walt Disney e alla sua enorme fabbrica. Ma chi erano gli artisti dietro l'impero Disney che inventarono i personaggi e i loro mondi e svilupparono il cosmo di Paperopoli?
La mostra di Oberhausen presenta i tre antichi maestri: l'uomo dei topi Floyd Gottfredson, che ci ha portato il Mausiverse sulla terra; Al Taliaferro, l'ancora poco conosciuto illustratore delle strisce dei quotidiani con Paperino e ostetrico dei nipoti Huey, Dewey e Louie e tanti altri familiari. Così come il veneratissimo fondatore di Entenhaut e padre di numerosi personaggi come Zio Dagobert, Daniel Jet Gear e i Tank Crackers, Carl Barks.
Ma le storie continuano anche dopo la morte di questi tre grandi illustratori, ed è anche questo il tema della presentazione a Oberhausen. Ulrich Schröder, originario della Germania, ora disegna storie e, soprattutto, copertine su topi e anatre. Il tedesco Jan Gulbransson e l'americano Don Rosa lasciano che Paperino continui le sue avventure piene di capricci e faccia il bagno nei soldi con lo zio Dagoberto. I visitatori possono ora immergersi nel cosmo di Duckhausen››››Oberhausen›››› attraverso disegni e stampe originali, molti dei quali sono esposti al pubblico per la prima volta.
La mostra è una delle presentazioni più estese su Paperino, Topolino e i loro illustratori fino ad oggi. In collaborazione con la Collezione Ina Brockmann e Peter Reichelt, Mannheim.

Regina Relang (Stoccarda 1906 – Monaco di Baviera 1989) inizia la sua carriera fotografica a Parigi negli anni '1930. Festeggia i suoi primi successi con foto di reportage scattate durante i suoi viaggi nel sud Europa. Il lavoro fisicamente difficile dei facchini nel porto di Porto suscita il suo interesse, così come il tradizionale matrimonio macedone a Galičnik. Nel dopoguerra Relang divenne il principale fotografo di moda tedesco. Tra i suoi clienti figurano noti stilisti come Christian Dior, Pierre Cardin e Yves Saint Laurent, e le sue fotografie sono presenti in riviste di moda contemporanee come Constanze, Pani o Cinema e donna stampato.

Nelle sue fotografie, che sono state giustamente descritte come “vetrine in movimento”, combina la moda con le situazioni quotidiane in un modo peculiare e insolito. Le rovine della distrutta Monaco di Baviera fanno da sfondo al colorato e vivace trambusto urbano delle metropoli internazionali della moda. Con il suo stile fotografico, Relang supera i confini tra fotografia di moda e reportage. Inserisce le ultime collezioni nel contesto quotidiano o mette in scena i suoi modelli come manichini di star nello spirito del mondo cinematografico glamour. Negli anni '1960 la sua prospettiva fotografica cambia e scatta sempre più fotografie in studio.

L'esposizione spazia dai primi resoconti di viaggio degli anni '1930, alla fotografia di moda del dopoguerra, fino alle fotografie per riviste patinate come Die Dame o VOGA. Presenta il lavoro di una vita di Relang e allo stesso tempo riflette la storia della fotografia di moda tedesca di oltre mezzo secolo.

Con questa mostra è la prima volta che una selezione del lascito di Regina Relang dalla collezione fotografica del Museo Civico di Monaco può essere vista al di fuori della Germania meridionale.

In collaborazione con il Suermondt-Ludwig-Museum Aachen, la mostra è ancora una volta dedicata a un pezzo importante della collezione Peter e Irene Ludwig. Il pannello in quercia, realizzato intorno al 1475 e attribuito al maestro del Calvario di Sinzig, tratta il raro soggetto della pittura su tavola ars bene moriendi, la questione centrale su come morire correttamente nel Medioevo.

Per la prima volta questo pannello viene ora esaminato in dettaglio dal punto di vista stilistico e iconografico e classificato nell'ambito della buona morte e della rappresentazione dell'intercessione (intercessioni di Maria e Cristo), che in questa immagine sono collegati tra loro. Altri prestiti di pregio come quello Unico ars moriendi-Libro in blocco del Museo Gutenberg di Magonza o la rappresentazione del Povero Lazzaro dalla Collezione Marks-Thomée completano questa mostra concentrata in una sola sala con ulteriori prestiti dal Museo Suermondt-Ludwig.

Una presentazione parallela alla mostra Pop-arte americana mostra le connessioni nei contenuti che inizialmente sembrano sorprendenti. Gli stendardi di tali pannelli medievali, qui trascritti per la prima volta per questa mostra, sono i precursori dei fumetti così tipici dei fumetti. Offrono anche orientamento attraverso la direzione della lettura e la connessione con i personaggi. Le implementazioni di Roy Lichtenstein sono impensabili senza questo. E anche nella Pop Art il tema della morte gioca un ruolo centrale, basti pensare a quello di Andy Warhol Morte e disastro-Serie.

Con l'avvento della Pop Art in America non solo i motivi quotidiani come i fumetti, le bandiere o le lattine di zuppa sono diventati degni di arte. Anche la questione dell'originale e del culto del genio viene discussa - nello spirito di Marcel Duchamp - e porta, tra l'altro, ad artisti che iniziano a utilizzare le loro serigrafie, ma anche oggetti ars multiplo, come capolavori in massa. Arte per tutti è il motto che porta alla propria espressione e alle forme idiosincratiche.

Il Museo Wilhelm Hack di Ludwigshafen ospita una magnifica collezione di opere degli anni '1960 e '70, tra cui la collezione dell'avvocato di Düsseldorf Heinz Beck. La particolarità di questa collezione risiede nella preferenza di Beck per edizioni e multipli, che riflette in modo impressionante il desiderio dell'epoca per un'arte democratizzata. La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta per la prima volta una selezione di arte pop americana che illustra l'approccio particolare e non solo di una figura centrale come Andy Warhol. Edizioni come 7 in una scatola dal 1966 o dieci da leo castelli dal 1967/68 forniscono approfondimenti sulle amicizie degli artisti e sul comportamento del mercato dell'arte.
Arman (Armand Fernandez), Art Workers Coalition, Richard Bernstein, Christo, Robert Cottingham, Allan D'Arcangelo, Jim Dine, Don Eddy, Richard Estes, Hans-Dietrich Froese, Ralph Goings, Robert Graham, Eila Hershon, Robert Indiana, Alain Jacquet, Jasper Johns, Howard Kanovitz, Allan Kaprow, Alex Katz, Edward Kienholz, RB Kitaj, Roy Lichtenstein, Liliane Lijn, Robert W. Munford, Lowel B. Nesbitt, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, James Rosenquist , Edward Ruscha, George Segal, Robert Stanley, Alan Turner, Andy Warhol, Tom Wesselmann

Ralph Ruthe, Joscha Sauer e Flix (Felix Görmann) plasmano da anni la scena tedesca dei fumetti e dei cartoni animati e il loro lavoro mostra chiaramente le transizioni e i limiti del mezzo.

Ralph Ruthe è particolarmente noto per le sue catastrofi quotidiane che affliggono i protagonisti la merda succede accaduto, noto. Un ricco repertorio di animali - mucche, criceti, avvoltoi o leoni - sperimentano le disgrazie raccontate nei cartoni animati, con alberi e morte in particolare come personaggi. Ruthe lavora intensamente con le immagini in movimento ormai da qualche tempo. Crea film d'animazione dai suoi cartoni animati, a cui lui stesso fornisce voci, suoni e musica. Attualmente ha sviluppato un programma teatrale con il quale sarà in tournée in Germania durante il periodo espositivo.

NOTLUSTIG di Joscha Sauer è ormai diventato un cult e un marchio di fabbrica. Uno staff eterogeneo popola le sue vignette. Oltre ai lemming suicidi, ricevono costante attenzione gli Yeti e il signor Riebmann, che vive in un muro, così come la Morte e il suo barboncino, i fecalini, i ninja, gli alieni e gli scienziati Wilson e Pickett. Anche le immagini in movimento svolgono un ruolo sempre più importante per Sauer; attualmente sta lavorando ad una serie di film d'animazione. Tutti e tre gli artisti forniscono regolarmente nuovi cartoni animati e fumetti sui loro siti web.

Questo è ciò che Flix presenta sotto il titolo Giorni da eroe piccole situazioni quotidiane, solitamente disposte in quattro riquadri, su internet. Mentre Ruthe e Sauer hanno scelto come mezzo il fumetto, cioè la singola immagine, Flix disegna ampi fumetti che in parte si ispirano a modelli letterari. Faust o Don Chisciotte vengono qui raccontati in modo molto originale. IL Belle figlie, che attualmente viene pubblicato come libro in concomitanza con la mostra, riflette anche osservazioni sulla vita quotidiana come molte delle sue altre storie. E Ferdinando il cane reporter si arrende regolarmente Il tuo specchio Aspetto e carattere, mentre Ralph Ruthe pensa alle storie.

Strutturare e collegare, separare e sezionare strade, corsi d'acqua, linee ferroviarie e linee aeree. Sono le caratteristiche centrali del design dell’area della Ruhr. Questi grandi corridoi plasmano l'immagine della regione e sono attualmente oggetto di discussione. La costruzione dei tralicci elettrici è un indicatore della transizione energetica o uno stravolgimento di un panorama paesaggistico? Un collegamento autostradale diretto significa mobilità e modernità o rumore e pericolo? Diversi profili spaziali indicano paesaggi danneggiati, rinaturalizzazione e cambiamenti strutturali. Questa mostra dal titolo impegnativo GREEN CITY visualizza il paesaggio insolito e complessamente interconnesso della regione della Ruhr attraverso l'occhio artistico. I temi dell'ecologia, del clima, della tutela dell'ambiente e dell'energia non sono solo importanti dal punto di vista socio-politico, ma svolgono da tempo anche un ruolo centrale nel lavoro di numerosi artisti.

La LUDWIGGALERIE presenta uno spettro di questa ricerca artistica peculiare, con opere di artisti regionali e posizioni di fama internazionale. Le opere esaminate criticamente mostrano fiumi e strade. Le ambientazioni dello spazio esterno disegnano il paesaggio in modo scultoreo o con il colore. Le serie fotografiche guardano al recupero degli spazi da parte della natura. Lavoriamo con materiali naturali e industriali, attraverso i generi e in modo sperimentale. Anche la corrente elettrica, attualmente invisibile, può diventare un oggetto d'arte!
Anche le opere d'arte nelle immediate vicinanze della LUDWIGGALERIE aprono lo spazio museale all'ambiente.

Questa ampia mostra panoramica presenta il lavoro di uno dei più importanti fotografi tedeschi. A metà degli anni '1970 Herlinde Koelbl, che viveva vicino a Monaco, scoprì la sua passione per la fotografia. Fin dall'inizio sono stati evidenti il ​​suo sentimento speciale per le persone, gli argomenti peculiari e il suo approccio al lavoro su progetti a lungo termine. Il salotto tedesco è stato il suo primo libro pubblicato nel 1980 ed è ora uno dei classici della storia della fotografia tedesca. Seguirono più di una dozzina di volumi, oltre a numerosi premi, incarichi di insegnamento e mostre internazionali.
Ma sarebbe troppo miope considerare Herlinde Koelbl esclusivamente come fotografa. Molti dei suoi progetti includono testi estesi e lavori di interviste. Film e videoinstallazioni completano il suo lavoro. Già alle Il salotto tedesco lascia che le persone ritratte dicano la loro. Entrambi Ritratti ebrei dal 1989, le risposte esaurienti dell'“ultima generazione di ebrei tedeschi, nati nella fertile simbiosi ebraico-tedesca - e che poi dovettero assistere alla sua distruzione” sono parte inseparabile dell'opera e testimoniano domande sulla tradizione, sulla patria o religione. Nella serie è evidente anche il profondo interesse di Herlinde Koelbl per le persone bambini, uomini o Donne forti. Forse il suo progetto più noto è lo studio a lungo termine Traces of Power. Nel 1991 iniziò questo studio durato otto anni e osservò durante la sua visita annuale come l'ufficio e la responsabilità, l'attenzione pubblica e la pressione per avere successo cambiassero le persone. Le immagini di Joschka Fischer, Gerhard Schröder e soprattutto di Angela Merkel sono diventate parte integrante della memoria visiva tedesca.

“Gratta e vinci! – pieno di tradimenti / Un varco nel ponte.” Nell’autunno del 1864 Wilhelm Busch completò il suo racconto illustrato più famoso: Max e Moritz. Questi scherzi da cattivo ragazzo sono ora visti come la nascita del fumetto tedesco. Con un colpo dopo l'altro, la LUDWIGGALERIE mostra ora la prima panoramica su larga scala della storia e dello sviluppo del fumetto nei paesi di lingua tedesca. Divisi in 15 capitoli (scherzi), i fumetti preferiti dai tedeschi sono presentati in quasi 300 disegni originali e oltre 60 prime stampe.
Padre e figlio, Nick Knatterton, Correggi e Foxy, Mecki o Strizz poi popolare il castello di Oberhausen. Ralf König è con noi L'uomo in movimento rappresentato proprio come la figura di culto di Walter Moers Piccolo stronzo. Inoltre, questa prima retrospettiva sui fumetti offre interessanti spunti sulla scena comica locale odierna. Alle opere d'avanguardia di Hendrik Dorgathen e Anke Feuchtenberger seguono le graphic novel artisticamente ambiziose di Isabel Kreitz e Reinhard Kleist. Fanno parte dell'esposizione anche gli ultimi sviluppi, come il gas tedesco basato sul modello giapponese, i fumetti di supereroi per il mercato statunitense e i fumetti web.
Mettono in chiaro che i fumetti in lingua tedesca oggi sono più diversificati e di alta qualità che mai. In 150 anni ha continuamente guadagnato in forza innovativa.

Eve Arnold (1912 – 2012) è una delle fotografe più importanti del XX secolo. Alla fine degli anni '20 iniziò la sua carriera fotografica come autodidatta con una macchina fotografica Rolleicord e nel 1940 - come una delle prime donne - entrò a far parte della leggendaria agenzia fotografica MAGNUM. È diventata famosa per le sue insolite fotografie di moda ad Harlem e per i suoi reportage politici. Ma le sensibili osservazioni della vita appena iniziata e le fotografie dei suoi viaggi in Afghanistan, Cina e India dimostrano anche il suo linguaggio visivo unico e profondamente umanistico.
Oltre alle fotografie di viaggio, sono soprattutto i delicati ritratti di star del cinema come Marlene Dietrich, Marilyn Monroe e Joan Crawford con cui Eve Arnold ha fatto la storia della fotografia. Fotografa Monroe and Co. da oltre cinquant'anni.
Eve Arnold impressiona come osservatrice tranquilla e sensibile che fa sempre un passo indietro dietro i suoi soggetti fotografici per catturare il "momento decisivo" - nello spirito di Henri Cartier-Bresson. Le sue foto appaiono in grandi e famose riviste di fotografia e moda come Harper's Bazaar, Vogue e LIFE. La LUDWIGGALERIE dedica ora un'ampia retrospettiva alla grande dama del fotogiornalismo, morta a Londra nel 2012 poco prima del suo centesimo compleanno. Il fulcro della mostra di Oberhausen sono le fotografie di viaggio dall'Afghanistan, dalla Cina, dall'India e dal Sud Africa, nonché i suoi studi di ritratti fotografici di Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Joan Crawford, Isabella Rossellini e altri volti noti del 100° secolo.

Anche durante la sua vita, Andy Warhol era più popolare di quasi tutti gli altri artisti: creò simboli e icone che sono validi ancora oggi e la sua estetica visiva ha un impatto duraturo sulla vita di tutti i giorni. Ispirato dai mass media e dalla cultura quotidiana, il lavoro di Warhol ha fornito impulsi decisivi per lo sviluppo dell'arte dagli anni '1960 in poi. Allo stesso tempo di Roy Lichtenstein, Warhol utilizzò per la sua arte motivi della stampa e prodotti di massa come le lattine di zuppa Campbell. Rimuove gli oggetti di uso quotidiano dall'ambiente circostante, li mette in risalto nell'immagine e trasforma così le cose di tutti i giorni in arte. Trova i suoi motivi nei media attuali, nella storia dell'arte, nell'architettura o nella natura. Durante questo periodo, Warhol scoprì il processo di serigrafia. Solo attraverso la tecnologia della serigrafia è possibile per l'artista eliminare dalla propria opera ogni tratto scritto a mano, staccandosi così dalla pittura tradizionale e sviluppando comunque il suo stile inconfondibile.
Il fulcro della mostra sono le stampe di Warhol, in particolare quelle dei suoi primi anni. All'interno della mostra, stampe come Electric Chair, Campbell's Soup e il portfolio Flash, ritratti di Marilyn, Mao e l'Annunciazione secondo Leonardo da Vinci presentano lo straordinario modo di lavorare di Warhol. La mostra si concentra principalmente sull'artista grafico Warhol, ma comprende anche opere su tela come Ritratto di signora. Si fa riferimento anche alla sua presenza all'interno della scena musicale dell'epoca e al regista Warhol. Puoi vedere le copertine dei dischi che ha disegnato, così come le sceneggiature originali. Le fotografie documentarie di Leo Weisse, scattate nel 1971, rendono tangibile l'auto-messa in scena dell'artista. Il fotografo accompagnò Warhol nel suo tour promozionale del film Trash in Germania.

Da migliaia di anni i capelli esercitano un fascino speciale su persone di tutte le culture. Sia che fosse considerata la sede dell'anima, simboleggiasse la forza vitale umana o servisse come portatore centrale di messaggi erotici. I capelli svolgono un ruolo speciale in tutte le religioni del mondo; mostrano umiltà radendosi i capelli o aumentano la propria vicinanza a Dio utilizzando capelli veri sui crocifissi nel Medioevo cristiano. La fertilità o la perdita di potere si riflettono nei capelli rigogliosi o tagliati. Lo status, il genere o l'appartenenza a un gruppo sono segnalati dai capelli aperti o coperti con la loro acconciatura o dalla forma del cappuccio. Il colore dei capelli spazia dal rosso del perfido Giuda e della stirpe della strega, al biondo seducente di Maria Maddalena e Marilyn Monroe, fino al nero profondo della femme fatale. Le serrature dei propri cari venivano conservate in segno di amicizia. L'arte del XX e XXI secolo riscopre i capelli. Messa in scena in modo ripugnante o finalizzata al desiderio, sorprendente in un contesto spezzato o adeguata alla vita di tutti i giorni, i capelli possono ora apparire in molte forme. Sembra che non ci siano limiti alle metamorfosi.
Basandosi sul ricco patrimonio della Collezione Peter e Irene Ludwig, la mostra ripercorre il modo in cui gli artisti hanno interpretato i capelli nel corso dei secoli. Questo progetto espositivo tiene conto in particolare dell'idea di Peter e Irene Ludwig di collocare continuamente le loro opere d'arte in nuovi contesti e di combinarle con altre opere provenienti da altre collezioni.

Arthur Fellig (1899–1968), che adottò il sicuro di sé sinonimo Weegee – The Famous, rappresenta una delle posizioni insolite nella fotografia americana degli anni '1930, '40 e '50. È diventato famoso per le sue foto notturne di incendi, incidenti e omicidi, nonché per le sue osservazioni sui senzatetto e sui fuorilegge. Nel 1910 la famiglia di Zloczew, nell'attuale Polonia, emigrò in America. Dopo vari lavori non qualificati e lavori in camera oscura, a metà degli anni '30 divenne autonomo come fotoreporter. Nel 1938 fu il primo ad avere il privilegio di ascoltare ufficialmente la radio della polizia. Installa il dispositivo nella sua macchina e spesso si trova sulla scena del crimine davanti alla polizia. Allestisce una camera oscura improvvisata nel retro dell'auto, in modo che le sue foto siano solitamente le prime a riferire di omicidi e omicidi colposi, incendi e prostituzione. Questo tipo di lavoro lo ha reso uno dei cronisti visivi più famosi di quest'epoca brutale, ancora in bianco e nero.
Le immagini sono caratterizzate da un'illuminazione dura con un'immediatezza spaventosa e un realismo drastico. Il suo flash luminoso spesso crea “pallide figure notturne”, evidenziando visivamente l’oscurità come orario di lavoro principale.
In oltre 100 fotografie, la mostra presenta questo realista, che fu una figura esemplare e formativa per molti fotografi, registi e cineasti successivi. Weegee chiamò la sua prima mostra durante la sua vita "L'omicidio è affar mio". Oltre alle immagini delle scene del crimine e degli autori, la mostra di Oberhausen riunisce anche immagini di celebrità e star come Jackie Kennedy e Salvador Dalì.

Cornelia Funke è una delle grandi narratrici tedesche, sia con le parole che con la penna. L'illustratrice qualificata ha iniziato la sua carriera disegnando per testi di altre persone, poi si è resa presto conto che poteva inventare storie altrettanto bene (o meglio!) e si è dedicata sempre più alla scrittura. Le sue storie sono iniziate alla fine degli anni '1980 con No Cookie for Goblins e altri libri per bambini. Serie come Ghostbusters o The Wild Chickens l'hanno resa una delle preferite dal pubblico giovane. È diventata nota a livello internazionale con Il signore dei ladri e infine la trilogia sul mondo dell'inchiostro.
Sebbene negli ultimi anni abbia limitato il disegno a favore della scrittura, gli originali mostrano chiaramente quanto sia fantasiosa inventore di immagini. Le prime illustrazioni sono solitamente molto colorate e ricche di figure; nei libri successivi sono spesso limitate a disegni - molto fini - a inchiostro nero o gesso o grafite che introducono i capitoli. L'America, patria adottiva della nativa di Dorsten, si riflette visivamente in alcuni dei suoi ultimi disegni.
Per la prima volta viene presentata l'opera grafica di Cornelia Funke, dagli esordi fino ai lavori più attuali di Reckless, accompagnata da un ampio catalogo. Qui diventa chiaro che Cornelia Funke è uno dei rari doppi talenti che porta le persone in nuovi mondi in modo fantasioso e originale attraverso parole e immagini. Non solo ispira bambini e giovani, ma affascina anche un pubblico adulto. Numerosi adattamenti cinematografici dei suoi libri aprono nuovi mondi di immagini in questo mezzo.

I personaggi di Ulf K. sono adorabili outsider che credono nella propria immaginazione. Le sue storie ti contagiano con un fascino a cui è difficile resistere.
Il disegnatore e illustratore, nato a Oberhausen nel 1969 con il suo vero nome Ulf Keyenburg, è uno dei più rinomati della Germania. Nel 2004 Ulf K. è stato insignito del Premio Max e Moritz come miglior fumettista di lingua tedesca al salone internazionale del fumetto di Erlangen. Le sue pubblicazioni appaiono in tutto il mondo.
Ulf K. è stato particolarmente influenzato dai fumetti franco-belgi, come Tintin di Hergé, ma ha sviluppato rapidamente il proprio stile. Il suo stile è altamente riconoscibile grazie alle linee chiare e ridotte e alla colorazione monocromatica piatta nella tradizione della ligne claire.
I suoi fumetti spesso diffondono uno stato d'animo da leggermente morboso a malinconico o addirittura hanno la morte come personaggio principale, come in quello recentemente ristampato Tango della Morte (2000/2012). Spesso sono conditi con un pizzico di umorismo nero.
Crea storie illustrate e anche storie che funzionano senza parole. La gamma spazia dai fumetti per adulti ai libri per bambini e scolastici fino ai libri illustrati per le fasce d'età dai due ai quattro anni.
La mostra presenta l'opera nella sua interezza con oltre 200 originali a colori, disegni a mano e schizzi. Vengono mostrati sia i primi disegni che il fumetto L'osservatore della luna, autopubblicato nel 1998, così come la serie di libri per bambini attualmente prodotta da Gerstenberg Verlag.

Marilyn Monroe è una delle donne più fotografate al mondo. È stata scoperta come modella in tenera età. Nel 1949 Tom Kelley catturò il fascino della giovane Marilyn, che però non venne trasmesso fino al calendario di grande successo del 1952. Nel 1953, una delle foto finì addirittura nel paginone centrale del primo numero di Playboy.
Milton H. Greene ha incontrato Marilyn proprio quest'anno. I due divennero amici intimi per alcuni anni e fondarono la società congiunta Marilyn Monroe Productions Inc. Nel 1953, Greene fu incaricato di fotografare Marilyn per il numero di Natale di Look. Sarebbero state create innumerevoli altre immagini fino a quando il contatto si interruppe nel 1957, probabilmente all'epoca del suo matrimonio con Arthur Miller.
Fulcro della mostra sono le fotografie scattate da Bert Stern, che nel 1962, poche settimane prima della morte di Marilyn, realizzò per Vogue un servizio fotografico dal titolo L'ultima seduta divenne noto. Le foto di Stern presentano Marilyn con una densità inquietante e talvolta con grande intimità. La foto finale di questo servizio, scattata dall'assistente di Stern Leif-Eric Nygård, completa la serie.
Anche la rivista Cosmopolitan si interessò all'attrice nell'estate del 1962. George Barris realizza per lei tre giorni di riprese sulla spiaggia di Santa Monica, le cui foto possono essere viste con il maglione di lana. E infine, si dice che le foto di Allan Grant per la rivista patinata Life siano tra le ultime foto di Marilyn e sono qui rappresentate con un esempio prominente.
Una mostra in collaborazione con Ina Brockmann e Peter Reichelt, Mannheim.

Sarà privato! – La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen osa dare uno sguardo al soggiorno, alla cucina, al bagno e anche alla camera da letto. Vivendo nella zona della Ruhr, molte persone pensano ancora agli insediamenti operai e al barocco di Gelsenkirchen. Questo spettacolo mostra come artisti diversi e multiculturali vedono la metropoli della Ruhr. Ciò che interessa non è l’approccio storico-culturale, ma piuttosto la visione artistica di, attraverso e dietro i buchi della serratura.
Stanze piene e stanze vuote, stanze progettate da persone e quelle in cui gli oggetti sembrano sviluppare una vita propria, tutto questo può essere osservato in modi a volte strani. Anna e Bernhard Blume stanno sperimentando nel loro Sposato a casa. Julia Arztmann e Barbara Deblitz confondono le persone con oggetti misteriosi della presunta vita quotidiana. Mischa Kuballs Nuovo Pot e la serie Quartiere di Sebastian Mölleken e Oliver Blobel affrontano il tema della casa. Laurenz Berges e Jörg Winde si confrontano invece con l'abbandono e il vuoto.
E anche nel mezzo del cinema – in collaborazione con il blicke Film Festival della regione della Ruhr – emergono nuove intuizioni su ciò che sembra essere familiare. L'Unione Cultura nella torre sta lavorando ad un'installazione realizzata appositamente per la mostra.

Utilizzando la più raffinata tecnica di intaglio, il rospo d'avorio rivela il suo messaggio spaventoso: la caducità della vita, la decomposizione della carne. I parassiti brulicanti testimoniano la peccaminosità dell'uomo. Rospi e serpenti rappresentano creature infernali, le mosche - roba del diavolo - prendono addirittura il posto del cuore. Il corpo è incastonato in una scatola decorata con intarsi in avorio ed ebano, che permette la visione attraverso le pareti laterali traforate anche quando il coperchio è chiuso. La mostra del gabinetto è dedicata a quest'opera unica della cultura della memoria della collezione Peter e Irene Ludwig.
Il prezioso toddle in avorio è completato dalla rappresentazione tridimensionale della Danza Macabra di Basilea. Le cosiddette figure di Zizenhausen, piccoli gruppi scultorei realizzati in argilla, mettono in mostra in modo vivido quella che è probabilmente la più popolare e conosciuta delle danze macabre medievali. La morte non si ferma né al re né al monaco, né alla duchessa né al pittore.
Numerose grafiche, tra cui quelle di artisti come Albrecht Dürer, Hans Holbein, Hendrick Goltzius e Marco, mostrano quanto gli uomini nella prima età moderna e nei secoli successivi si preoccupassero dei temi della morte e redenzione, della dannazione e della resurrezione e come questo fosse riflesso nelle immagini Dente o Matthias Merian. Il meraviglioso ossicino trova qui il suo contesto morboso.
La mostra è stata realizzata grazie alla collaborazione con il Museo Schnütgen di Colonia, il Museo Suermondt-Ludwig di Aquisgrana e la Collezione grafica dell'uomo e della morte dell'Università Heinrich Heine di Düsseldorf.

Le bugie del capitano dal pelo blu sono leggendarie quanto il comportamento politicamente scorretto del ragazzo che ha già lo stronzo nel nome. E con il personaggio Adolf, il maiale nazista, rompe l'ultimo grande tabù: Walter Moers, illustratore e autore dall'ingegno esuberante. Moers vive la sua immaginazione senza limiti nel suo nuovo continente, che chiama Zamonia e che popola con molte diverse forme di esistenza come ciclidi e orsi dagli occhi, falchi e wolpertinger, booklings e larve di squali o grattatori e spaventapasseri. Un universo di una classe speciale che ha scelto la letteratura e la lettura, giocando con le parole e le frasi, come uno dei suoi temi portanti. Le immagini di questo peculiare regno fantastico forniscono una visione profonda dell'immaginazione dell'autore dal doppio talento e, come i suoi testi, mostrano un ampio repertorio di conoscenze storico-artistiche e letterarie.
Walter Moers ha già mostrato il suo grande interesse nel filare la lana da marinaio con uno dei suoi primi personaggi, il nonno orso blu e i suoi tre nipoti, per lo spettacolo con il topo. Oltre a questi lavori per la televisione, Moers divenne noto per i suoi fumetti, in particolare The Little Asshole. Uno stile di disegno ridotto con nasi enormi è il marchio di fabbrica di Moer. Alla fine degli anni '1990 abbandonò i fumetti, in seguito venne disegnato solo Adolf - The Bonker, accompagnato da un video musicale.
Per la prima volta una mostra è dedicata all'opera dell'illustratore e autore Walter Moers, nato a Mönchengladbach nel 1957, in tutte le sue sfaccettature. Ben oltre 200 opere sotto forma di disegni, schizzi, dipinti, sculture, bambole e film, tra cui opere inedite, presentano uno dei più importanti creatori di storie tedeschi nella sua ampiezza mediatica.

Il noto fotografo Magnum Elliott Erwitt, nato nel 1928, mostra una panoramica del suo lavoro nella LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Cani e bambini, gruppi e persone nude, musei e paesaggi: nessuno è al sicuro dal suo sguardo ironico e umoristico. Attraverso quasi 140 fotografie, la mostra offre uno spaccato di tutte le fasi del lavoro. Sono rappresentate le famose immagini di cani divenute icone della fotografia, ma anche soggetti ancora da scoprire. Il fatto che gli amici a quattro zampe abbiano un ruolo molto speciale nella sua opera si basa, oltre che sulle preferenze personali di Elliott, su una commissione per una serie di moda sulle scarpe da donna. Ha deciso di scattare le foto dal punto di vista dei cani, poiché nessuno avrebbe visto tante scarpe quanto i cani.
"Sono serio nel non essere serio", dice Erwitt di se stesso. Le persone e gli animali sono al centro del suo lavoro. Numerosi viaggi lo hanno portato in giro per il mondo e ancora oggi le sue foto di reportage plasmano la nostra visione degli eventi storici. Nel 1953 entra a far parte dell'agenzia Magnum, cofondata da Robert Capa, di cui diventerà poi presidente. Era già stato rappresentato con tre foto alla leggendaria mostra fotografica di Edward Steichen The Family of Man nel 1955 al Museum of Modern Art di New York. Numerose mostre e soprattutto diversi libri illustrati sui suoi temi sono stati allestiti dall'americano di origine francese da genitori russi. Oltre alla fotografia libera, che Erwitt chiama le sue “immagini personali”, e ai numerosi reportage, il vecchio maestro del bianco e nero ha avuto un'influenza duratura anche sulla fotografia di moda e pubblicitaria.
In collaborazione con Magnum Photos.

Il fulcro di questo spettacolo di una stanza di altissima qualità è il cosiddetto candeliere o lampadario femminile della collezione Peter e Irene Ludwig. Realizzato probabilmente nel nord della Svizzera intorno al 1540, proviene dal municipio di Rapperswil o è appeso nell'abitazione dei committenti Thüring Göldlin e Margareta Muntprat. Circondata dalle orgogliose corna di un cervo con quattordici corone germogliate di ghiaccio, la figura regge lo stemma dell'alleanza della coppia.
Numerosi prestiti di valore illustrano il contesto dell'opera. Per la prima volta in oltre 20 anni, il delicato disegno di un lampadario a forma di drago di Albrecht Dürer sarà esposto insieme alla versione eseguita da Veit Stoss. Uno dei più giovani candelieri femminili sopravvissuti e un tardo candeliere maschile, insieme ad altre sculture, dipinti e grafica, illustrano la doppia struttura unica di cosa naturale e opera d'arte di questo meraviglioso genere.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Suermondt-Ludwig-Museum, Aquisgrana

La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen presenta Janosch, uno degli illustratori e narratori più importanti e apprezzati della Germania. In una mostra molto ampia con oltre 200 opere, l'artista è presentato in acquerelli originali, gouaches, bozze di disegni e acqueforti. I disegni rendono evidente quanto strettamente siano intrecciate immagini e storie. Forniscono uno sguardo approfondito sul processo creativo artistico del narratore di fama internazionale con il pennarello.
Janosch, nato Horst Eckert in Alta Slesia nel 1931, ha pubblicato oltre 300 libri (per bambini) tradotti in 40 lingue. Pertanto, le persone grandi e piccole hanno molta familiarità con le sue tigri, orsi e leoni. Orso e Tigre non solo ci hanno mostrato cos'è il coraggio e che Panama può essere a portata di mano, ma anche quanto sia importante l'amicizia. Le storie di Schnuddel, Kasper Mütze e Günter Kastenfrosch contengono messaggi che non solo incoraggiano i bambini a pensare in modo giocoso. Janosch riesce a trasmettere valori attraverso le generazioni, stimolando la fantasia e facendo ridere.
Tuttavia, lontano da Panama, nella sua opera si trovano altri mondi finora meno conosciuti. Janosch affronta pesantemente la critica all'istituzione della chiesa e mostra il rapporto tra uomini e donne in rappresentazioni esagerate. Quando il reale e il fantastico si fondono nell'universo di Panama e negli altri mondi, il fenomeno Janosch diventa chiaro nella sua interezza.

In questa presentazione insolita, la Galleria Ludwig presenta per l'anno Capitale della Cultura 2010 un'ampia mostra sull'uso artistico del tavolo. Il punto di partenza sono le collezioni di alta qualità e ramificate a livello internazionale di Peter e Irene Ludwig. Un panopticon di tavoli rivela prospettive insolite. Vasi antichi, tavole d'altare medievali o nature morte del XVII secolo si confrontano con le tendenze del XX e XXI secolo. Con, accanto e contro l'altro, le posizioni dimostrano un'ampia varietà di approcci. Non si tratta di un'esplorazione storico-culturale della cultura della tavola; si tratta piuttosto di una visualizzazione di connessioni interne, che inizialmente appaiono spesso molto diverse.
L'oggetto quotidiano della tavola viene qui utilizzato per la prima volta per presentare approcci artistici, alcuni dei quali mostrano grandi distanze, altri sorprendentemente vicini. Mentre la sedia è ed è stata l'oggetto di design per eccellenza, il tavolo svolge più un ruolo di servizio e accessorio. Eppure combina molto in sé e su sé stesso. La natura morta è l'unico genere che lo rende il protagonista principale. Altrimenti forse è proprio la disinvoltura del suo contegno a contraddistinguere la tavolata. È la prima volta che una mostra affronta questo argomento attraverso il tempo e il genere e utilizza i capolavori della Collezione Ludwig per ricercare la struttura interna, l'essenza delle possibilità fondamentali.
La gamma di tensioni si estende dai servizi decorativi in ​​porcellana fine della Collezione Ludwig a quelli di Renato Guttuso Pasto funebre, che unisce Picasso e il suo mondo. Le lattine di zuppa Campbell appartengono alla tavola tanto quanto il grande skyphos antico o la ciotola Attic Eye. Le azioni rituali (mensa dell'altare) svolgono un ruolo proprio come gli spazi quotidiani. David Hockney illustra il suo studio di disegno, Albrecht Dürer presenta lo studio di San Girolamo.

Il naso a patata è il suo marchio di fabbrica, l'osservazione dell'interazione (omo)erotica è il suo contenuto: la Galleria Ludwig dedica la prima grande e completa mostra di sempre a Ralf König. Forte di premi internazionali - i suoi fumetti sono stati tradotti in 15 lingue - ora è possibile vedere per la prima volta una panoramica del suo lavoro in originale.
Uomini commoventi e cavallette, torte alla crema e panini al limone saltellano nelle sue storie e hanno reso Ralf König non solo il più importante fumettista tedesco, ma anche la più importante figura di simpatia nel movimento gay. “The Moving Man” lo fece conoscere ad un pubblico più vasto e sempre più eterosessuale nel 1986. I suoi fumetti sono stati trasformati in film o rappresentati con successo come spettacoli di marionette. König ricorse ripetutamente a materiale letterario classico, come “Lisistrata” – basato su Aristofane o “Iago” – basato su Shakespeare. Ha affrontato il tema dell'AIDS in Superparadise Side Effects. E nel 1993 inserì anche la sua (breve) biografia in un racconto disegnato in modo sbarazzino... e lo fece con la mano sinistra.
In Prototipo e  Archetipo, i suoi due libri più recenti, fornisce informazioni dettagliate sulla storia della creazione bulbosa, nonché sulla costruzione e sull'attività attorno e sull'Arca di Noè. Qui affronta il tema della religione e tratta le storie della Bibbia in un modo molto peculiare. König ha commentato criticamente la controversia sulle vignette e l'Islam e ha quindi preso una posizione chiara a favore della libertà di espressione e di stampa. Nel 2006 ha ricevuto il “Premio Max e Moritz” a Erlangen. Oltre ai fumetti verranno esposte opere di grande formato di Ralf König, la maggior parte delle quali realizzate appositamente per la presentazione a Oberhausen.

Georg Baselitz, Markus Lüpertz e AR Penck sono senza dubbio tra i più importanti protagonisti della pittura tedesca. Negli ultimi decenni, il suo immaginario ha plasmato e continua a plasmare le arti visive, anche oltre i confini della Germania. Peter e Irene Ludwig acquisirono i primi disegni di tutti e tre gli artisti per la loro collezione, che tracciano lo sviluppo che portò Baselitz, Lüpertz e Penck ai loro temi e alle loro forme.
Alla fine degli anni Cinquanta Baselitz si allontana dalle forme gestuali e si rivolge alla figura. Persone dall'aspetto quasi organico e singole parti del corpo caratterizzano questa fase. Gli eroi e i “nuovi ragazzi” si uniscono, raggiungendo un climax programmatico con i “grandi amici”. Alla fine degli anni '1950 Baselitz iniziò a ruotare i suoi motivi.

Con il ditirambo Markus Lüpertz introdusse nel 1964 nell'arte una forma che, per il suo effetto estremamente fisico, suggerisce associazioni rappresentative, ma non può essere assegnata oggettivamente. I suoi disegni mostrano la strada per arrivarci. Altri gruppi illustrano lo sviluppo dei suoi famosi oggetti illustrati. Mantello, elmo, lumaca, drago e pesce popolano i disegni, le “immagini di stile” caratterizzano la propria forma;
E lo sviluppo del sistema di disegno di AR Penck è visibile anche nella collezione di disegni della Collezione Ludwig. Già nei suoi primi sistemi di immagini Penck era interessato all’importanza dei segni nel trasmettere le informazioni.
La mostra, realizzata in collaborazione con il Ludwig Forum for International Art e la Ludwig Foundation di Aquisgrana, offre la prima visione del patrimonio grafico internazionale della Collezione Ludwig proveniente dall'Europa occidentale e orientale, nonché dall'Asia e da Cuba.

"L'ottavo di secondo mi sembra un battito di ciglia nella fotografia classica", afferma Jim Rocket, uno dei più famosi fotografi tedeschi. Realizza i suoi ritratti con una macchina fotografica a lastre, una tecnica degli albori della fotografia. Negli impressionanti ritratti, il berlinese offre uno spaccato del mondo del cinema e della musica, dell'arte e della danza, della letteratura e della politica.
Nei ritratti sono raffigurati "sconosciuti familiari", il cui elenco di nomi si legge come un who's who della vita pubblica. Per Rocket è importante catturare i suoi protagonisti nella foto senza trucco e come esseri umani. Heino Ferch, rilassato con una tazza di caffè, Christiane Paul, fortemente incinta nella frenetica stazione ferroviaria, accanto a Helmut Schmidt con l'immancabile sigaretta. L'artista Jörg Immendorff annusa un garofano in un gesto malinconico.
La scena musicale, che Jim Rocket ha contribuito a plasmare in qualità di manager, non è rappresentata solo da Nena e Ulla Meinecke, ma anche da Luna d'argento e  Siamo eroi. Alcune delle rare fotografie a colori, che mostrano Nadja Auermann e Polina Semionova, fanno luce su questa parte del suo lavoro. L'amore nascosto di Rocket per i conigli non è visibile solo sul retro del libro fotografico con lo stesso nome.
La LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen mostra circa 130 di questi impressionanti ritratti. Le immagini sono una rapida carrellata di persone influenti in molti ambiti della vita (musica, film, politica e sport, arte) con una fotocamera (piastra) molto lenta, secondo Jim Rocket. È stato creato un omaggio alla fotografia d'argento, la cui era sta ormai giungendo al termine. Per dare un'idea della semplice atmosfera lavorativa di questo tipo di fotografia, la mostra presenta una situazione di studio in cui si possono vedere anche la fidata macchina fotografica a lastre, lo sfondo accartocciato di molte foto e alcune lastre originali.

L'immagine dell'uomo ha subito un'intensa trasformazione a partire dalla modernità. Le avanguardie si occupano di forme di rappresentazione innovative e aprono nuovi orizzonti. La mostra fa luce su questo fenomeno. Partendo dal capolavoro giovanile di Edvard Munch, Madonna, l'arco si estende alle icone pop di Andy Warhol.
Le figure danzanti di Ernst Ludwig Kirchner sviluppano i loro ritmi intricati, le figure degli artisti Brücke come Heckel, Schmidt-Rottluff, Pechstein e Müller differenziano forme di rappresentazione. Nolde, Kandinsky, Dix e Beckmann introducono una visione cambiata dell'umanità, così come gli atti lascivi di Egon Schiele.
Picasso ha creato nuove forme di immagine umana in una vasta gamma, dal pasto austero alle immagini dei giocolieri, le sue opere spaziano dallo stile prismatico del cubismo alle variazioni storiche fino alle stampe sperimentali a linee bianche. Diversi ritratti dei suoi partner forniscono spunti sulle relazioni private.
Le icone pop di Andy Warhol segnano un punto finale artistico nella stilizzazione dell'immagine umana nel XX secolo. Oltre ai biglietti, ai fiori e alle mucche, la figura domina come oggetto d'arte degno di essere esposto. Warhol ha influenzato in modo significativo la nostra visione delle icone del cinema come Marilyn Monroe, Liz Taylor e Jane Fonda.
Con stampe a colori, stampe di prova e pezzi unici in parte di grande formato, la mostra mostra i cambiamenti da figura a icona in immagini magistrali e impressiona con l'immagine dell'umanità nel XX secolo sui tre piani della Galleria Ludwig.

Ci sono fotografie di Thomas Hoepker saldamente ancorate nella nostra memoria visiva: la carestia in India (1951), i lebbrosi in Etiopia (1963), Boxidol Muhammad Ali (1966), l'addestramento delle reclute dei Marines americani (1970) e New York sulla 11 settembre 2001. Queste immagini non avevano solo lo scopo di illustrare il testo, ma facevano parte di emozionanti reportage fotografici multipagina, la cui vivacità nasceva interamente dall'espressività visiva delle fotografie.
Ciò che ancora oggi ci affascina delle foto di Hoepker è il suo “sguardo umano”. Non è un fotoreporter sensazionalista, ma un osservatore curioso e sensibile. Le immagini di Hoepker rientrano nella tradizione della "fotografia di interesse umano", alla quale associamo i nomi di Dorothea Lange, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, tra gli altri, il cui atteggiamento fotografico era particolarmente evidente nel lavoro della leggendaria agenzia fotografica MAGNUM, di cui Hoepker è membro dal 1989.
La retrospettiva di Thomas Hoepker mostra non solo la curiosità e l'intensità con cui si è ripetutamente impegnato nei drammi umani degli eventi mondiali, ma anche come ha cercato le forme espressive più appropriate per i diversi compiti fotografici.
La mostra è stata sviluppata da Thomas Hoepker in collaborazione con MAGNUM Photos Paris e il Museo della fotografia nel Museo cittadino di Monaco.

La rottura sfacciata dei tabù, la presa in giro caustica, la lussuria carnale sfrenata e la sensualità barocca sono i marchi di fabbrica dello scrittore satirico austriaco Manfred Deix. Esuberanti, pomposi e meschini, i suoi personaggi caricaturano il “sano sentimento popolare”. Politici, agenti di polizia, preti, pederasti, pervertiti, prostitute, turisti, stranieri, disoccupati e neonazisti: li troviamo tutti nel suo rigonfio cosmo di immagini.
Quando guardi queste immagini nella mostra, inizialmente pensi che i personaggi che ha disegnato siano mostruosi frutto della tua immaginazione, finché in seguito sei sorpreso di realizzare che le persone per strada sembrano davvero tutte disegnate da Deix. “La satira della nostra realtà”, dice Deix, “ha superato da tempo l’immaginazione di un caricaturista, quindi non si considera un “esageratore”, ma piuttosto un “carino” e “banale” della satira reale quotidiana”. – come un illustratore che “si diverte” Voglio diffondere un po’ di bellezza tra la gente”.
La Galleria Ludwig espone 200 disegni originali di Deix – inclusa la sua nuova biografia di Arnold Schwarzenegger “La nuda verità”.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Museo della Caricatura di Krems e il Museo Wilhelm Busch di Hannover.

È stato soprattutto Wilhelm Busch a insegnare alle immagini a camminare con le sue leggendarie storie illustrate di Max e Moritz, la pia Helene, Plisch e Plum, Hans Huckebein, Fips la scimmia e altri. Ciò che ancora oggi ci affascina dei fumetti “Il piccolo Nemo” di Winsor McCay e dei primi film Disney “Silly Sinphonies” è che questo commovente mondo di immagini è stato inventato da Wilhelm Busch. Non cercava più di esprimere le sue storie in un'immagine come gli artisti prima di lui, ma le raccontava in una sequenza di immagini la cui furiosa drammaturgia trascina lo spettatore negli eventi in modo quasi suggestivo: punto di vista e prospettiva in costante cambiamento, campo lungo e ravvicinato. up, l'ossessione per il dettaglio e la violenza delle sue linee dinamiche.
Anche la sua pittura era assolutamente moderna. Franz Marc definì Wilhelm Busch il “primo futurista” perché con le sue pennellate furiose tolse ai quadri ogni stabilità interiore e li trasformò in un corpo di colore in movimento.
Le sue immagini non idealizzano, ma caricaturano, deformano, distorcono e pervertono l'ideale ed espongono il bene al ridicolo. "Heart Pain and Nose Pain" mostra che la caricatura prospera di malizia, dispetto e gioia maliziosa.
Oltre ai capolavori di Wilhelm Busch, sono esposte opere di: Callot, Carracci, Gillray, Rowlandson, Hogarth, Grandville, Toepffer, Dirks, McCay, Disney, Heine, Flora, Pericoli, Searle, Sempé, Topor, Ungerer e altri
Partner di cooperazione della mostra: Wilhelm-Busch-Museum Hannover

La mostra permette di sperimentare l'affascinante diversità dei rapporti tra il mondo delle forme della natura e dell'arte. Le pietre risalenti a oltre 2 miliardi di anni e le fotografie di Albert Renger-Patzsch, Alfred Ehrhardt e Karl Blossfeldt mostrano: la natura e l'arte sono ugualmente permeate dalle forze del design creativo.
“Living Stones” inizia con un prologo storico-culturale: croce e gradino di cristallo di rocca medievali, antiche pietre di studioso cinese e bizzarre forme di pietra. La combinazione di importanti opere d'arte e pietre preziose della Collezione Ludwig rende visibili le differenze nella comprensione della natura tra Europa ed Estremo Oriente.
L’ultima opera “Rock” di Albert Renger-Patzsch, composta da 64 fotografie, mostra il ciclo di crescita e decadimento che ha avuto luogo nel corso di miliardi di anni – le “fasi di crescita” delle rocce terrestri. Le fotografie di Renger-Patzsch, Blossfeldt ed Ehrhardt creano un emozionante contrasto con i reperti rocciosi e i cristalli unici. Come altre opere d'arte, le pietre in mostra sono preziosamente presentate come forme creative della natura. Mentre lo spettatore penetra nella loro bellezza con tutti i sensi, le pietre iniziano a raccontare una storia. Perché ognuno di loro ha una sua biografia, come il grande meteorite ferro-nichel caduto sulla Terra 30000 anni fa, che proviene dalla fascia degli asteroidi tra Marte e Giove e nasce con il sistema solare 4,5 miliardi di anni fa.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Ruhrmuseum Essen, la Collezione Ann e Jürgen Wilde, Zülpich e la Fondazione Alfred Ehrhardt, Colonia. I prestatori delle opere storico-culturali sono: Museo per l'arte dell'Asia orientale, Colonia, Museo Schnütgen, Colonia, Suermondt-Ludwig-Museum, Aquisgrana.

La mostra presenta opere provenienti da tre collezioni d'arte uniche: fotografie di Karl Blossfeldt della Collezione Ann e Jürgen Wilde, Zülpich, capitelli floreali romanici del Museo Schnütgen, Colonia e antichi libri di piante della Biblioteca Statale di Bamberga. Tanto diversi quanto il materiale in cui artisti, artigiani e scienziati hanno plasmato queste rappresentazioni per un periodo di quasi 1000 anni, tutti cantano le lodi delle forze creative della natura.
Karl Blossfeldt ha fotografato il mondo delle piante con un ingrandimento da 2 a 40x per illustrare che la storia dell'arte è nata dalle forme della natura: la foto della felce di struzzo e il bastone vescovile dorato, la foglia della sassifraga e un rosone gotico, un Acantus pianta e un arazzo medievale.
Per la prima volta le fotografie di Blossfeldt possono essere ammirate in questa mostra insieme ai capitelli romanici dei secoli X-XIII. Da oltre 10 anni unisce lo stupore e la curiosità di artisti e scienziati verso le forze creative della natura.
Negli antichi libri di erbe e piante, ogni pianta è accuratamente rappresentata con parole e immagini e viene descritto il suo utilizzo come alimento, medicinale o veleno, ma allo stesso tempo le illustrazioni cercano sempre di rappresentare la pianta come una creazione unica in modo dignitoso e modo magnifico. Questi artisti e scienziati erano ugualmente interessati alla conoscenza e all'edificazione.

La mostra presenta 130 capolavori di arti e mestieri che coprono un arco di 5000 anni, provenienti dalle collezioni Peter e Irene Ludwig e da altri importanti musei e collezioni private. L'antica urna egiziana per bambini, l'anfora greca, il vaso per le donazioni iraniano, il vaso con figure precolombiane, l'antica anfora cinese in piedi, la zucca coreana, il calice medievale. Il fascino dei capolavori di artigianato esposti in mostra rende comprensibile che questi vasi un tempo fossero forze misteriose, vivificanti e distruttrici di vita, nelle cui forme antropomorfe, zoomorfe, biomorfe e geomorfe erano racchiuse le energie della natura e dell'umanità. Una visione del mondo panteistica permea Il mondo delle navi, che è stato dimenticato nei tempi moderni, così come il ruolo centrale che i vasi giocavano nella cultura e nell'arte matriarcale.
Da allora la nave ha subito una serie di metamorfosi. Porcellane e maioliche uniche provenienti da Meissen, Delft e Strasburgo mostrano come, nello splendore del barocco e del rococò, il vaso come simbolo universale di creatività divenne una decorazione da tavola galante e delicata di altissima arte.
I capolavori della ceramica di Pablo Picasso si trovano alla fine della mostra. Dopo il movimento di riforma dell'Art Nouveau, diede un contributo significativo a dare nuovo slancio alla ceramica, che nel XIX secolo si era ridotta alle arti decorative.

La mostra mostra Oberhausen in un modo che nessuno si aspetta da una città industriale: edifici amministrativi e residenziali si trovano in un mare di alberi, come in un parco; Preziosi viali alberati permeano la città come una rete di venature verdi. Ciò che venne realizzato nel centro di Oberhausen dal 1900 agli anni '1930 fu la realizzazione di una grande utopia urbanistica dell'architettura moderna: il centro stesso della città fu trasformato in un parco.
A quel tempo, l'architetto cittadino Ludwig Freitag non solo riuscì a ispirare i migliori architetti delle scuole di Berlino e Darmstadt a creare capolavori di architettura espressionista in mattoni, ma questi edifici sono cresciuti insieme ai parchi e ai viali alberati fino a formare un insieme unico. con affascinante movimento ritmico.
Anche il restauro della storica città-parco di Oberhausen guarda indietro nel tempo: la città-parco è stata sviluppata con l'obiettivo di creare un “corpo urbano sano con una rete di viali radianti e spazi verdi come potenti arterie e polmoni”.

Da oltre dieci anni Gerhard Haderer disegna settimanalmente le sue affascinanti caricature per le riviste “Stern” e “Profil”. Haderer non si considera un caricaturista, ma un realista. Con la sua capacità di osservazione meticolosamente precisa, ci mostra come siamo realmente o, più precisamente, cosa ha fatto il nostro desiderio di essere contemporanei, in forma e dinamici ai nostri volti e corpi, alle nostre anime e al nostro ambiente.
Tutto inizia sempre in modo così bello: la superficie lucida piena di dettagli preziosamente dipinti ci attira quasi nei suoi quadri. Ma Haderer non ci permette di metterci comodi lì. La voglia di guardare si trasforma presto in un brivido, perché ciò che disegna con tanto amore biedermeier si rivela, a un esame più attento, la frenetica follia quotidiana della nostra realtà: follia della bellezza, follia del fitness, stress delle vacanze, intimità familiare, dipendenza dal cibo, dipendenza dalla TV, mania del cellulare, ossessione per la tecnologia, brama di scandalo, brama di dolore, distruttività, gigantomania ed egomania. I disegni di Haderer ci mostrano non come vittime pietose, ma come giocatori fanatici che contribuiscono con entusiasmo con tutta la loro energia vitale a questa follia quotidiana. I disegni di Haderer mostrano che la visione di Neil Postman di “Ci divertiamo da morire” non è più una profezia, ma una realtà.
La mostra presenta 140 disegni e caricature originali, tra cui il racconto illustrato “La vita di Gesù”, che l’anno scorso provocò uno scandalo in Austria per aver “ferito i sentimenti religiosi”. La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Wilhelm Busch Museum di Hannover.

Nadja Auermann, Milla Jovovich, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Kristen McMenamy, Amber Valletta e Marie-Sophie Wilson sono alcune delle top model e star che Peter Lindbergh ha reso icone del nostro tempo nelle sue fotografie. Ciò che in passato veniva adorato e maledetto come dee, santi e amazzoni, streghe e fate, Peter Lindbergh è rinato sotto forma delle sue top model attraverso la sua immaginazione fotografica. La natura misteriosa e sfinge delle sue immagini di donne è la loro contraddizione interiore: donne forti e fragili allo stesso tempo. Nell'ultimo libro di Lindbergh “STORIES”, che ha dato il titolo alla mostra, Wim Wenders descrive queste donne come forti ma indifese, piene di devozione ma intoccabili, familiari e strane allo stesso tempo. Utilizzando i mezzi espressivi della fotografia di moda, Peter Lindbergh mette in scena le sue storie nei luoghi più insoliti del mondo. Lascia che i suoi modelli agiscano tra gli imponenti fondali industriali delle acciaierie di Duisburg, i massicci rocciosi frastagliati di Zabriskie Point, nei canyon urbani di Manhattan e sulle spiagge deserte della California. Sono paesaggi apocalittici che, a causa dell'artificiosità delle creature che in essi si dispiegano, diventano l'ambientazione di miti moderni allo stesso tempo reali e fiabeschi. Il fulcro della mostra è il racconto di Peter Lindbergh "Invasion", una fantastica apocalisse moderna sull'arrivo degli alieni sul pianeta Terra.
“STORIES” è la mostra più completa di Peter Lindbergh fino ad oggi. Le 204 fotografie, per lo più di grande formato, vengono esposte per la prima volta in questa mostra insieme ai suoi documentari espressivi, come il film su Pina Bausch, e alle sue impressionanti pubblicità commerciali.

La mostra espone per la prima volta capolavori dell'arte cinese antica e contemporanea. Rende percepibile il campo di tensione culturale in cui opera oggi la cultura cinese: tra l’arte maestosa e millenaria che è cresciuta dalle forze della tradizione e una rivoluzione culturale guidata dalle energie frenetiche del progresso economico, che mette in discussione fornisce tutte le idee tradizionali di valore e bellezza.
Opere uniche come il carillon a nove pezzi del periodo Zhou (VIII secolo a.C.) e il gruppo di cammelli in ceramica della dinastia Tang (VIII secolo d.C.) mostrano l'antica arte cinese attraverso sia la più alta interiorizzazione spirituale che l'emozionante espressività. Il contatto con queste opere d'arte di diversi millenni in questa mostra può quindi aiutare noi europei a comprendere meglio le enormi contraddizioni tra tradizione e modernità che si verificano oggi in Cina.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con il Museo per l'arte dell'Asia orientale di Colonia, il Museo Ludwig di Colonia, il Ludwig Forum for International Art Aachen e il Museo nazionale cinese di belle arti di Pechino.

Nei capolavori della pittura, della scultura, della grafica, della cartellonistica e della fotografia incontriamo immagini antiche e nuove di divinità provenienti da un'ampia varietà di culture: la regina egiziana Nefertiti, l'atleta olimpica, il Buddha “illuminato”, la santa vergine, Afrodite e il La dea indiana Sita, i cavalieri medievali e il “terrificante” Fudó, ma anche la talentuosa attrice Sarah Bernardt, la “divina” Garbo, l'idolo rock Elvis Presley e la superstar Michael Jackson.
Tutti gli dei, gli eroi, gli idoli, i santi, le streghe, i demoni sono modelli immortali che risorgono nel pantheon della nostra moderna cultura banale, il mondo quotidiano delle immagini nei film, nella fotografia, nei fumetti e in televisione e in virtù dei loro milioni di distribuzione nella comunicazione elettronica delle immagini hanno mantenuto il loro fascino ininterrotto nella vita quotidiana delle persone, risvegliano le passioni, tengono lontani i demoni, soddisfano le aspettative di salvezza, mantengono il sopra e il sotto, le cose buone da Non esiste il male in un mondo in cui il paradiso è stato da tempo spopolato dagli dei e ci siamo abituati a vedere le azioni e le esperienze nel cyberspazio come più reali che nella insignificante vita quotidiana.
La mostra è stata realizzata in collaborazione con l'Antikenmuseum Basel e la Ludwig Collection, il Ludwig Forum for International Art, Aquisgrana, il Museo Ludwig Colonia, il Rautenstrauch-Joest Museum, Colonia, il Suermondt-Ludwig Museum, Aquisgrana e altri