Het fenomeen popart, dat vooral geassocieerd wordt met de Engelstalige wereld, vond in de jaren zestig en zeventig ook in Duitsland een sterke artistieke expressie. Naast motieven uit het dagelijks leven en de consumptiemaatschappij, wordt Duitse popart gekenmerkt door kritiek op de politieke tijdsgeest, anti-oorlogshoudingen en een verwerking van het verleden. Deze werken worden vaak geassocieerd met bewegingen en associaties zoals Fluxus, ZERO of kapitalistisch realisme, maar hun expressie grenst aan popart. Bovenal streefden Duitse kunstenaars uit deze periode met indrukwekkende consistentie het principe van de radicale democratisering van de kunst na. Door gebruik te maken van grafiek, oplagekunst en multiples bereikten ze een breed publiek.

De uitzonderlijke collectie van de Düsseldorfse advocaat Heinz Beck, ondergebracht in het Wilhelm Hack Museum in Ludwigshafen, biedt een compleet overzicht van de Duitse uitingen van popart. Het wordt duidelijk dat internationale vergelijking zeker niet geschuwd hoeft te worden.

Het universele genie Udo Lindenberg heeft sinds het midden van de jaren negentig een omvangrijk oeuvre met een grote erkenningswaarde gecreëerd. De menselijke familie leeft vreedzaam samen, vol liefde en vreugde. Astronauten en vampiers verschijnen op het scherm, net als detective Coolman, Elli Pyrelli, Rudi Ratlos, de familie Cod en de pianoleraar. En daarboven stijgt de komeet op.

De briljante multigetalenteerde kunstenaar, die als zanger muziekgeschiedenis schreef en als schilder en illustrator een eigenzinnig, kleurrijk, strip- en cartoonistisch oeuvre schiep, wordt in al zijn facetten gepresenteerd in deze zeer complete tentoonstelling. Serieuze onderwerpen zoals de cyclus over Goethes hoofdwerk Faust, de bespreking van de Bijbel Bied of zijn duidelijke politieke standpunt in de strijd tegen rechtse sentimenten – met de Eikelkoppen er is een aparte soort gecreëerd – sta naast de levendige naakte naakten of de zeilende Andrea Doria.

De zwarte contourlijn definieert zijn figuren en zorgt ervoor dat de meester aan zijn penseelstreken herkenbaar is. Muzen en godinnen behoren net zo goed tot de vaste staf als de paniekerige man zelf: hoed en zonnebril zijn synoniem. Met de Likörellen heeft Lindenberg een eigen techniek gevonden en de naam ervan gepatenteerd. Het grote kleurenspectrum is verbazingwekkend: bananenlikeur voor een donkergele kleur, eierlikeur voor een lichtgele kleur, pepermuntlikeur voor een groene kleur, kersenlikeur voor een rode kleur en Blue Curaçao voor een blauwe kleur.

Het bijzondere is dat de tentoonstelling met zeer vroege, nog nooit eerder getoonde tekeningen en schetsen, de ontwikkeling van zijn onconventionele stijl inzichtelijk maakt. Al op het album levendig uit 1979, Udo tekent zichzelf op de binnenkant van de hoes, het album Het hameren van de goden In 1984 voegde hij een poster toe die hij met zuivere contourlijnen tekende. Uit de udogrammen ontstaat een fantastische kosmos met bovenaan de paniekpresident.

De Brost Foundation maakt deze unieke kunsttentoonstelling van de werken van Udo Lindenberg mogelijk. Het is onze missie om projecten te ondersteunen die zich richten op het Ruhrgebied en die ook ver daarbuiten effect hebben. Prof. Bodo Hombach, voorzitter van de raad van bestuur van de Brost Foundation: "De Brost Foundation steunt projecten van multitalent Udo Lindenberg in en voor het Ruhrgebied. Het onrustige Ruhrgebied heeft sterke bondgenoten nodig. Lindenbergs boodschappen zijn geloofwaardig omdat ze authentiek zijn. Ze hebben impact. Zijn autoriteit overstijgt generaties."

Udo Lindenberg, wiens wortels verankerd zijn in Noordrijn-Westfalen: "Ja! De Udoverse slaat als een komeet in op het hart van het Ruhrgebied. Udo komt terug naar Noordrijn-Westfalen. Mijn baby's, mijn schilderijen, kunnen hun intrek nemen in het prachtige kasteel Oberhausen, net als de hele Panik-geschiedenis."

Dankzij de Brost Foundation kan voor het eerst het gehele gebouwensemble van de LUDWIGGALERIE aan een kunstenaar worden opgedragen: de Klein kasteel presenteert exclusief Lindenbergs biografie, gebaseerd op zijn muzikale werken en shows. Van zijn begin als drummer in Noordrijn-Westfalen tot zijn nummer 1-hit komeet, wordt de hele Udoverse zichtbaar in het Ruhrgebied!

Meer informatie over het educatieve aanbod van het museum en het randprogramma bij de tentoonstelling vindt u op www.ludwiggalerie.de.

De LUDWIGGALERIE wordt ondersteund door de Vrienden van de Galerie. De culturele partner van de LUDWIGGALERIE is WDR 3.

De gerenommeerde fotograaf Angelika Platen maakt al meer dan vijf decennia aangrijpende en gevoelige portretten. Met een buitengewoon gevoel voor jonge, ambitieuze en inmiddels beroemde kunstenaars fotografeerde ze in de jaren zestig en begin jaren zeventig de kunstscène op beurzen en tentoonstellingsopeningen. Begin jaren 1960 richtte ze zich – na een lange pauze – steeds meer op vrouwelijke kunstenaars. Mentaal getriggerd door de METOOTijdens dit debat denkt ze na over waarom ze in haar jeugd slechts een paar vrouwelijke kunstenaars fotografeerde. Om deze vergissing in haar fotografisch oeuvre te compenseren, besluit ze zich een jaar lang uitsluitend te concentreren op vrouwenportretten.

De tentoonstelling Mijn vrouwen is opgedragen aan verschillende generaties nationale en internationale kunstenaars, zoals de portretten van Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Monica Bonvicini en Pola Sieverding, met intensieve en close-up foto's, zowel documentair als artistiek. Inspirerende en poëtische titels complementeren haar opnames altijd.

Angelika Platen, geboren in Heidelberg in 1942, werkt als freelance fotograaf voor de gedrukte media en journalist voor De tijd en leidde van 1972 tot 1975 de galerie van Gunter Sachs in Hamburg. Haar eerste solotentoonstelling vond plaats in 1969. Haar fotografische portretten zijn op grote schaal gepubliceerd en maken deel uit van openbare collecties in nationale en Europese musea.

Vicco von Bülow, alias Loriot, is een van de belangrijkste humoristen van Duitsland. Zijn beroemde mannen met bolneuzen en pakkende woorden als ‘Oh jee’ of ‘Vroeger was er meer klatergoud’ behoren nu al tot het culturele geheugen.

De tentoonstelling richt zich in het bijzonder op Loriot als kunstenaar en presenteert originele tekeningen uit zijn kindertijd en jeugd tot zijn late werk. Dankzij zijn messcherpe observatievermogen richt Loriots humor zich rechtstreeks op het zelfbeeld van de lagere middenklasse van de jaren vijftig tot de jaren tachtig en houdt deze letterlijk een spiegel voor.

Talrijke werken – in woord en beeld – ontwikkelen hun eigen, unieke komedie en worden zo het bewijs van de mooiste maatschappijkritiek. Maar de show belicht ook zijn werk als schrijver, acteur en regisseur. Wum en Wendelin, de eend en de Hoppenstedts mogen niet ontbreken. Eén onderwerp vertelt ook hoe in 1985 een Loriot-tentoonstelling tot stand kwam in zijn geboorteplaats Brandenburg an der Havel - in een tijd dat het geen vanzelfsprekendheid was dat West-Duitse kunstenaars erkend werden in de toenmalige DDR.

In samenwerking met het Caricatura Museum Frankfurt en het Brandenburg an der Havel Stadsmuseum toont de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen tekeningen, foto's, schetsen, correspondentie, scripts, toneelmodellen en filmfragmenten uit alle creatieve periodes van Loriot.

loriot_flyer

Idealen van schoonheid, seksualiteit en de relatie tot het eigen lichaam, genderstereotypen, identiteit, gelijkheid en sociale taboes, generatieconflicten en relaties, het gevoel van (onmacht), schaamte en keuzevrijheid - na ruim honderd jaar vrouwenrechten beweging zijn deze onderwerpen nog steeds zeer relevant.

Franziska Becker, Julia Bernhard, Lisa Frühbeis, Mia Oberländer en Paulina Stulin benaderen deze onderwerpen op een unieke manier in hun beeldverhalen. Met behulp van individuele stijlen en formaten visualiseren de vijf illustratoren levensechte verhalen vanuit een vrouwelijk perspectief. Haar protagonisten breken met traditionele rolmodellen en stellen zo de sociale verwachtingen van vrouwen in vraag. Met een scherp oog en indrukwekkende lichtheid brengen de kunstenaars alledaagse problemen in beeld en voeren ze op humoristische wijze het spel van genderrollen tot het uiterste.

Aan de hand van originele tekeningen uit de jaren tachtig tot nu laat de tentoonstelling zien hoe de illustratoren in hun strips geïnternaliseerde denk- en gedragspatronen blootleggen. Haar vrouwelijke karakters stralen authenticiteit uit en nodigen uit tot nadenken, lachen en inleven. Het aanbod aan werken varieert van indrukwekkende individuele beelden tot seriële beeldreeksen uit stripcolumns en graphic novels.

Als briljant dubbeltalent, als tekenauteur of schrijvend illustrator, bedacht Walter Moers als geen ander in Duitsland een grote verscheidenheid aan personages en vertelde hun verhalen met humor en subtiliteit. De zeemansgarenkapitein Blauwbeer, wiens sterke verhalen tot op de dag van vandaag niet alleen kinderen amuseren, de soms diepzwarte humor die HET komische cultfiguur uit de jaren negentig uitstraalde, het politiek totaal incorrecte klootzak, of het ongelooflijke nieuwe continent Zamonia Moers met het grootste gemak voorziet zijn alter ego Hildegunst von Mythenmetz van subtiele, soms bizarre komedie. Een kosmos van stripkunst als geen ander.

Al deze personages en verhalen worden gepresenteerd in originele tekeningen, poppen en animaties, waarbij bijzondere aandacht wordt besteed aan het speciale gevoel voor humor van hun maker. Moers maakt niet alleen een karikatuur van museumoperaties met klootzakken in olie. Het belooft een leuke tocht te worden!

De tentoonstelling wordt gesponsord door de Stadtsparkasse Oberhausen en Vriendenkring van de LUDWIGGALERIE. is een culturele partner WDR 3.

tentoonstelling flyer

Groeten van Walter Moers

Dames en heren!

Allereerst wil ik u hartelijk bedanken voor alle zorg en waardering die u aan mij en mijn werk heeft betoond en die nu vorm heeft gekregen in deze tentoonstelling.

Ik wil vooral Christine Vogt en haar geweldige team bedanken voor de inzet en het werk dat zo'n tentoonstelling met zich meebrengt. Elke minuut van de samenwerking voelde ik het enthousiasme waarmee iedereen hier in de Ludwiggalerie werkt. En ik wil graag de hele stadsgemeenschap hier in Oberhausen bedanken, die het voor jou mogelijk maakt om met mij en ik met jou naar mijn hele werk te kijken en jezelf af te vragen: waar valt er om te lachen?

Musea zijn over het algemeen plaatsen waar het behoorlijk serieus wordt. Belangrijke culturele goederen worden er verzorgd, het verleden wordt soms verwerkt en er wordt zelfs gerouwd.

Als je aan musea denkt, denk je aan mensen die met afgemeten stappen door stille ruimtes lopen, af en toe stil blijven staan ​​voor een kunstwerk of tentoonstellingsobject en daar op gedempte toon over praten. In musea wordt meestal niet gelachen. Waarom eigenlijk?

Dus in gesprekken tussen Christine Vogt en mij kwam het idee van een MOERSEUMS naar voren als een plek waar lachen niet alleen uitdrukkelijk moet worden toegestaan, maar zelfs samengesteld en zelfs uitgelokt. Waar, naast vele andere aspecten, creatieve humor in al zijn inhoudelijke en formele uitingen moet worden gecultiveerd en centraal moet worden geplaatst. Een plek waar je niet alleen op een interessante manier geconfronteerd wordt met illustratieve kunst, maar ook op een amusante manier vermaakt wordt.

Natuurlijk is dit tot nu toe slechts een idee, slechts een vrome wens die vele fasen moet doorlopen en hindernissen moet overwinnen voordat deze kan worden vervuld. Daarom kan deze tentoonstelling slechts het begin zijn van een project van hoop.

Ik hoop dat er vanaf vanavond evenveel wordt gegiecheld, gesnoven en misschien zelfs af en toe ongeremd gelach in dit kasteel. Ik wacht graag tot de dokter komt. Want dan weten we dat we met ons idee op de goede weg zijn.

Met dit in het achterhoofd wens ik u en alle bezoekers na u vanavond – op basis van de onze – veel plezier
Motto:

MAAK LACH – GEEN OORLOG!

De jouwe, Walter Moers.

Niet alleen sinds de Brexit keek de wereld kritisch naar de grootste eilandstaat van Europa. Bijna geen enkel ander land ter wereld is onderhevig aan zoveel clichés als Groot-Brittannië. De pittoreske kustlijnen van Zuid-Engeland, de koninklijke familie en Mister Bean kunnen echter niet voorbijgaan aan de dramatische realiteit waar het land al tientallen jaren mee te maken heeft: sociale en sociale onrust, hoge werkloosheid, politieke instabiliteit.

In deze tentoonstelling belichten 28 Britse fotografen uit drie generaties deze en andere zeer actuele onderwerpen als maatschappijkritiek, migratie, genderidentiteit, gemeenschap en diversiteit in seriële werken. De verhalen achter de foto’s zijn onlosmakelijk verbonden met de personen die erop afgebeeld staan ​​of de persoonlijke ervaringen van de fotografen.

Met vroege zwart-witfoto's uit de jaren zeventig documenteren ze het dagelijks leven in de grote stad en aan de kust. In de jaren tachtig en negentig maakten de fotografen zich los van de klassieke documentairefotografie en stelden zich open voor een artistiek perspectief en een eigen beeldtaal, die op humoristische en satirische wijze werd gepresenteerd. Vanaf de jaren 1970 tot nu hebben jongere vrouwelijke posities zich tot fotografie als artistiek medium gewend en verwerken zij onder meer persoonlijke identiteitsvragen of de gevolgen van de coronapandemie in indrukwekkende (zelf)portretten.

Alle 28 vrouwelijke fotografen zijn verenigd door hun onstuitbare verlangen naar artistieke, sociale en maatschappelijke autonomie naast hun mannelijke collega's.

Met 220 werken uit 29 series laat de tentoonstelling dit op indrukwekkende wijze zien. Het is samengesteld door Ralph Goertz in samenwerking met IKS PHOTO.

Hipgnosis, de legendarische Britse fotoontwerpstudio opgericht door Aubrey Powell en Storm Thorgerson, ontwierp tussen 1967 en 1984 ruim 400 platenhoezen voor internationale bands en muzikanten, waarvan een aantal inmiddels een icoonstatus in de muziekgeschiedenis hebben bereikt.

De legendarische platenhoes voor The Dark Side of the Moon van Pink Floyd, gemaakt door Hipgnosis, is zojuist 50 jaar oud geworden. De twee ontwerpers, die vrienden zijn van Pink Floyd, maken meer covers voor de band. De bekende motieven op de lp’s Houses of the Holy and Presence van Led Zeppelin, Elegy van The Nice en Deceptive Bands van 10cc zijn eveneens door hen ontworpen en zijn inmiddels wereldberoemd.

Powell en Thorgerson noemen hun studio naar een belettering die Syd Barrett van Pink Floyd over haar studiodeur zou hebben gespoten. Ze houden meteen van de tegenstrijdige, ironische combinatie van de betekenis van hip – nieuw, cool, trendy – en gnosis – oudgrieks voor kennis. Haar ontwerpideeën zijn eveneens paradoxaal en humoristisch. Opvallend is ook dat er zelden wordt gewerkt met portretten van de muzikanten. Veel LP-hoezen zijn duidelijk geïnspireerd door surrealistische kunstwerken en bevatten raadselachtige momenten die uitnodigen tot een tweede blik. Sommige motieven zijn ontstaan ​​door experimenten met de Polaroid-techniek, andere door associaties met de albumtitels. Achter de uiteindelijke opnames gaan hele verhalen schuil.

De tentoonstelling onderzoekt deze door de belangrijkste ontwerpen van het duo samen te brengen en deze op indrukwekkende wijze te presenteren in ruim 120 gelimiteerde kunstafdrukken en foto's op groot formaat. Ook zijn er ruim 20 originele platenhoezen te zien. Deze tentoonstellingen worden aangevuld met de nieuwe documentaire Eclipse van Aubrey Powell voor Pink Floyd ter gelegenheid van het 50-jarig jubileum van The Dark Side of the Moon, evenals een geluidswandeling die de muziek tot leven brengt.

Een tentoonstelling van de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen in samenwerking met de Browse Gallery Berlin. De tentoonstelling is samengesteld door John Colton, Browse Gallery Berlin en Hipgnosis-oprichter Aubrey Powell.

Rijd door de fantasie op de geluksdraak Fuchur, ontmoet de kinderlijke keizerin, zit op zolder met Bastian, vergezel Momo op de vlucht voor de tijddieven, brouw de satanarcheolisch-cohelse wenspunch of beleef een avontuur met Jim Knopf en Lukas. Deze wereldberoemde verhalen inspireren en raken al tientallen jaren mensen. Fantasie en realiteit botsen altijd en één ding is duidelijk: het is nooit te laat om je te verdiepen in de meesterwerken van Michael Ende!

De meest uiteenlopende illustratoren en tekenaars hebben Ende's literaire kosmos van fantastische karakters en heroïsche figuren vertaald naar visuele werelden. FJ Tripp, die ook de overvaller Hotzenplotz van Otfried Preußler vorm gaf, creëert samen met Jim Knopf, Lukas en Emma iconen van de boekkunst. Regina Kehn ontwikkelt het gekke karakterensemble van Wunschpunsch en Roswitha Quadflieg geeft de Neverending Story de legendarische initialen. Ter gelegenheid van de 40ste verjaardag van het boek is het de kunstenaar Sebastian Meschenmoser die dit wereldberoemde verhaal in een nieuw jasje steekt. De resulterende kleurrijke olieverfschilderijen zijn te zien in de tentoonstelling.

Bovendien komen de kunstenaars met een grote verscheidenheid aan tekenstijlen, technieken en beeldtalen, waardoor het indrukwekkende overzicht niet alleen het omvangrijke werk van Michael Ende laat zien, maar ook iconen van de illustratiekunst. Met meer dan 300 originele tekeningen, schilderijen en boekedities kan deze prachtige wereld van beelden voor het eerst ontdekt worden in een tentoonstelling in Oberhausen.

Daarnaast is er een aparte tentoonstellingsruimte met schilderijen en tekeningen gewijd aan de schilder en vader van Michael Ende, Edgar Ende. Helden Michael Endes zullen ook te gast zijn als poppen uit het Marionettentheater in Düsseldorf.

Veel van Ende's verhalen zijn overgebracht naar andere media: luisterboeken en toneelstukken, theater-, muziektheater- en poppenspelaanpassingen, films en tekenfilms en merchandisingproducten getuigen ook van de immense populariteit van de personages.

De tentoonstelling wordt ondersteund door de Stadtsparkasse Oberhausen en de Vrienden van de LUDWIGGALERIE. De culturele partner is WDR 3.

De LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen viert zijn zilveren jubileum en nodigt een focus van zijn gelijknamige collectie uit naar het Ruhrgebied! Voor het eerst wordt in Oberhausen de prachtige en originele porseleincollectie van Peter en Irene Ludwig uitgebreid gepresenteerd, met een thema dat hier perfect bij past: de representatie van beroepen.
Het Akense patronpaar verzamelde tientallen jaren lang porselein en had vooral plezier in het uitbeelden van menselijke activiteiten. Vooral de 18e eeuw liet de boer en de kwakzalver, de herderin en de kleermaker, de hoedenverkoper en de dansmeester, de Akelei en de soldaat graag zien in het fijnste Meissen-porselein.
Deze lagere beroepen worden bij elkaar gezet als grote tafelversieringen ter vermaak bij aristocratische feesten. De hoofse samenleving houdt van gemaskerde bals en landelijke festivals, de zogenaamde fêtes champêtres, en trekt daarbij graag de kostuums van herderin en herder aan.
Het kostbare porselein vervult de rol van inspiratie voor entertainment tijdens banketten. Maar scènes en groepen figuren kunnen ook buiten de daadwerkelijke weergave staan. De maaier is de personificatie van de zomer en kan een bedankje zijn voor een overvloedige oogst. In verbinding met anderen
Figuren het wordt het symbool van de aarde tussen de vier elementen. In de seizoenscyclus symboliseert het de zomer. Door dergelijke dubbelzinnigheden kunnen de karakters op vele manieren worden gebruikt. Tegenwoordig wordt dit ‘witte goud’, zoals het porselein ook wel werd genoemd, bewaard in Bamberg.
Naast een waardering voor Peter en Irene Ludwig wordt er ook teruggeblikt op de afgelopen 25 jaar. Er werden talrijke tentoonstellingen met bezit uit de omvangrijke Ludwig-collectie gerealiseerd, evenals presentaties over strips en karikaturen, fotografie en de voor het Ruhrgebied zo belangrijke bezienswaardigheden. Tijdens de looptijd wordt een best-of uitgereikt.

Met Barbara Klemm presenteert de LUDWIGGALERIE een van de belangrijkste fotografen van de naoorlogse periode. Haar indrukwekkende zwart-witbeelden documenteren mensen en gebeurtenissen in Duitsland en de wereld gedurende meer dan vijf decennia. Klemm werkte van 1970 tot 2005 als redactioneel fotograaf voor de Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ en reisde niet alleen naar het verdeelde Duitsland, maar ook naar vier continenten.

Veel van haar foto's worden nu beschouwd als iconen van de fotogeschiedenis en vertegenwoordigen historische momenten zoals de studentenopstanden, de socialistische broederkus of de hereniging.

Ze groeide op in het huishouden van een kunstenaar - haar vader was de Karlsruhe-schilder Fritz Klemm - en kreeg al op jonge leeftijd een bijzonder oog voor compositie en structuur. Uit veel van haar producties blijkt een goede kennis van de kunstgeschiedenis en een empathische omgang met mensen. Haar portretten van kunstenaars identificeren haar als een groot portrettist.

Toen de Amerikaanse Linda Eastman (1941–1998) halverwege de jaren zestig begon met fotograferen, belandde ze meteen in de rock- en popscene. Een persuitnodiging opent de deuren voor het promotiefeest van de Rolling Stones in de SS Zeepanter aan de Hudsonrivier. Dit is waar haar ongewone carrière begint: “Dat waren de dagen dat Jimi Hendrix uit het niets naar mijn appartement kwam en ik ging eten met Jim Morrison in Chinatown. Eén keer kocht ik pindakaas voor een middernachtfeestje met Janis Joplin, een andere keer reed ik met Jackson Browne in de metro door de stad.” Ze ontmoet ook de Beatles en daarmee haar toekomstige echtgenoot Paul. Ze kijkt naar de creatie van de beroemde cover Abbey Road, dat zojuist zijn 50e verjaardag vierde, en een intiem kijkje geeft in het gezinsleven van de McCartneys.

Maar bovenal vormen haar foto's van de grote muzieksterren van de late jaren zestig nog steeds ons visuele geheugen van deze tijd, die zich bevrijdde van morele etiquette. Janis Joplin en Jimi Hendrix, Nico en Brian Jones, The Doors en The Who, Aretha Franklin en Bob Dylan worden door haar natuurlijk en vaak met veel dynamiek gespeeld. De tentoonstelling gebruikt foto's uit de jaren zestig om beklijvende momenten uit dit intense muzikale tijdperk te tonen.

Naast de foto's wordt het onderwerp muziek en de visuele artistieke expressie ervan intensief gevolgd. Het ontwerp van platenhoezen, dat vanaf het midden van de jaren zestig eveneens fundamenteel veranderde, wordt in een aparte tentoonstellingsruimte gepresenteerd. Iconische ontwerpen zoals Hipgnosis' De donkere kant van de maan voor Pink Floyd, Klaus Voormanns Revolver voor de Beatles of Andy Warhols Sticky Fingers want de Rolling Stones hebben tegenwoordig een cultstatus. Een speciaal voor de tentoonstelling samengestelde klankwandeling laat bezoekers zich muzikaal onderdompelen in de jaren zestig.

Linda McCartney nam haar camera mee op al haar reizen. Haar Wegwerkzaamheden tonen op expressieve wijze de observaties van mensen en ruimtes. Telkens weer is het de blik in de achteruitkijkspiegel die fascineert. En ten slotte werd McCartney ook creatief op experimenteel gebied. Haar Zonneafdrukken tonen beelden belicht door daglicht, door de zon, variërend van stillevens tot portretten.

De tentoonstelling werd ontwikkeld in samenwerking met de “Reichelt en Brockmann Art Foundation” Mannheim.

“Mijn territorium is het territorium” is al tientallen jaren het motto van de in Essen gevestigde fotograaf Manfred Vollmer. En toch reiken zijn interesse en zijn fotografisch werk veel verder. Zijn eerste grote project, zijn afstudeerscriptie aan de Folkwangschule in Essen, bracht hem eind jaren zestig naar Italië, waar hij met zijn camera de ongebruikelijke gebruiken op plaatselijke kerkelijke feesten vastlegde. Sinds 1960 werkt hij als freelance fotograaf, voornamelijk voor week- en dagbladen en vakbonden. Zijn werk is – en dat is vandaag de dag nog steeds te zien – zo overtuigend dat hij er een onderscheiding voor heeft gekregen. In 1970 reisde hij naar Bretagne om als fotoreporter verslag uit te brengen over de olieramp veroorzaakt door het wrak van de Amerikaanse tanker Amoco Cadiz. Hiervoor ontving hij de eerste prijs in de World Press Photo Competition van 1978 in de categorie ‘News Picture Stories’.

Maar zijn foto's uit het Ruhrgebied, zijn participatieve reportages over arbeidsconflicten in de jaren tachtig, zijn begeleiding van arbeiders in diverse bedrijfstakken en zijn zorg voor de levensomstandigheden van de zogenaamde gastarbeiders zijn eigenlijk het meest vormende element van zijn werk. Toen het Ruhrgebied in 1980 de culturele hoofdstad werd, droeg hij met zijn soms monumentale foto's bij aan een nieuw imago van het Ruhrgebied en creëerde hij iconen die vandaag de dag nog steeds staan ​​voor de structurele en culturele verandering van de regio. De LUDWIGGALERIE wijdt nu een overzicht van zijn werk aan deze belangrijke beeldzoeker.

Rokende schoorstenen, industriële woestijnen, stakende arbeiders: talloze thema’s uit het Ruhrgebied komen terug in de fotografie, schilderijen en grafiek van Rudolf Holtappel en Walter Kurowski. De twee artistieke landgoederen verrijken sinds 2017 de LUDWIGGALERIE-collectie, werden al individueel retrospectief gepresenteerd en staan ​​nu voor het eerst tegenover elkaar in een gezamenlijke tentoonstelling.

De centrale thema's van de twee kunstenaars worden eveneens in aparte monografische ruimtes getoond. De volledige artistieke breedte van Rudolf Holtappel wordt gepresenteerd via de motieven van warenhuisfotografie, theateropnames en industriële achtergronden. Posters, karikaturen en tekeningen tonen de diversiteit van het werk van Walter Kurowski.

De kroniekschrijver van het Ruhrgebied Rudolf Holtappel (1923–2013) werkte na het behalen van zijn masterdiploma fotografie in 1950 als freelance fotojournalist en fotograaf. Met zijn beeldtaal gaf de inwoner van Oberhausen decennialang vorm aan de visuele verschijning van de warenhuisgroep Karstadt (1964–1995) en talrijke industriële bedrijven aan de Rijn en het Ruhrgebied, waaronder Henkel (1974–2002). Zijn foto's beïnvloeden het beeld van het Oberhausen-theater in het Büch-tijdperk (1961–1970) en het Weise-tijdperk (1992–2003), evenals de stadsgezichten van bekende uitgevers (Carl Lange Verlag/Mercator-Verlag).

Als culturele legende en de enige stadskunstenaar van Oberhausen heeft Walter Kurowski (1939–2017) meer dan 50 jaar lang de artistieke en muzikale scène van de stad beïnvloed door zich een weg te schilderen en te tekenen in de herinnering ervan. De bekroonde afgestudeerde van de Folkwangschule vocht met zijn kunst als een van de belangrijkste cartoonisten van Duitsland in de jaren zeventig en tachtig naast arbeiders voor vrede en gerechtigheid en tegen onderdrukking en uitbuiting. Als afficheontwerper kreeg hij decennialang opdrachten voor culturele evenementen, politieke organisaties en vakbonden.

Ruim 50 striptekenaars uit Duitstalige landen openen hun lades en geven inzicht in niet eerder gepubliceerd materiaal. In de tentoonstelling ontdek je zo'n 300 kaders met 500 tekeningen die nog nooit iemand heeft gezien! Nieuwkomers ontmoeten bekende en beroemde illustratoren en maken duidelijk: ze hebben allemaal projecten die tot nu toe onvoltooid zijn gebleven. Sommige werden afgewezen of zelfs gecensureerd door de uitgever. Soms was er een gebrek aan tijd en vrije tijd om projectideeën en zaken van het hart tot voltooiing te brengen. Andere verhalen zijn echter klaar en klaar om in grote hoeveelheden te worden gedrukt.

Deze compilatie van verschillende stripgenres, tekenstijlen en bewegingen geeft een inzichtelijk overzicht van de Duitstalige stripgeschiedenis. Historische originelen, zoals postuum gepubliceerde beeldverhalen van strippionier Wilhelm Busch, vertegenwoordigen vroege voorbeelden van sequentiële kunst uit de jaren dertig. Ongepubliceerde bladen van belangrijke pioniers als Willi Kohlhoff en Hansrudi Wascher illustreren de doorbraak van kleine tijdschriften in de jaren vijftig en maken de weg vrij voor stripgrootheden als Isabel Kreitz, Ulli Lust en Ralf König. Werner van Brösel zorgt voor massa-entertainment uit de jaren negentig.

De diversiteit waarmee de hedendaagse stripscene zich presenteert, zorgt ervoor dat genres, genres, stijlen en publicatiemethoden vervagen. Er hoeven geen grenzen te zijn en de inhoud kan niet langer worden onderverdeeld in vaste categorieën zoals actie, fantasy of western. Matthias Schultheiss tekent een groot formaat portret van Adolf Hitler tijdens de Eerste Wereldoorlog, terwijl Sheree Domingo vragen oproept over genbewerking en klimaatbescherming. Via Atak en Fil ervaart Goethe's Faust een compleet nieuwe vorm van expressie, zowel visueel als taalkundig, en Nicolas Mahler voert onze commentarenmaatschappij met een humoristische serie tot absurditeit. Ontdek verborgen meesterwerken die een beetje stripgeschiedenis en een beetje geschiedenis van de wereld vertellen!

Het uitgangspunt voor de thematische eenkamertentoonstelling rond het motief van de Trinitaire Pietà in de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen, die dan ook in het Suermondt-Ludwig-Museum Aken te zien zal zijn, zijn vijf laatmiddeleeuwse sculpturen uit het Akense museum. Daartoe behoort een Zwabisch stuk uit de collectie Peter en Irene Ludwig, dat in 1977 met de grote stichting werd overgebracht naar de gemeentelijke collectie van Aken. Voor het eerst wordt dit beeld en zijn bijzondere picturale thema in beeld gebracht en besproken in hun iconografische context. Het motief van de Trinitaire Pietà verwijst naar het beeld van God de Vader, die het lichaam van zijn zoon of de levend-dode Man van Smarten aan de kijker presenteert. Ook de geestenduif behoort tot dit soort beelden, al is deze op een aantal beelden niet bewaard gebleven. Deze uitdrukking van het beeld van de Drie-eenheid vind je vaak terug in de beeldhouwkunst, paneel- en boekschilderkunst, maar ook in de grafiek uit de late middeleeuwen en vroegmoderne tijd. In het academische essay “Trinitarische Pietà – Een laatmiddeleeuws beeldconcept en de voortdurende impact ervan in de context van de Reformatie en de Katholieke Hervorming” van Dr. Dagmar Preising zal de geschiedenis van dit motief traceren in schilderkunst, beeldhouwkunst en grafiek, en daarbij talloze, ook minder bekende, stukken samenstellen. Deze zijn ingedeeld naar type. Naast het groeperen van de voorbeelden is het belangrijk om de iconografische en functionele context van deze representaties van de Drie-eenheid te benadrukken. Ook wordt de betekenis van de Trinitaire Pietà in de context van passiemystiek en sacramentcultus in de late middeleeuwen toegelicht en wordt er ook gekeken naar de Reformatie en Contrareformatie. Ook de alternatieve termen die vaak voor dit soort afbeeldingen worden gebruikt, zoals verzoendeksel en Notgottes, worden besproken. In deze tentoonstelling vormt het beeldhouwwerk uit de Ludwig Collectie het middelpunt. Hieromheen zijn andere afbeeldingen van de Trinitaire Pietà gegroepeerd, evenals stukken met nauw verwante picturale onderwerpen, zoals het zogenaamde verzoendeksel met God de Vader die het kruisbeeld vasthoudt, of de engel Pietà. De actualiteit van het trinitarische beeldthema in de 15e en 16e eeuw wordt geïllustreerd en het voortbestaan ​​ervan in de barokperiode wordt gevisualiseerd.

De schoen is een van de kledingstukken die mensen altijd bijzonder heeft ontroerd. De schoen is niet alleen een middel om kou en hitte, blessures en vuil te bestrijden, maar is bovenal een projectieoppervlak voor sociale status, ‘door de wereld lopen’ en uiteraard erotische fantasieën. Het scala aan vaak ongebruikelijke kunstafbeeldingen van schoenen in deze tentoonstelling varieert van de oudheid tot hedendaagse werken, van de middeleeuwen tot Mel Ramos. De afwezigheid van de schoen, de afdruk van de schoen en de symbolische betekenis van de schoen worden in artistieke uitingen gepresenteerd, net zoals er een apart hoofdstuk aan de rode schoen wordt gewijd.
Het is de eerste tentoonstelling die posities van de legendarische Boeddha's voetafdruk tot de schoencreaties van Andy Warhol samenbrengt en vergelijkt. Zowel cult- als iconische schoenen vormen een geheel; St. Hedwig, wiens attribuut de schoenen zijn, ontmoet de Adidas All Stars aan de voeten van Freddie Mercury. Er openen zich nieuwe perspectieven op enkele bekende beelden. Kijken naar de voet biedt verrassende ontdekkingen en inzichten. Bij de optredens hoort een klankwandeling en niet alleen Nancy Sinatra weet het: These Boots Are Made for Walkin'...
De betrokkenheid bij de schoen in de LUDWIGGALERIE vindt plaats ter gelegenheid van de installatie van de stalen sculptuur van de bekende Duitse popkunstenaar Heiner Meyer voor het hoofdgebouw van kasteel Oberhausen in maart 2021. Als “tentoonstelling binnen een tentoonstelling ”, wordt er bijzondere aandacht besteed aan zijn artistieke werk. Hoge hakken en snelle auto’s, overknee-laarzen en nagellak, maar ook elegante orchideeën zoals de ‘damesslipper’ ademen een vleugje luxe uit. Dure schoenen en sexy vrouwenbenen die daardoor worden gevormd, vergroten de verleiding van reclame. De glamoureuze dingen waaruit het oogverblindende werk van deze gelaagde kunstenaar bestaat, tonen een sterke positie op de schoen. Gewoon pop-art in stiletto-formaat!

RED HEELS - een sculptuur van Heiner Meyer voor de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen als onderdeel van de tentoonstelling ART ABOUT SHOES

De betonnen sokkel voor kasteel Oberhausen aan de hoofdader Konrad-Adenauer-Allee stond lange tijd leeg. Tot 2013 torende hier het beeldhouwwerk van de Amerikaanse popartiest Keith Haring, ‘Head Through Belly’. Museumdirecteur dr. Christine Vogt gaf de Duitse, internationaal bekende popkunstenaar Heiner Meyer de opdracht om schetsen te maken voor een sculptuur, wat resulteerde in RED HEELS. Er zijn nu twee jaar van planning verstreken en het grote project bevindt zich in de laatste fase. Jutta Kruft-Lohrengel, de eerste voorzitter van de Vrienden van de LUDWIGGALERIE eV, rekruteerde de verschillende ambachten om haar te ondersteunen. Onze dank gaat uit naar Dr.-Ing. Christoph Diekmann en de bedrijven Franken Apparatebau, Klöckner & Co. en Westdeutsche Farben GmbH voor de realisatie van de sculptuur RED HEELS.

Otfried Preußler (1923–2013) is een van de belangrijkste en invloedrijkste kinder- en jongvolwassenauteurs in de Duitstalige wereld. Met verhalen als The Robber Hotzenplotz, The Little Witch en The Little Ghost heeft de auteur sinds de jaren vijftig personages gecreëerd die generaties adolescenten vandaag de dag nog steeds vormen en een integraal onderdeel zijn geworden van kinderkamers over de hele wereld. In totaal schrijft hij meer dan 1950 boeken, die zijn lezers wereldwijd verrassen met een totale oplage van meer dan 35 miljoen exemplaren. Preußler werkte tijdens zijn creatieve periode met tal van illustratoren. Ze illustreren zijn verhalen en brengen de personages tot leven met hun eigen persoonlijke stijl en ideeën. Bekend zijn vooral de illustraties van FJ Tripp, die de overvaller Hotzenplotz zijn opvallende verschijning geven. De houtsnede-achtige sepiatekeningen die Herbert Holzing voor Krabat maakte, blijven consistent gedurende talloze edities. Het onmiskenbare uiterlijk van de kleine heks, maar ook de kleine meerman, is te danken aan kunstenaar Winnie Gebhardt. Ook zijn zelden getoonde originele tekeningen voor Hörbe te zien, die Otfried Preußler zelf maakte.
Veel van Preußlers verhalen worden ook overgebracht naar andere media: luisterboeken, theaterbewerkingen, films en games getuigen van de enorme populariteit. In totaal komen 300 originele tekeningen, filmrekwisieten en foto's samen.
Maak in de tentoonstelling kennis met de hele Preußler-kosmos! Maak van de gelegenheid gebruik om de minder bekende personages te ontdekken en laat u samen met uw kinderen of kleinkinderen fascineren door de verhalen van Otfried Preußler!
De tentoonstelling wordt ondersteund door de Stadtsparkasse Oberhausen en de Vrienden van de LUDWIGGALERIE. De culturele partner is WDR 3.

“Grijs – slechts drie keer per jaar een helder zicht”, zo beschrijft Rudolf Holtappel (1923–2013) het Ruhrgebied en fotografeert hij witte was voor rokende schoorstenen, drama's op theaterpodia en mensen die consumeren in warenhuizen. Voor de geïllustreerde boeken van Mercator-Verlag brengt Holtappel industrie, stad en mensen in scène.

Van 1961 tot 1970 en van 1992 tot 2003 werkte Holtappel als toneelfotograaf in het Büch- en Weise-tijdperk in het Oberhausen Theater. Zijn keuze voor bijzondere perspectieven en zijn gevoel voor het juiste moment komen net zo duidelijk naar voren in producties van Günther Büch, die de toneelstukken van Peter Handke naar het theater bracht, als in voorstellingen van Klaus Weise in de jaren negentig.

Holtappel heeft jarenlang voor Karstadt en Henkel gewerkt en heeft met zijn foto's een beslissende invloed gehad op de representatie van de bedrijven. Van 1974 tot 2002 fotografeerde hij voor het bedrijf Henkel fabriekshallen, producten, productieprocessen in fabrieken en mensen op hun werkplekken. Onder de talrijke prijzen en onderscheidingen en een aankoop van de Duitse Bondsdag bevinden zich de foto's van de fabriekskeukens van Henkel. Voor het eerst worden foto's gemaakt voor Henkel aan het publiek gepresenteerd.

Holtappel, die in 1950 zijn masterdiploma fotografie behaalde, is verrassend en experimenteel in zijn benadering van oude fijne drukprocessen (zoutdrukken, cyanotypieën en broomoliedrukken) of van cameramaterialen. Voor het eerst geeft de tentoonstelling een uitgebreid inzicht in de diversiteit van het werk van Rudolf Holtappel (1923-2013). Holtappel noemt Oberhausen al meer dan 50 jaar zijn thuis. De stad Oberhausen heeft in 2017 zijn landgoed verworven, dat wordt bewaard in de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Het uitgangspunt van de tentoonstelling is zijn chronologisch archief bestaande uit circa 360.000 negatieven in zwart-wit en kleur.

Ondersteund door de regionale culturele financiering van de Regionale Vereniging Rijnland en de Vrienden van de LUDWIGGALERIE. De culturele partner is WDR 3.

Toen de Amerikaanse Linda Eastman (1941–1998) halverwege de jaren zestig begon met fotograferen, viel ze meteen in de rock- en popscene. Een persuitnodiging opent de deuren voor het promotiefeest van de Rolling Stones op de SS Sea Panther aan de Hudson River. Dit is waar haar ongewone carrière begint. Ook ontmoet ze de Beatles en daarmee haar toekomstige echtgenoot Paul. Ze observeert de totstandkoming van de beroemde cover van Abbey Road en geeft een intiem inzicht in het familieleven van McCartney.

Maar bovenal bepalen haar foto's van de grote muzieksterren van eind jaren zestig nog steeds ons visuele geheugen. Ze legt op natuurlijke wijze Janis Joplin en Jimi Hendrix, Nico en Brian Jones, The Doors en The Who, Aretha Franklin en Bob Dylan vast. De tentoonstelling gebruikt foto's uit de jaren zestig om beklijvende momenten uit dit intense muzikale tijdperk te tonen.

Naast de foto's wordt het onderwerp muziek en de visuele artistieke expressie ervan onderzocht. Een aparte tentoonstellingsruimte is gewijd aan het ontwerp van platenhoezen. Iconische ontwerpen zoals Hipgnosis' The Dark Side of the Moon voor Pink Floyd, Klaus Voormanns Revolver voor de Beatles of Andy Warhols Sticky Fingers voor de Rolling Stones hebben tegenwoordig een cultstatus. Een speciaal voor de tentoonstelling samengestelde klankwandeling laat je muzikaal onderdompelen in de jaren zestig.

Naast haar muziekfoto's nam Linda McCartney ook haar camera mee op al haar reizen. Haar wegwerkzaamheden tonen op expressieve wijze observaties van mensen en ruimtes. En ten slotte werd McCartney creatief op experimenteel gebied. Zonneafdrukken zijn afbeeldingen die bij daglicht worden belicht, variërend van stillevens tot portretten. De tentoonstelling is tot stand gekomen met foto's uit de collectie van Ina Brockmann en Peter Reichelt, die begin jaren negentig in samenwerking met Linda McCartney hun collectie samenstelden.

'Kijk, hier is hij, ugh! de Struwwelpeter!” In 1844 zei de dokter Dr. Heinrich Hoffmann vertelt niet alleen het verhaal van de jongen die zijn haar niet kan laten kammen en zijn nagels niet kan laten knippen, maar verbeeldt ook tal van andere personages in deze stijl. Naast Suppenkaspar en Hanns Guck-in-die Luft geeft ook Zappel-Philipp tot op de dag van vandaag vorm aan het Duitse gebruik. De klassieker inspireert al 175 jaar kunstenaars om hun eigen variaties te creëren. Struwwelpeter, maar ook Paulinchen, Konrad, Hanns en Friederich zijn overal te vinden - soms op het eerste gezicht, soms na intensieve inspectie. De beeldthema’s zijn vandaag de dag nog steeds zeer actueel en soms politiek. In Hoffmanns verhaal over de zwarte jongens dompelt de grote Nikolas de xenofobe jongens als straf onder in een grote inktpot. In 2013 sprak Luise Bofinger het racisme uit dit verhaal aan met een onmiskenbare boodschap. Mangaka David Füleki daarentegen helpt de Struwwelpeter verschillende keren in twee verschillende strips te verschijnen. Hans Witte herneemt de tekst van Heinrich Hoffmann op een gereduceerde en puur typografische manier. In haar boek Lola races portretteert Anke Kuhl met scherpe humor een aantal kinderen die wanhopig zijn door alledaagse gevaren, maar daar ook van kunnen groeien. Struwwelpetriaden - internationaal, schril, politiek, kitscherig, afwijkend, puntig, soms in de geest van Hoffmann, hetzij met originele tekst of herschreven, opnieuw bedacht, herschreven of met nieuwe karakters.

Bovendien tonen curieuze voorwerpen, koopwaar en documenten de hoge mate van relevantie voor het dagelijks leven aan. Een aparte tentoonstellingsruimte toont het portret van Hoffmann en toont zijn werk in de context van de Biedermeierperiode. Ruim 100 boeken, tekeningen, illustraties, schilderijen en objecten uit de veelzijdige en internationale Sauer-collectie illustreren de geschiedenis en ontwikkeling van het onderwerp.

De tentoonstelling Hollywood Icons is gewijd aan het Gouden Tijdperk van Hollywood. Het toont de fotografen wier beelden iedereen vandaag de dag nog kent: van stomme filmlegende Charlie Chaplin tot briljante vertolkers uit het vroege geluidsfilmtijdperk als Marlene Dietrich tot naoorlogse giganten als Marlon Brando en Sophia Loren. Begin jaren twintig was de filmindustrie gevestigd in en rond Los Angeles. Iedereen trekt massaal naar Californië om roem en fortuin te zoeken. Garbo komt uit Zweden, Dietrich uit Duitsland, Hedy Lamarr uit Oostenrijk, Chaplin en Cary Grant komen uit Engeland, maar het is Hollywood dat elk van hen internationale bekendheid heeft gegeven.
Hollywood Icons presenteert ook de toen nog onbekende portretten en nog steeds fotografen die ongezien achter de schermen werken, maar wier glamoureuze foto's cruciaal zijn voor de bekendheid van de sterren en de films. De beelden van filmsterren zijn het werk van cinematografen die op briljante wijze hun best doen om de Hollywood-stijl wereldwijd te promoten.
John Kobal heeft zich intensief met dit Hollywood-materiaal beziggehouden. Hij begint als filmliefhebber, wordt vervolgens journalist, schrijver en eminent filmhistoricus. De foto's in deze tentoonstelling zijn afkomstig uit zijn collectie. De tentoonstelling toont voornamelijk zwart-witfoto's, maar er zitten ook kleurenfoto's tussen. Ruim 200 foto's van de John Kobal Foundation brengen de grote namen uit Hollywood samen. Een reünie met bekende gezichten van Judy Garland tot Fred Astaire, van James Dean tot Elizabeth Taylor.

Het uitgangspunt voor de iconografische tentoonstelling Anna leert Maria lezen - Over de Sint-Annacultus rond 1500 is een hoogwaardig en uniek Frans stenen beeldhouwwerk uit het midden van de 15e eeuw, dat behoort tot de collectie Peter en Irene Ludwig. Dit beeld werd vanaf 1994 in permanent bruikleen tentoongesteld in het Suermondt-Ludwig Museum en werd in 2011 eigendom van de stad Aken door de schenking van Irene Ludwig. Het laat zien hoe de op de troon geplaatste Anna de naast haar staande kleine Maria instrueert in het lezen, een beeldthema dat zich ontwikkelde in de context van de Sint-Annaverering. Het onderwerp verscheen al in de 13e en vroege 14e eeuw in manuscripten en kreeg steeds meer aandacht in de late middeleeuwen en vroegmoderne tijd naarmate de verering van Sint-Anna toenam. Het was echter pas in de barokperiode dat het onderwerp algemene populariteit kreeg, wat duurde tot de 19e eeuw. In de periode rond 1500, toen de Anna-cultus zijn hoogtepunt bereikte, was de instructie van Maria nog steeds een zeldzaam beeldonderwerp vergeleken met de veel populairdere en algemenere afbeelding van de Derde Anna.

Centraal in de tentoonstelling staat het beeldhouwwerk uit de Ludwig-collectie, dat tot nu toe als geïsoleerd werd beschouwd. Rond deze figuur zijn andere leringen van Maria gegroepeerd, wordt het latere leven van de volwassen Maria belicht en worden andere belangrijke beeldmotieven uit de Sint-Annaverering getoond.

Engeland wordt beschouwd als de bakermat van de pop-art en heeft talloze ongebruikelijke standpunten ingenomen over het fenomeen van wat toen een werkelijk revolutionaire nieuwe kunststroming was. Naast motieven uit het dagelijks leven is het vooral het idee van kunst voor iedereen. Meesterwerken worden massaal gecreëerd via de prentkunst, via editiekunst en multiples. Er zijn favoriete onderwerpen zoals televisie, reclame of auto's. Een hele levenshouding komt tot uiting en muziek speelt een cruciale rol. Deze tentoonstelling houdt hier in het bijzonder rekening mee door een apart hoofdstuk te wijden aan albumhoesontwerpen, zoals die van Peter Blake en Jann Haworth voor het Beatles-album Sgt Pepper.

De Düsseldorfse advocaat Heinz Beck, wiens collectie wordt bewaard in het Wilhelm Hack Museum in Ludwigshafen, heeft een uitzonderlijke collectie werken uit deze periode samengesteld. Voor het eerst toont de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen een selectie Britse Pop Art uit deze unieke collectie met zijn bijzondere en eigenzinnige varianten.

Ivor Abrahams I Peter Blake I Derek Boshier I Anthony Canham I Patrick Caulfield I Harold Cohen I Ian Colverson I Antony Donaldson I Michael English I Richard Hamilton I Jann Haworth I Dick Higgins I David Hockney I David Inshaw I Bill Jacklin I Allen Jones I David King I RB Kitaj I Gerald Laing I Les Levine I David AJ Miller I Malcolm Morley I Robin Page I Eduardo Paolozzi I Peter Phillips I Tom Phillips I Patrick Procktor I John Salt I Colin Self I Richard Smith I Joe Tilson

De LUDWIGGALERIE viert haar 20e verjaardag met grote dank en vreugde. De gebaren van zulke emoties zijn – uiteraard – ook terug te vinden in kunstwerken. En dit is dan ook het basisthema waaronder meesterwerken uit de collectie Peter en Irene Ludwig in de LUDWIGGALERIE worden samengebracht. Uitgerust met internationale bruiklenen wordt non-verbale communicatie en stille poëzie, zoals Leonardo da Vinci kunst noemt, verkend.
Geheel in de geest van het verzamelaarspaar gaan werken uit verschillende tijden en regio’s van de wereld met elkaar in dialoog. Het bereik strekt zich uit van de oudheid tot vandaag, van precolumbiaanse kunst tot de Europese middeleeuwen en nog veel verder. De vraag wat de dingen binnenin verenigt of scheidt, heeft altijd centraal gestaan ​​bij de Ludwigs. De ontmoeting tussen de werken onder een gemeenschappelijke vraag zet deze interesse voort. Gebaren kunnen worden gebruikt om goed te communiceren in het buitenland of om precies het tegenovergestelde te bereiken: wees voorzichtig als je in India je hoofd schudt!
Wolfgang Mattheuers Step of the Century is zeker een sleutelwerk voor het gebaar als betekenisdrager in een politieke en sociale context. De stormachtige minnaar daarentegen belichaamt volledig de kracht van de emotionele impact die het andere geslacht kan veroorzaken. Wijzende en zegenende gebaren, overwinningstekens en de stinkende vinger, de duim omhoog of de arbeidersvuist zijn voorbeelden van vaak gebruikte handposities. Gebarenschilderen vindt zijn perfecte vorm in de rondingen van Karl Otto Götz. Maar de hele wereld kent ook het bedachtzame ‘hoofd in je hand rusten’. Deze tentoonstelling combineert verbazingwekkende gebaren, waarbij de Merkel-diamant – uitgevoerd door St. John – niet ontbreekt.

Ι Ellen Auerbach Ι Belkis Ayón Manso Ι Heike Kati Barath Ι Georg Baselitz Ι Thomas Baumgärtel Ι Caspar Benedikt Beckenkamp Ι Matthias Beckmann Ι Anne Berning Ι Robert Bosshard Ι Claudio Bravo Ι Pieter Brueghel Ι Gudrun Brüne Ι Franz Anton Bustelli Ι Carlo Cignani Ι Cornelis van Dalem Ι Walter Dohmen Ι Albrecht Dürer Ι Erró Ι Semëon Natanovič Fajbisovič Ι Gérard Gasiorowski Ι Sighard Gille Ι Peter Gilles Ι Karl Otto Götz Ι Bob Gruen Ι Johannes Grützke Ι Eckart Hahn Ι Keith Haring Ι Xenia Hausner Ι Bernhard Heisig Ι Gottfried Helnwein Ι David Hockney Ι Ottmar Hörl Ι Lambert Hopfer Ι Thomas Huber Ι Daniel Josefsohn Ι Claudia Kaak Ι Kirsten Klöckner Ι Germaine Krull Ι Monika Lioba Lang Ι Roy Lichtenstein Ι Richard Lindner Ι André Lützen Ι Wolfgang Mattheuer Ι Dóra Maurer Ι Meester van de Calvarieberg van Sinzig Ι Johann Peter Melchior Ι Pedro de Mena Ι Heiner Meyer Ι Herman van der Mijn Ι Edvard Munch Ι Reiner Nachtwey Ι Ernst Wilhelm Nay Ι CO Paeffgen Ι Otto Pankok Ι AR Penck Ι Pablo Picasso Ι Raimondo Puccinelli Ι Marcanton Raimondi Ik Werner Reuber Ι Gerhard Richter Ι Johanna Roderburg Ι Michail Nikolaevič Romadin Ι James Rosenquist Ι Andreas Rosenthal Ι Svetlin Rusev Ι Laurentius Russinger Ι Gunter Sachs Ι Jürgen Schäfer Ι Egon Schiele Ι Karl Schmidt-Rottluff Ι Bernard Schultze Ι Emil Schumacher Ι Anton Sohn Ι Kla wij Staeck Ι Volker Stelzmann Ι Franz von Stuck Ι David Teniers Ι Myriam Thyes Ι Hann Trier Ι Simon Troger Ι Werner Tübke Ι Dietmar Ullrich Ι Andy Warhol Ι Jacob Willemsz. de Wet Ι Su Xinping Ι Hanefi Yeter Ι Dmitry Zhilinsky Ι

Ondersteund door de Peter en Irene Ludwig Foundation, de Kunststiftung NRW, de Volksbank Rhein-Ruhr en de Vrienden van de LUDWIGGALERIE.

In oktober 1953 begon de Duitse tegenhanger van Mickey Mouse aan zijn triomftocht. Aanvankelijk gepubliceerd onder de titel Till Eulenspiegel, verschijnen twee jonge vossen genaamd Fix & Foxi al snel - aanvankelijk als ondersteunende personages - en worden meteen publiekslievelingen! De twee kregen al snel hun eigen tijdschrift en zijn inmiddels al lang een sekte geworden. Er ontstaat een levendige omgeving voor de vossentweeling: de lieve oom Fax, de inventieve Raven Knox, de conservatieve oma Eusebia, de slimme Lupinchen en de hebzuchtige en luie wolf Lupo wonen ook in het idyllische stadje Fuxholzen. Rolf Kauka heeft met zijn eigen figuren voor de lokale markt een heel imperium gecreëerd. De tentoonstelling illustreert de ontwikkeling van een cultmerk - van de eerste naturalistische tekeningen tot de creatie van de wereldberoemde stripfiguren Fix & Foxi. Net als Walt Disney tekent Kauka de personages niet zelf, maar heeft hij een hele groep illustratoren in dienst die onder het handelsmerk Kauka vallen. Vanaf de jaren zestig verschenen ook Frans-Belgische gelicentieerde series als Gaston, Astérix, de Smurfen, Lucky Luke, Robbedoes en Fantasio in de tijdschriften Fix & Foxi.

De tentoonstelling toont de grote kosmos van Rolf Kauka (1917-2000) in originele tekeningen, schetsen, documenten, hedendaagse tijdschriften, korte films en nog veel meer. Met meer dan 200 originele tekeningen is het de meest uitgebreide tentoonstelling tot nu toe.

De tentoonstelling is gebaseerd op het voorbereidende werk van Gottfried Gusenbauer, Karikatuurmuseum Krems en Dr. Gisela Vetter-Liebenow, Wilhelm Busch - Duits Museum voor Karikatuur en Tekenen, Hannover en werd herzien, aanzienlijk uitgebreid en aangevuld voor Oberhausen. In samenwerking met de nalatenschap van Rolf Kauka heeft Dr. Stefan Piëch en Your Family Entertainment AG.

Het onderwerp steenkool staat zeker niet centraal op het gebied van strips en tekenfilms, en toch zijn er een hele reeks ongebruikelijke standpunten. Met behulp van zeer verschillende benaderingen en implementaties vertelden de betrokken illustratoren verhalen over het ‘zwarte goud’.
‘De eenden in het Ruhrgebied’ zijn ondergronds, Hendrik Dorgathens ‘Stahlgolem’ en Ulf K’s ‘Hieronymus B.’ rapporteren over structurele veranderingen. Dachma herinnert zich het kolenstof in de lucht en Ulrike Martens heft de “Kohlibri” op. Isabel Kreitz neemt ons mee door didactische mijnbouw in de Middeleeuwen, Ralf Königs personages “Bodo en Heinz” concentreren zich op ondergrondse arbeidsveiligheid en Thorsten Wieser vertelt een fictieve kunstenaarsbiografie - van kolenhandelaar tot schildergenie en weer terug. Jamiri is blij met het tappen van staal, terwijl Ralf Marczinczik en Steff Murschetz de meer dan moeilijke productieomstandigheden rond 1900 bespreken. Maar Walter Moers en Florian Biege laten zien dat steenkool ook ver buiten het Ruhrgebied een rol kan spelen als ze je meenemen naar het verre koninkrijk Zamonia.
“Kumpel Anton”, getekend door Otto Berenbrock, en “Opa Hausen” van Dirk Trachternach verschijnen als speciale gasten.
Het feit dat de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen zijn specialiteit van de populaire galerie in de canon van de RuhrKunstMuseen kan nastreven en het onderwerp vanuit een tekenstandpunt vanuit een komisch perspectief kan observeren, laat zien hoe breed het bereik is dat de kunst- en museumscene in het gebied te bieden heeft.

+ Otto Berenbrock + Dachma + Hendrik Dorgathen + Moritz Götze + Jan Gulbransson + Jamiri + Ulf K. + Ralf König + Isabel Kreitz/Peter Mrozek + Ralf Marczinczik + Ulrike Martens + Walter Moers/Florian Biege + Steff Murschetz + Dirk Trachternach + Thorsten Wieser +

Brigitte Bardot met blonde manen, Yves Saint Laurent naakt en Mick Jagger met bontmuts: iconen uit de film-, mode- en muziekscene, gefotografeerd door supersterren als Richard Avedon, Bert Stern en Helmut Newton, weerspiegelen de levenshouding van de De jaren zestig en zeventig laten in de LUDWIGGALERIE de jaren herleven.
De unieke verbinding tussen verschillende disciplines van artistieke expressie dateert uit deze tijd: onder meer partij en politiek, mode en muziek, kunst en lichaamscultus worden in beeld gebracht door Warhol's Factory en de daar vertegenwoordigde New Yorkse scene. Warhol verheft de massamedia zelf tot kunst. Performance als uiting van het lichaam, zij het via muziek, dans of als artistieke handeling, beleeft een hoge fase. En mode, haar modellen en hun fotografische manifestatie worden in deze tijd van oogverblindende oppervlakkigheid als een gelijkwaardige kunstvorm beschouwd.
Fotografie speelt een onmisbare rol bij de vorming van het sterrenbeeld en geeft (soms geënsceneerde) inzichten in het privéleven. The Beatles, die plezier maken in een kussengevecht, Twiggy als het nieuwe androgyne supermodel en de sterren uit Hollywood weerspiegelen belangrijke momenten uit die tijd in indrukwekkende portretten. Uiteraard worden ook de donkere kanten van deze levensstijl, zoals zelfdestructieve excessen door drugs of alcohol, zichtbaar. Warhol beschrijft zelfspot de non-stop genotsverslaving van zowel de rijken en beroemdheden als kunstenaars als een sociale ziekte.
De tentoonstelling toont overwegend zwart-witfoto's en maakt indruk door de combinatie van werken van museumkwaliteit en sfeervolle paparazzi-opnamen. Meer dan 200 werken uit de Zwitserse Nicola Erni-collectie brengen de who's who van de celebrity-gemeenschap samen.

De tentoonstelling is ontworpen door Dr. Ulrich Pohlmann, Stadsmuseum/Fotografiecollectie München, en Ira Stehmann in samenwerking met de Nicola Erni Collectie.

Wie kent ze niet, de woordeloze bolneuzen die zoveel weten te vertellen via gezichtsuitdrukkingen, gebaren en interactie met de mensen om hen heen. Guillermo Mordillo, geboren in 1932 in Buenos Aires, beeldt zijn bolvormige figuren al tientallen jaren puntig af en bestrijkt een kleurrijk spectrum aan thema’s: mensen met hun kleine eigenaardigheden worden liefdevol in beeld gebracht, de liefde met zijn beproevingen en beproevingen, dieren met menselijke. Eigendommen, voetbal en golf, maar ook politieke motieven vinden hun weg naar de vaak surrealistische werelden van de kunstenaar.

In zijn foto's brengt hij niet alleen uiteenlopende dingen op surrealistische wijze met elkaar in harmonie, maar laat hij zijn personages ook de grote en kleine obstakels van het dagelijks leven met gemak overwinnen. Trouw aan zijn gezegde: ‘Humor is de geest die pirouettes maakt te midden van de eeuwige dans van het leven’, gebruikt Mordillo deze humor om wereldmoeheid en melancholie in tegenstellingen te veranderen, waardoor de kijker de kans krijgt om het pessimisme van het dagelijks leven tegen te gaan. met optimisme.

Ruim 150 van zijn zelden getoonde originelen zijn in de tentoonstelling samengebracht en geven inzicht in het werk van de internationaal actieve kunstenaar, die talloze prijzen heeft gewonnen. Beelden uit creatieve fasen in Buenos Aires, Lima, New York, Parijs en Monaco bieden een overzicht van zijn uiteenlopende werk.

Voor het eerst in 25 jaar toont een uitgebreide tentoonstelling in een Duits museum een ​​retrospectieve selectie van zijn originelen. Naast enkele zwart-wittekeningen uit de beginjaren hebben tal van actuele, kleurrijke beelden hun weg gevonden naar de LUDWIGGALERIE.

In samenwerking met het Krems Karikatuurmuseum en Guillermo Mordillo.

Met de New Yorkse fotograaf Sam Shaw (1912–1999) presenteert de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen opnieuw een van de grote beeldmakers van de 20e eeuw. Zijn vaak spontane motieven verwerven wereldfaam en schrijven fotografiegeschiedenis. De opname van Marilyn Monroe uit The Seven Year Itch met de hoogvliegende plooirok is tot op de dag van vandaag een van de meest gereproduceerde beelden.
Sam Shaw's carrière begon als fotograaf voor Collier's magazine. Bekendheid verwierf hij met het rapport How America Lives, dat de uiteenlopende gezichten van het alledaagse Amerikaanse leven in de jaren veertig laat zien - ver weg van de glitter en glamour van zijn latere Hollywood-foto's.
De portretten van sterren, kunstenaars en intellectuelen van deze tijd vullen talloze covers van tijdschriften als Life en Look en bepalen nog steeds ons visuele geheugen.
De film is het grote model voor zijn opnames. Er zijn vaak ongebruikelijke kijkhoeken die doen denken aan camera-instellingen voor filmsequenties. De extra belangstelling voor schilderkunst komt niet alleen tot uiting in kunstenaarsportretten, maar ook in bijna schilderkunstige foto's gemaakt met lenzen met een lange brandpuntsafstand. De foto's zijn verhalend en vaak als serie vormgegeven. Of hij nu Sophia Loren vergezelt op een dagje filmen of kinderen volgt die met de camera spelen.
In samenwerking met de Shaw Family Archives, New York is in Oberhausen een uitgebreid overzichtstentoonstelling met ongeveer 230 zwart-witfoto's te zien. Naast de klassiekers worden de thematische aandachtspunten uit zijn 60 jaar werk belicht op gebieden als sport, portretten, misdaad en film.

Kunst en winkelen, twee zaken die nauw met elkaar verbonden zijn en toch ver uit elkaar lijken te liggen. Bij de overgang van de middeleeuwen naar de moderne tijd ontpopte Albrecht Dürer zich als een van de eerste kunstondernemers. De mode van de kunstmarkt is door de eeuwen heen te zien in het overschilderen of herinterpreteren van thema's. De kwestie van origineel, kopie en namaak komt steeds weer terug. Grote speculatieve zeepbellen zoals de Tulpomania van de 17e eeuw combineren de kunst- en geldmarkten.

De 20e eeuw zette vervolgens alle tradities op zijn kop. Marcel Duchamp verklaart industriële goederen tot kunst, Andy Warhol en de vertegenwoordigers van Pop Art nemen supermarktproducten op in hun foto's. En het gedrag van mensen tijdens het winkelen wordt niet alleen getoond in de fotoserie van Rudolf Holtappel Mensen in het warenhuis waargenomen. Toen Gerhard Richter in zijn schilderij moeder en dochter Terwijl Brigitte Bardot met haar moeder lijkt te winkelen, wordt het thema winkelen hier gecombineerd met de duurste schilder op de huidige kunstmarkt.

De jaren zestig probeerden barrières te slechten met nieuwe vormen zoals multiples en editieprenten en een verbinding te creëren tussen kunst en leven met de vraag naar ‘kunst voor iedereen’. Maar de kloof wordt steeds groter, de kunstmarkt explodeert al jaren en zelfs de financiële crisis heeft geen effect op dit fenomeen gehad. Kunstenaars maken zich ook zorgen over het feit dat kunst “het duurste luxeartikel in onze cultuur” is geworden (Piroschka Dossi). Er zijn ook kritische standpunten over het algemene consumentengedrag en geld, het betaalmiddel voor kunst en luxe, wordt ook onderdeel van de werken of dragers van de beelden.

Deze brede tentoonstelling, die werken uit de 15e eeuw tot nu samenbrengt, van kopergravures tot video-installaties, werpt nu voor het eerst in deze vorm licht op het brede veld dat kunst en winkelen met elkaar verbindt.

Wij associëren Donald Duck, Mickey Mouse en hun – net als Oom Scrooge – vaak zeer onafhankelijke vrienden en familieleden met de grote Walt Disney en zijn enorme fabriek. Maar wie waren de kunstenaars achter het Disney-imperium die de personages en hun werelden uitvonden en de Duckburg-kosmos ontwikkelden?
De tentoonstelling in Oberhausen presenteert de drie oude meesters: The Mouse Man Floyd Gottfredson, die het Mausiverse naar ons op aarde bracht; Al Taliaferro, de nog grotendeels onbekende illustrator van het dagblad, stript met Donald en verloskundige van de neven Huey, Dewey en Louie en vele andere familieleden. Evenals de zeer gerespecteerde oprichter van Entenhaut en vader van talloze personages zoals Uncle Dagobert, Daniel Jet Gear en de Tank Crackers, Carl Barks.
Maar de verhalen gaan verder na de dood van deze drie grote illustratoren, en dit is ook het onderwerp van de Oberhausen-presentatie. De uit Duitsland afkomstige Ulrich Schröder tekent inmiddels verhalen en vooral covers over muizen en eenden. De Duitser Jan Gulbransson en de Amerikaan Don Rosa lieten Donald zijn driftige avonturen voortzetten en baden in geld met Oom Dagobert. Bezoekers kunnen zich nu onderdompelen in de kosmos van Duckhausen>>>>Oberhausen>>>> aan de hand van originele tekeningen en prenten, waarvan er vele voor het eerst aan het publiek worden getoond.
De tentoonstelling is een van de meest uitgebreide presentaties over Donald, Mickey en hun illustratoren tot nu toe. In samenwerking met de Ina Brockmann en Peter Reichelt Collectie, Mannheim.

Regina Relang (Stuttgart 1906 – 1989 München) begon haar fotografische carrière in Parijs in de jaren dertig. Haar eerste successen vierde ze met reportagefoto's gemaakt tijdens haar reizen door Zuid-Europa. Het fysiek zware werk van de dragers in de haven van Porto wekt haar interesse, evenals een traditionele Macedonische bruiloft in Galičnik. In de naoorlogse periode werd Relang de belangrijkste modefotograaf van Duitsland. Tot haar klanten behoren bekende modeontwerpers als Christian Dior, Pierre Cardin en Yves Saint Laurent, en haar foto's zijn te zien in hedendaagse modetijdschriften als Constanze, Mevrouw of Film en vrouw afgedrukt.

In haar foto's, die treffend worden omschreven als 'etalage in beweging', combineert ze mode op een eigenzinnige en ongebruikelijke manier met alledaagse situaties. De ruïnes van het verwoeste München dienen als decor, evenals de kleurrijke en levendige stedelijke drukte van internationale modemetropolen. Met haar eigen fotografische stijl overwint Relang de grenzen tussen mode- en reportagefotografie. Ze integreert de nieuwste collecties in een alledaagse context of ensceneert haar modellen als stermannequins in de geest van de glamoureuze filmwereld. In de jaren zestig veranderde haar fotografisch perspectief en fotografeerde ze steeds vaker in de studio.

De tentoonstelling varieert van de vroege reisreportages uit de jaren dertig, over de modefotografie uit de naoorlogse periode tot de foto's voor glossy magazines als De dame of MODE. Het presenteert Relangs levenswerk en weerspiegelt tegelijkertijd de geschiedenis van de Duitse modefotografie gedurende een halve eeuw.

Deze tentoonstelling is de eerste keer dat een selectie uit de nalatenschap van Regina Relang uit de fotocollectie van het Stadsmuseum van München buiten Zuid-Duitsland te zien is.

In samenwerking met het Suermondt-Ludwig-Museum Aachen is de tentoonstelling opnieuw gewijd aan een belangrijk stuk uit de Peter en Irene Ludwig-collectie. Het eikenhouten paneel, gemaakt rond 1475 en toegeschreven aan de meester van de Calvarieberg in Sinzig, behandelt het zeldzame onderwerp paneelschilderen ars bene moriendi, de centrale vraag hoe je in de middeleeuwen op de juiste manier kunt sterven.

Voor het eerst wordt dit paneel nu stilistisch en iconografisch gedetailleerd onderzocht en ingedeeld in het onderwerpgebied van de goede dood en de voorbedenvoorstelling (voorbeden van Maria en Christus), die in deze afbeelding met elkaar verbonden zijn. Andere waardevolle leningen zoals de unieke ars moriendi-Blokboek van het Gutenberg Museum in Mainz of de representatie van de Arme Lazarus uit de Marks-Thomée-collectie complementeren deze geconcentreerde tentoonstelling in één kamer met aanvullende bruiklenen van het Suermondt-Ludwig Museum.

Een parallelle presentatie bij de tentoonstelling Amerikaanse pop-art toont de verbanden in de inhoud die op het eerste gezicht verbazingwekkend lijken. De spandoeken van dergelijke middeleeuwse panelen, die hier voor het eerst voor deze show worden getranscribeerd, zijn de voorlopers van de tekstballonnen die zo typerend zijn voor strips. Ze bieden ook oriëntatie door leesrichting en verbinding met de personages. Zonder dit zijn de implementaties van Roy Lichtenstein ondenkbaar. En ook in Pop Art speelt het thema de dood een centrale rol – denk maar aan die van Andy Warhol Dood en ramp-Serie.

Met de komst van Pop Art in Amerika werden niet alleen alledaagse motieven zoals strips, vlaggen of soepblikken kunstwaardig. Ook de kwestie van het origineel en de cultus van het genie wordt besproken – in de geest van het navolgen van Marcel Duchamp – en leidt er onder meer toe dat kunstenaars hun zeefdrukken gaan gebruiken, maar ook objecten ar meerdere, als meesterwerken en masse. Kunst voor iedereen is het motto dat leidt tot eigen expressie en eigenzinnige vormen.

Het Wilhelm Hack Museum in Ludwigshafen herbergt een prachtige collectie werken uit de jaren zestig en zeventig, waaronder de collectie van de Düsseldorfse advocaat Heinz Beck. Het bijzondere aan deze collectie ligt in Becks voorliefde voor edities en multiples, die op indrukwekkende wijze het verlangen van de tijd naar gedemocratiseerde kunst weerspiegelen. Voor het eerst toont de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen een selectie Amerikaanse pop-art die de bijzondere aanpak illustreert, niet alleen van een centrale figuur als Andy Warhol. Edities zoals 7 in een doos van 1966 oder tien van Leo Castelli uit 1967/68 geven inzicht in kunstenaarsvriendschappen en kunstmarktgedrag.
Arman (Armand Fernandez), Art Workers Coalition, Richard Bernstein, Christo, Robert Cottingham, Allan D'Arcangelo, Jim Dine, Don Eddy, Richard Estes, Hans-Dietrich Froese, Ralph Goings, Robert Graham, Eila Hershon, Robert Indiana, Alain Jacquet, Jasper Johns, Howard Kanovitz, Allan Kaprow, Alex Katz, Edward Kienholz, RB Kitaj, Roy Lichtenstein, Liliane Lijn, Robert W. Munford, Lowel B. Nesbitt, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, James Rosenquist, Edward Ruscha, George Segal, Robert Stanley, Alan Turner, Andy Warhol, Tom Wesselmann

Ralph Ruthe, Joscha Sauer en Flix (Felix Görmann) geven al jaren vorm aan de Duitse strip- en cartoonscene en laten in hun werk duidelijk de overgangen en grenzen van het medium zien.

Ralph Ruthe staat vooral bekend om zijn dagelijkse catastrofes die de hoofdrolspelers teisteren Shit gebeurt gebeurd, bekend. Een rijk repertoire aan dieren – of het nu koeien, hamsters, gieren of leeuwen zijn – ervaren tegenslagen verteld in tekenfilms, waarbij bomen en de dood vooral opvallen als karakters. Ruthe werkt al een tijdje intensief met bewegende beelden. Van zijn tekenfilms maakt hij animatiefilms, die hij zelf voorziet van stemmen, geluid en muziek. Momenteel heeft hij een podiumprogramma ontwikkeld waarmee hij tijdens de tentoonstellingsperiode door Duitsland zal toeren.

NOTLUSTIG van Joscha Sauer is inmiddels een cult en handelsmerk geworden. Een divers personeelsbestand bevolkt zijn cartoons. Naast de suïcidale lemmingen krijgen de Yeti's en de heer Riebmann, die in een muur leven, voortdurend aandacht, net als de Dood en zijn poedel, fecalini, ninja's, aliens en de wetenschappers Wilson en Pickett. Ook voor Sauer spelen bewegende beelden een steeds belangrijkere rol; momenteel werkt hij aan een animatiefilmreeks. Alle drie de artiesten plaatsen regelmatig nieuwe cartoons en strips op hun websites.

Dit is wat Flix onder de titel presenteert Helden dagen kleine alledaagse situaties, meestal gerangschikt in vier vakjes, op internet. Terwijl Ruthe en Sauer de cartoon, dat wil zeggen het enkele beeld, als medium kozen, tekent Flix uitgebreide strips die soms gebaseerd zijn op literaire modellen. Faust of Don Quixote worden hier op zeer originele wijze naverteld. De Mooie dochters, dat momenteel als boek wordt gepubliceerd ter gelegenheid van de tentoonstelling, weerspiegelt ook observaties van het dagelijks leven, net als veel van zijn andere verhalen. En Ferdinand de verslaggevershond hij geeft regelmatig toe Jouw spiegel Uiterlijk en karakter, terwijl Ralph Ruthe de verhalen bedenkt.

Structureer en verbind, scheid en knip wegen, waterwegen, spoorlijnen en bovengrondse leidingen. Zij zijn de centrale ontwerpkenmerken van het Ruhrgebied. Deze grote corridors bepalen het beeld van de regio en geven momenteel aanleiding tot discussie. Is de bouw van elektriciteitsmasten een indicator van de energietransitie of een vertekening van een landschappelijk panorama? Betekent een directe snelwegverbinding mobiliteit en moderniteit of lawaai en gevaar? Verschillende ruimtelijke profielen duiden op beschadigde landschappen, renaturatie en structurele veranderingen. Deze tentoonstelling onder de uitdagende titel GREEN CITY visualiseert het ongewone en complex met elkaar verbonden landschap van het Ruhrgebied door een artistiek oog. De onderwerpen ecologie, klimaat, milieubescherming en energie zijn niet alleen sociaal-politiek belangrijk, maar spelen ook al lang een centrale rol in het werk van talloze kunstenaars.

De LUDWIGGALERIE presenteert een spectrum van dit eigenzinnige artistieke streven, met werk van zowel regionale kunstenaars als internationaal gerenommeerde posities. Kritisch onderzoekende werken tonen rivieren en straten. Instellingen in de buitenruimte geven het landschap sculpturaal of met kleur vorm. Fotoseries kijken naar het terugwinnen van ruimtes door de natuur. We werken met natuurlijke en industriële materialen, genreoverschrijdend en experimenteel. Zelfs de eigenlijk onzichtbare elektrische stroom kan een kunstobject worden!
Kunstwerken in de directe omgeving van de LUDWIGGALERIE stellen de museumruimte ook open voor de omgeving.

Deze uitgebreide overzichtstentoonstelling presenteert het werk van een van de meest vooraanstaande Duitse fotografen. Halverwege de jaren zeventig ontdekte Herlinde Koelbl, die in de buurt van München woonde, haar passie voor fotografie. Vanaf het allereerste begin waren haar bijzondere gevoel voor mensen, eigenzinnige onderwerpen en haar aanpak voor het werken in langetermijnprojecten duidelijk zichtbaar. De Duitse woonkamer was haar eerste gepubliceerde boek in 1980 en is nu een van de klassiekers uit de Duitse fotografiegeschiedenis. Meer dan een dozijn delen volgden, evenals talrijke prijzen, internationale onderwijsposities en tentoonstellingen.
Maar het zou te kortzichtig zijn om Herlinde Koelbl uitsluitend als fotograaf te zien. Veel van haar projecten omvatten uitgebreid tekst- en interviewwerk. Films en video-installaties vervolledigen haar werk. Al bij De Duitse woonkamer zij laat de geportretteerden aan het woord. Beide Joodse portretten uit 1989 zijn de alomvattende antwoorden van de “laatste generatie Joodse Duitsers die in de vruchtbare Duits-Joodse symbiose geboren zijn – en vervolgens getuige moesten zijn van de vernietiging ervan” een onlosmakelijk onderdeel van het werk en getuigen van vragen over traditie, vaderland of religie. De diepe interesse van Herlinde Koelbl in mensen komt ook duidelijk naar voren in de serie kinderen, mannen of Sterke vrouwen. Misschien wel haar bekendste project is het langlopende onderzoek Traces of Power. In 1991 begon ze aan deze achtjarige studie en observeerde tijdens haar jaarlijkse bezoek hoe ambt en verantwoordelijkheid, publieke aandacht en druk om te slagen mensen veranderden. De beelden van Joschka Fischer, Gerhard Schröder en vooral Angela Merkel zijn niet meer weg te denken uit het Duitse beeldgeheugen.

“Krabkat! – vol verraad / Een gat in de brug.” In de herfst van 1864 voltooide Wilhelm Busch zijn beroemdste beeldverhaal: Max en Moritz. Deze slechte jongensgrappen worden nu gezien als de geboorte van Duitse strips. Met de ene slag na de andere toont de LUDWIGGALERIE nu het eerste grootschalige overzicht van de geschiedenis en ontwikkeling van het stripverhaal in Duitstalige landen. Verdeeld in 15 hoofdstukken (grappen) worden de favoriete strips van de Duitsers gepresenteerd in bijna 300 originele tekeningen en meer dan 60 eerste afdrukken.
vader en zoon, Nick Knatterton, Fix en Foxy, Mecki of Strizz bevolk vervolgens kasteel Oberhausen. Ralf König is bij ons De bewegende mens net zo vertegenwoordigd als de cultfiguur van Walter Moers Kleine lul. Bovendien biedt dit eerste stripoverzicht spannende inzichten in de lokale stripscene van vandaag. Avantgardewerken van Hendrik Dorgathen en Anke Feuchtenberger worden gevolgd door de artistiek ambitieuze graphic novels van Isabel Kreitz en Reinhard Kleist. Ook de nieuwste ontwikkelingen, zoals Duits gas naar Japans model, superheldenstrips voor de Amerikaanse markt en webstrips, maken deel uit van de tentoonstelling.
Ze maken duidelijk dat Duitstalige strips vandaag de dag diverser en kwalitatief hoogwaardiger zijn dan ooit tevoren. In 150 jaar tijd heeft het voortdurend aan innovatiekracht gewonnen.

Eve Arnold (1912 – 2012) is een van de belangrijkste fotografen van de 20e eeuw. Eind jaren veertig begon ze haar fotocarrière als autodidactisch fotograaf met een Rolleicord-camera en sloot zich in 1940 - als een van de eerste vrouwen - aan bij het legendarische fotoagentschap MAGNUM. Ze werd beroemd door haar bijzondere modefoto's in Harlem en haar politieke reportages. Maar ook de gevoelige observaties van het leven dat net begint en de foto's van haar reizen naar Afghanistan, China en India demonstreren haar unieke en diephumanistische beeldtaal.
Naast de reisfoto's zijn het vooral de gevoelige portretfoto's van filmsterren als Marlene Dietrich, Marilyn Monroe en Joan Crawford waarmee Eve Arnold fotografiegeschiedenis schreef. Ze fotografeert Monroe en Co. al meer dan vijftig jaar.
Eve Arnold maakt indruk als een rustige en gevoelige waarnemer die altijd een stap achteruit doet bij haar fotografische onderwerpen om het 'beslissende moment' vast te leggen - in de geest van Henri Cartier-Bresson. Haar foto's verschijnen in grote en bekende foto- en modebladen als Harper's Bazaar, Vogue en LIFE. De LUDWIGGALERIE wijdt nu een uitgebreid retrospectief aan de grande dame van de fotojournalistiek, die in 2012 kort voor haar honderdste verjaardag in Londen stierf. De focus van de Oberhausen-show ligt op de reisfoto's uit Afghanistan, China, India en Zuid-Afrika, evenals haar fotografische portretstudies van Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Joan Crawford, Isabella Rossellini en andere bekende gezichten van de 100e eeuw.

Zelfs tijdens zijn leven was Andy Warhol populairder dan vrijwel welke andere kunstenaar dan ook: hij creëerde symbolen en iconen die nog steeds geldig zijn, en zijn visuele esthetiek heeft een blijvende impact op het dagelijks leven. Geïnspireerd door de massamedia en de alledaagse cultuur, gaf Warhols werk vanaf de jaren zestig beslissende impulsen voor de ontwikkeling van de kunst. Tegelijkertijd met Roy Lichtenstein gebruikte Warhol voor zijn kunst motieven uit de gedrukte media en massaproductieproducten zoals Campbell's soepblikken. Hij haalt alledaagse voorwerpen uit hun omgeving, plaatst ze prominent in beeld en transformeert zo alledaagse dingen tot kunst. Zijn motieven vindt hij in actuele media, kunstgeschiedenis, architectuur of natuur. Gedurende deze tijd ontdekte Warhol het zeefdrukproces. Alleen door middel van zeefdruktechnologie is het voor de kunstenaar mogelijk om alle handgeschreven kenmerken uit zijn werk te verwijderen, waardoor hij zich losmaakt van de traditionele schilderkunst en toch zijn onmiskenbare stijl kan ontwikkelen.
Centraal in de tentoonstelling staan ​​de prenten van Warhol, vooral die uit zijn vroege jaren. Binnen de tentoonstelling presenteren prenten als Electric Chair, Campbell's Soup en de Flash-portfolio, portretten van Marilyn, Mao en de Annunciatie naar Leonardo da Vinci Warhols buitengewone manier van werken. De tentoonstelling richt zich vooral op de graficus Warhol, maar omvat ook canvaswerken zoals Portrait of a Lady. Er wordt ook verwezen naar zijn aanwezigheid binnen de muziekscene van die tijd en naar de filmmaker Warhol. Je kunt de platenhoezen zien die hij ontwierp, evenals originele scripts. De documentairefoto's van Leo Weisse, gemaakt in 1971, maken de zelf-enscenering van de kunstenaar tastbaar. De fotograaf vergezelde Warhol op zijn promotietour voor de film Trash in Duitsland.

Haar heeft al duizenden jaren een bijzondere fascinatie voor mensen van alle culturen. Of het nu werd beschouwd als de zetel van de ziel, de menselijke levenskracht symboliseerde of diende als centrale drager van erotische boodschappen. Haar speelt een bijzondere rol in alle religies van de wereld; het toont nederigheid door het haar te scheren of vergroot de band met God door echt haar te gebruiken op kruisbeelden in de christelijke middeleeuwen. Vruchtbaarheid of krachtverlies wordt weerspiegeld in het weelderige of geknipte haar. Status, geslacht of groepslidmaatschap wordt gesignaleerd door het open of bedekte haar met kapsel of de vorm van de kap. De kleur van het haar varieert van het rood van de verraderlijke Judas en het heksengebroed tot het verleidelijke blondine van Maria Magdalena en Marilyn Monroe tot het diepe zwart van de femme fatale. De sloten van dierbaren werden bewaard als teken van vriendschap. De kunst van de 20e en 21e eeuw is het herontdekken van haar. Haar is weerzinwekkend geënsceneerd of gericht op verlangen, verbazingwekkend in een gebroken context of passend in het dagelijks leven. Haar kan nu in veel verschillende vormen voorkomen. Er lijken geen grenzen te zijn aan de metamorfosen.
Gebaseerd op de rijke bezittingen van de Peter en Irene Ludwig-collectie, laat de show zien hoe kunstenaars haar door de eeuwen heen hebben geïnterpreteerd. Dit tentoonstellingsproject houdt in het bijzonder rekening met het idee van Peter en Irene Ludwig om hun kunstwerken voortdurend in een nieuwe context te plaatsen en te combineren met andere werken uit andere collecties.

Arthur Fellig (1899–1968), die het zelfverzekerde synoniem Weegee – The Famous adopteerde, is een van de ongebruikelijke posities in de Amerikaanse fotografie van de jaren dertig, veertig en vijftig. Hij werd beroemd door zijn nachtelijke foto's van brandrampen, ongelukken en moorden, maar ook door zijn observaties van daklozen en bandieten. In 1930 emigreerde het gezin uit Zloczew in het huidige Polen naar Amerika. Na diverse ongeschoolde werkzaamheden en donkerekamerwerk werd hij halverwege de jaren dertig zelfstandig ondernemer als persfotograaf. In 40 was hij de eerste die het voorrecht kreeg officieel mee te luisteren op de politieradio. Hij installeert het apparaat in zijn auto en is vaak voor de politie op de plaats delict. Achterin de auto richt hij een geïmproviseerde donkere kamer in, zodat zijn foto's doorgaans als eerste verslag doen van moord en doodslag, brand en prostitutie. Dit soort werk maakte hem tot een van de beroemdste visuele kroniekschrijvers van dit brute tijdperk, dat nog steeds zwart-wit was.
De beelden worden gekenmerkt door harde verlichting met angstaanjagende directheid en drastisch realisme. Zijn heldere flits creëert vaak ‘bleke nachtfiguren’, waardoor de duisternis visueel wordt benadrukt als zijn voornaamste werktijd.
In ruim honderd foto's presenteert de tentoonstelling deze realist, die een voorbeeldige en vormende figuur was voor vele latere fotografen, regisseurs en filmmakers. Weegee noemde zijn eerste tentoonstelling tijdens zijn leven “Murder is my business”. Naast beelden van plaats delict en daders brengt de show in Oberhausen ook beelden samen van beroemdheden en sterren als Jackie Kennedy en Salvador Dali.

Cornelia Funke is een van de grote Duitse verhalenvertellers - zowel met woorden als met een pen. De opgeleide illustrator begon haar carrière met tekeningen voor teksten van anderen, besefte al snel dat ze net zo goed (of beter) verhalen kon verzinnen en ging steeds meer schrijven. Haar eigen verhalen begonnen eind jaren tachtig met No Cookie for Goblins en andere kinderboeken. Series als Ghostbusters of The Wild Chickens maakten haar favoriet bij een jong publiek. Ze werd internationaal bekend met The Lord of Thieves en uiteindelijk de trilogie over de inktwereld.
Hoewel ze haar tekeningen de afgelopen jaren heeft beperkt ten gunste van het schrijven, laten de originelen duidelijk zien wat een fantasierijke uitvinder van beelden ze is. De vroege illustraties zijn meestal zwaar gekleurd en rijk aan figuren; in de latere boeken beperken ze zich vaak tot - zeer fijne - zwarte inkt- of krijt- of grafiettekeningen die de hoofdstukken inleiden; Het geadopteerde thuisland Amerika van de inwoner van Dorsten wordt visueel weerspiegeld in enkele van haar nieuwste tekeningen.
Voor het eerst wordt het grafische werk van Cornelia Funke gepresenteerd, van het begin tot de meest actuele werken van Reckless, vergezeld van een uitgebreide catalogus. Hier wordt duidelijk dat Cornelia Funke een van de zeldzame dubbeltalenten is die mensen op een fantasierijke en originele manier meeneemt naar nieuwe werelden door middel van woord en beeld. Ze inspireert niet alleen kinderen en jongeren, maar boeit ook een volwassen publiek. Talrijke verfilmingen van haar boeken openen nieuwe werelden van beeldtaal in dit medium.

De personages van Ulf K. zijn lieve buitenstaanders die in hun eigen verbeelding geloven. Zijn verhalen besmetten je met een fascinatie die moeilijk te weerstaan ​​is.
De tekenaar en illustrator, geboren in 1969 in Oberhausen onder zijn echte naam Ulf Keyenburg, is een van de meest gerenommeerde in Duitsland. In 2004 werd Ulf K. op de internationale stripsalon in Erlangen bekroond met de Max und Moritz-prijs als beste Duitstalige striptekenaar. Zijn publicaties verschijnen wereldwijd.
Ulf K. werd vooral beïnvloed door Frans-Belgische strips, zoals Kuifje van Hergé, maar ontwikkelde al snel een eigen stijl. Zijn stijl is zeer herkenbaar dankzij de heldere en gereduceerde lijnen en de vlakke, monochrome kleurstelling in de traditie van de ligne claire.
Zijn strips verspreiden vaak een licht morbide tot melancholische sfeer of hebben zelfs de dood als hoofdpersoon, zoals in de onlangs herdrukte. Tango de la Mort (2000/2012). Vaak zijn ze gekruid met een vleugje zwarte humor.
Hij maakt geïllustreerde verhalen, maar ook verhalen die zonder woorden werken. Het spectrum varieert van strips voor volwassenen tot kinder- en schoolboeken en prentenboeken voor kinderen van twee tot vier jaar.
De tentoonstelling presenteert het werk in zijn geheel met ruim 200 gekleurde originelen, handtekeningen en schetsen. Zowel vroege tekeningen als het stripalbum worden getoond De maankijker, dat in 1998 in eigen beheer werd uitgegeven, evenals de kinderboekenreeks die momenteel wordt geproduceerd door Gerstenberg Verlag.

Marilyn Monroe is een van de meest gefotografeerde vrouwen ter wereld. Ze werd al op jonge leeftijd ontdekt als model. In 1949 veroverde Tom Kelley de charmes van de jonge Marilyn, die echter pas werden doorgegeven tijdens een zeer succesvolle kalender in 1952. In 1953 haalde een van de foto's zelfs de centerfold van het eerste nummer van Playboy.
Milton H. Greene ontmoette Marilyn dit jaar nog. De twee werden een paar jaar goede vrienden en richtten het gezamenlijke bedrijf Marilyn Monroe Productions Inc. op. In 1953 kreeg Greene de opdracht om Marilyn te fotograferen voor het kerstnummer van Look. Er zouden nog talloze foto's worden gemaakt totdat het contact in 1957 werd verbroken, waarschijnlijk rond de tijd van zijn huwelijk met Arthur Miller.
Centraal in de tentoonstelling staan ​​de foto's van Bert Stern, die in 1962, slechts enkele weken voor Marilyns dood, een fotoshoot uitvoerde voor Vogue getiteld De laatste zitting bekend werd. De foto's van Stern presenteren Marilyn met een angstaanjagende dichtheid en soms grote intimiteit. De laatste foto van deze shoot, gemaakt door Stern's assistent Leif-Eric Nygård, maakt de serie compleet.
Ook het tijdschrift Cosmopolitan was in de zomer van 1962 geïnteresseerd in de actrice. George Barris voert namens haar een driedaagse shoot uit op het strand van Santa Monica, waarvan de foto's te zien zijn met de wollen trui. En ten slotte zouden de foto's van Allan Grant voor het glossy magazine Life tot de laatste foto's van Marilyn behoren en hier worden weergegeven met een prominent voorbeeld.
Een tentoonstelling in samenwerking met Ina Brockmann en Peter Reichelt, Mannheim.

Het zal privé zijn! – De LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen durft een kijkje te nemen in de woonkamer, de keuken, de badkamer en ook de slaapkamer. Wonend in het Ruhrgebied denken veel mensen nog steeds aan arbeidersnederzettingen en de barok in Gelsenkirchen. Deze show laat zien hoe diverse en multiculturele kunstenaars de metropool Ruhr zien. Niet de cultuurhistorische benadering is van belang, maar juist de artistieke blik van, door en achter sleutelgaten.
Volle kamers en lege kamers, kamers die door mensen zijn ontworpen en kamers waarin objecten een eigen leven lijken te leiden, dit alles kan op soms vreemde manieren worden waargenomen. Anna en Bernhard Blume experimenteren in die van hen Getrouwd thuis. Julia Arztmann en Barbara Deblitz verwarren mensen met mysterieuze voorwerpen uit het veronderstelde dagelijkse leven. Mischa Kuballs Nieuwe Pot en de serie buurt van Sebastian Mölleken en Oliver Blobel onderzoeken het onderwerp thuis. Laurenz Berges en Jörg Winde daarentegen worden geconfronteerd met verlatenheid en leegte.
En ook op het gebied van film – in samenwerking met de blicke Filmfestival van het Ruhrgebied – er ontstaan ​​nieuwe inzichten in wat bekend lijkt. De Unie Cultuur in de toren werkt aan een installatie die speciaal voor de tentoonstelling is gemaakt.

Met behulp van de beste snijtechniek onthult de ivoren pad zijn angstaanjagende boodschap: de vergankelijkheid van het leven, het verval van het vlees. Het krioelende ongedierte getuigt van de zondigheid van de mens. Padden en slangen vertegenwoordigen helse wezens, de vliegen – het spul van de duivel – nemen zelfs de plaats van het hart in. Het lichaam is ingebed in een doos versierd met inlegwerk in ivoor en ebbenhout, waardoor zelfs als het deksel gesloten is, door de opengewerkte zijwanden kan worden gekeken. De kabinetstentoonstelling is gewijd aan dit unieke werk van herinneringscultuur uit de collectie Peter en Irene Ludwig.
De kostbare ivoren waggel wordt aangevuld door de driedimensionale weergave van de Bazelse Dodendans. De zogenaamde Zizenhausen-figuren, kleine sculpturale groepen gemaakt van klei, tonen op levendige wijze wat waarschijnlijk de meest populaire en bekende middeleeuwse dodendans is. De dood stopt niet bij de koning of de monnik, noch bij de hertogin, noch bij de schilder.
Talrijke grafieken, waaronder die van kunstenaars als Albrecht Dürer, Hans Holbein, Hendrick Goltzius en Marco, laten zien hoezeer men zich in de vroegmoderne tijd en de eeuwen daarna bezighield met de thema’s dood en verlossing, verdoemenis en wederopstanding en hoe dit in zijn werk ging. weerspiegeld in afbeeldingen Dente of Matthias Merian. Het prachtige botje vindt hier zijn ziekelijke context.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Schnütgen Museum in Keulen, het Suermondt-Ludwig Museum in Aken en de Grafische Collectie Mens en Dood van de Heinrich Heine Universiteit in Düsseldorf.

De leugens van de kapitein met de blauwe vacht zijn net zo legendarisch als het politiek incorrecte gedrag van de jongen die het kleine klootzak al op zijn naam heeft staan. En met het personage Adolf, het nazivarken, doorbreekt hij het laatste grote taboe: Walter Moers, illustrator en auteur met uitbundig vernuft. Moers leeft zijn grenzeloze verbeeldingskracht uit op zijn nieuwe continent, dat hij Zamonia noemt en dat hij bevolkt met veel verschillende bestaansvormen zoals Cichliden en Eydeetes, Fhernhachen en Wolpertingers, Buchlingen en Shark Maggots of Scratches and Scares. Een universum van een bijzondere klasse die literatuur en lezen, spelen met woorden en zinnen, als een van de hoofdthema's heeft gekozen. De beelden van dit eigenzinnige fantasierijk geven een diep inzicht in de verbeeldingskracht van de dubbelgetalenteerde auteur en laten net als zijn teksten een groot repertoire aan kunsthistorische en literaire kennis zien.
Walter Moers heeft zijn grote interesse in het spinnen van zeemansgaren al getoond met een van zijn eerste personages, de blauwe beer opa en zijn drie kleinkinderen voor de show met de muis. Naast deze werken voor televisie werd Moers bekend door zijn strips, vooral The Little Asshole. Een gereduceerde tekenstijl met enorme neuzen is het handelsmerk van Moer. Eind jaren negentig keerde hij zich af van het stripverhaal, daarna werd alleen Adolf - De Bonker getekend, begeleid door een videoclip.
Voor het eerst wordt nu een tentoonstelling gewijd aan het werk van de in 1957 in Mönchengladbach geboren illustrator en auteur Walter Moers, in al zijn facetten. Ruim 200 werken in de vorm van tekeningen, schetsen, schilderijen, sculpturen, poppen en films, inclusief ongepubliceerde werken, presenteren een van Duitslands belangrijkste verhaalmakers in zijn mediabereik.

De bekende Magnum-fotograaf Elliott Erwitt, geboren in 1928, toont een overzicht van zijn werk in de LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Honden en kinderen, groepen en naakte mensen, musea en landschappen – niemand is veilig voor zijn ironische en humoristische blik. In bijna 140 foto's geeft de tentoonstelling inzicht in alle fases van het werk. De bekende hondenfoto's die iconen van de fotografie zijn geworden, worden vertegenwoordigd, maar ook onderwerpen die nog ontdekt moeten worden. Dat de blaffende viervoeters een heel bijzondere rol spelen in zijn oeuvre was – naast Elliotts persoonlijke voorkeur – gebaseerd op een opdracht voor een modeserie over damesschoenen. Hij besloot de foto's vanuit het perspectief van de honden te maken, omdat niemand zoveel schoenen zou zien als de honden.
“Ik meen het niet serieus te zijn”, zegt Erwitt over zichzelf. Talrijke reizen brachten hem over de hele wereld, en zijn reportagefoto's bepalen tot op de dag van vandaag nog steeds onze kijk op historische gebeurtenissen. In 1953 trad hij toe tot het Magnum-bureau, mede opgericht door Robert Capa, waarvan hij later president werd. Hij was al met drie foto's vertegenwoordigd op de legendarische fototentoonstelling The Family of Man van Edward Steichen in 1955 in het Museum of Modern Art New York. De in Frankrijk geboren Amerikaan met Russische ouders heeft talloze tentoonstellingen en vooral diverse geïllustreerde boeken over zijn onderwerpen samengesteld. Naast de vrije fotografie, die Erwitt zijn ‘persoonlijke foto’s’ noemt, en talloze reportages, heeft de oude meester van het zwart-wit ook een blijvende invloed gehad op de mode- en reclamefotografie.
In samenwerking met Magnum Photos.

Centraal in deze zeer hoogwaardige éénkamershow staat de zogenaamde kandelaar of kroonluchter vrouwelijk uit de Peter en Irene Ludwig collectie. Waarschijnlijk gemaakt in Noord-Zwitserland rond 1540, afkomstig uit het stadhuis van Rapperswil of opgehangen in het huis van de opdrachtgevers, Thüring Göldlin en Margareta Muntprat. Omringd door het trotse gewei van een door ijs gekroond hert met veertien kronen, houdt de figuur het wapen van de alliantie van het paar vast.
Talrijke waardevolle bruiklenen illustreren de context van het stuk. Voor het eerst in ruim twintig jaar wordt Albrecht Dürers delicate tekening van een drakenkroonluchter getoond samen met de uitgevoerde versie van Veit Stoss. Een van de jongste overgebleven vrouwelijke kandelaars en een late mannelijke kandelaar illustreren, samen met andere sculpturen, schilderijen en grafische afbeeldingen, de unieke dubbele structuur van natuurlijke dingen en kunstwerken van dit wonderbaarlijke genre.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Suermondt-Ludwig-Museum, Aken

De LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen toont Janosch, een van de belangrijkste en populairste illustratoren en verhalenvertellers in Duitsland. In een zeer uitgebreide tentoonstelling met ruim 200 werken wordt de kunstenaar gepresenteerd in originele aquarellen, gouaches, concepttekeningen en etsen. De ontwerpen maken duidelijk hoe nauw beelden en verhalen met elkaar verweven zijn. Ze bieden een diepgaand inzicht in het artistieke creatieve proces van de internationaal gerenommeerde verteller met de tekenpen.
Janosch, geboren als Horst Eckert in Opper-Silezië in 1931, publiceerde ruim 300 (kinder)boeken die in 40 talen werden vertaald. Daarom zijn zowel grote als kleine mensen zeer bekend met de tijgers, beren en leeuwen. Bear en Tiger lieten ons niet alleen zien wat moed is en dat Panama voor onze deur kan liggen, maar ook hoe belangrijk vriendschap is. De verhalen van Schnuddel, Kasper Mütze en Günter Kastenfrosch bevatten boodschappen die kinderen niet alleen aanmoedigen om op een speelse manier na te denken. Janosch slaagt erin waarden over de generaties heen over te brengen, de verbeelding te stimuleren en mensen aan het lachen te maken.
Maar ver weg van Panama zijn er nog andere werelden in zijn oeuvre die tot nu toe minder bekend zijn. Janosch gaat krachtig in op de kritiek op de kerk als instituut en toont de relatie tussen mannen en vrouwen in overdreven afbeeldingen. Wanneer het echte en het fantastische samensmelten in het Panama-universum en de andere werelden, wordt het Janosch-fenomeen pas in zijn geheel duidelijk.

In deze bijzondere presentatie toont de Ludwig Gallery een uitgebreide tentoonstelling over het artistieke gebruik van de tafel voor het Culturele Hoofdstadjaar 2010. De internationaal vertakte, hoogwaardige collecties van Peter en Irene Ludwig vormen het uitgangspunt. Een panopticon van tabellen onthult ongebruikelijke perspectieven. Antieke vazen, middeleeuwse (altaar)tafels of stillevens uit de 17e eeuw worden geconfronteerd met trends uit de 20e en 21e eeuw. Met, naast en tegen elkaar laten de stellingen een grote verscheidenheid aan benaderingen zien. Er is geen sprake van een cultuurhistorische verkenning van de tafelcultuur, maar van een visualisatie van interne verbanden, die er in eerste instantie vaak heel anders uitzien.
Het alledaagse voorwerp van de tafel wordt hier voor het eerst gebruikt om artistieke benaderingen te presenteren, waarvan sommige grote afstanden tonen en andere verbazingwekkend dichtbij. Terwijl de stoel het designobject bij uitstek is en was, speelt de tafel meer een dienende, incidentele rol. En toch combineert het veel op zichzelf en op zichzelf. Stilleven is het enige genre waarin hij de hoofdrol speelt. Anders is het misschien juist de nonchalance van zijn houding die de tafel onderscheidt. Het is de eerste keer dat een tentoonstelling dit onderwerp door tijd en genre heen bespreekt en meesterwerken uit de Ludwig-collectie gebruikt om te zoeken naar de innerlijke structuur, de essentie van de fundamentele mogelijkheden.
Het spanningsbereik strekt zich uit van de decoratieve fijnporseleinservies uit de Ludwig-collectie tot die van Renato Guttuso Begrafenis maaltijd, dat Picasso en zijn wereld verenigt. Campbell's soepblikken horen net zo goed op tafel als de grote antieke skypho's of de Attic eye bowl. Rituele handelingen (altaartafel) spelen net als alledaagse ruimtes een rol. David Hockney geeft een inkijkje in zijn tekenatelier, Albrecht Dürer presenteert de studeerkamer van St. Jerome.

De bolle neus is zijn handelsmerk, het observeren van (homo)erotische interactie is zijn inhoud: de Ludwig Gallery wijdt de eerste grote en veelomvattende tentoonstelling ooit aan Ralf König. Gewapend met internationale onderscheidingen – zijn strips zijn in 15 talen vertaald – is nu voor het eerst een overzicht van zijn werk in originele vorm te zien.
Ontroerende mannen en merriejongens, slagroomtaarten en citroenbroodjes dartelen door zijn verhalen en hebben Ralf König niet alleen tot de belangrijkste Duitse striptekenaar gemaakt, maar ook tot de belangrijkste sympathisant van de homobeweging. Met ‘The Moving Man’ werd hij in 1986 bekend bij een breder, steeds heteroseksueel publiek. Zijn strips zijn verfilmd of met succes uitgevoerd als poppenkast. König nam herhaaldelijk zijn toevlucht tot klassiek literair materiaal, zoals ‘Lysistrata’ – gebaseerd op Aristophanes of ‘Iago’ – gebaseerd op Shakespeare. Hij benaderde het onderwerp AIDS in Superparadise Side Effects. En in 1993 zette hij ook zijn eigen (korte) biografie om in een brutaal getekend verhaal... en dat deed hij met zijn linkerhand.
In Prototyp en Archetype, zijn twee meest recente boeken, geeft hij inzicht in het bolvormige scheppingsverhaal en de bouw en bedrijvigheid rond en op de Ark van Noach. Hier richt hij zich op het onderwerp religie en gaat hij op een zeer eigenzinnige manier om met de verhalen uit de Bijbel. König gaf kritisch commentaar op de cartooncontroverse en de islam en nam daarmee een duidelijk standpunt in voor de vrijheid van meningsuiting en de persvrijheid. In 2006 ontving hij in Erlangen de “Max und Moritz-prijs”. Naast de stripverhalen worden werken op groot formaat van Ralf König getoond, waarvan het merendeel speciaal voor de Oberhausen-presentatie is gemaakt.

Georg Baselitz, Markus Lüpertz en AR Penck behoren ongetwijfeld tot de belangrijkste protagonisten van de schilderkunst in Duitsland. De afgelopen decennia heeft haar beeldtaal de beeldende kunst gevormd en blijft dat ook buiten Duitsland doen. Peter en Irene Ludwig kochten voor hun collectie vroege tekeningen van alle drie de kunstenaars, die de ontwikkeling weergeven die Baselitz, Lüpertz en Penck tot hun thema's en vormen leidde.
Eind jaren vijftig keerde Baselitz zich af van de gebarenvormen en richtte zich op de figuur. Bijna organisch ogende mensen en individuele lichaamsdelen kenmerken deze fase. De helden en ‘nieuwe jongens’ doen mee en bereiken een programmatische climax met de ‘grote vrienden’. Eind jaren zestig begon Baselitz zijn motieven te roteren.

Met de dithyrambe introduceerde Markus Lüpertz in 1964 een vorm in de kunst die vanwege zijn extreem fysieke werking representatieve associaties suggereert, maar niet objectief kan worden toegewezen. Zijn tekeningen wijzen de weg daarheen. Andere groepen illustreren de ontwikkeling van zijn bekende beeldobjecten. Mantel, helm, slak, draak en vis bevolken de tekeningen; de ‘stijlbeelden’ kenmerken hun eigen vorm.
En de ontwikkeling van het tekensysteem van AR Penck is ook terug te zien in de tekeningencollectie uit de Ludwig Collectie. Zelfs in vroege systeembeelden was Penck geïnteresseerd in het belang van tekens bij het overbrengen van informatie.
De tentoonstelling, gemaakt in samenwerking met het Ludwig Forum for International Art en de Ludwig Foundation in Aken, biedt het eerste inzicht in het internationale grafische bezit van de Ludwig-collectie uit West- en Oost-Europa, maar ook uit Azië en Cuba.

“De achtste van een seconde lijkt mij een oogwenk in de klassieke fotografie”, zegt Jim Rocket, een van de beroemdste Duitse fotografen. Hij maakt zijn portretten met een platencamera, een techniek uit de begindagen van de fotografie. In de indrukwekkende portretten geeft de Berliner inzicht in de wereld van film en muziek, kunst en dans, literatuur en politiek.
Op de portretten worden ‘Familiar Strangers’ afgebeeld, waarvan de lijst met namen leest als een who’s who van het openbare leven. Voor Rocket is het belangrijk om zijn hoofdrolspelers zonder make-up en als mens op beeld vast te leggen. Heino Ferch, ontspannen met een koffiekopje, Christiane Paul, hoogzwanger op het hectische treinstation, naast Helmut Schmidt met de onvermijdelijke sigaret. De kunstenaar Jörg Immendorff ruikt een anjer in een melancholisch gebaar.
De muziekscene, waarin Jim Rocket als manager een sleutelrol speelde, wordt niet alleen vertegenwoordigd door Nena en Ulla Meinecke, maar ook door Zilveren Maan en Wir sind helden. Enkele van de zeldzame kleurenfoto's, waarop Nadja Auermann en Polina Semionova te zien zijn, werpen licht op dit deel van zijn werk. Rockets verborgen liefde voor konijnen is niet alleen zichtbaar op de achterkant van het gelijknamige fotoboek.
De LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen toont ongeveer 130 van deze indrukwekkende portretten. De beelden zijn een snelle doorloop van de invloedrijke mensen op veel gebieden van het leven (muziek, film, politiek en sport, kunst) met een zeer langzame (plaat)camera, aldus Jim Rocket. Er ontstond een eerbetoon aan de zilverfotografie, waarvan het tijdperk momenteel ten einde loopt. Om een ​​indruk te geven van de eenvoudige werksfeer van dit soort fotografie is in de tentoonstelling een studiosituatie te zien waarin ook de vertrouwde platencamera, de verfrommelde achtergrond van menig foto en enkele originele platen te zien zijn.

Het mensbeeld heeft sinds de moderniteit een intensieve transformatie ondergaan. De avant-gardes houden zich bezig met innovatieve vormen van representatie en betreden nieuwe wegen. De tentoonstelling werpt licht op dit fenomeen. Beginnend met het vroege meesterwerk Madonna van Edvard Munch, strekt de boog zich uit tot de popiconen van Andy Warhol.
De dansfiguren van Ernst Ludwig Kirchner ontwikkelen hun ingewikkelde ritmes, de figuren van de Brücke-kunstenaars als Heckel, Schmidt-Rottluff, Pechstein en Müller onderscheiden vormen van representatie. Nolde, Kandinsky, Dix en Beckmann introduceren een veranderde kijk op de mensheid, net als de wellustige daden van Egon Schiele.
Picasso creëert op een grote verscheidenheid aan manieren nieuwe vormen van menselijk beeld, van de sobere maaltijd tot de jongleurfoto's. Zijn werken variëren van de prismatische stijl van het kubisme tot historische variaties tot de experimentele witte lijnafdrukken. Verschillende portretten van zijn partners geven inzicht in privérelaties.
De popiconen van Andy Warhol markeren een artistiek eindpunt in de stilering van het menselijke beeld in de 20e eeuw. Naast kaartjes, bloemen en koeien domineert de figuur als kunstobject dat de moeite waard is om tentoongesteld te worden. Warhol heeft onze kijk op filmiconen als Marilyn Monroe, Liz Taylor en Jane Fonda aanzienlijk beïnvloed.
In deels groot formaat, gekleurde prenten, proefdrukken en unieke stukken toont de tentoonstelling de veranderingen van figuur tot icoon in meesterlijke beelden en maakt indruk met het beeld van de mensheid in de 20e eeuw op de drie verdiepingen van de Ludwig Gallery.

Er zijn foto's van Thomas Hoepker die stevig in ons visuele geheugen verankerd zijn: de hongersnood in India (1951), melaatsen in Ethiopië (1963), Boxidol Muhammad Ali (1966), de rekruteringstraining van de Amerikaanse mariniers (1970) en New York over 11 september 2001. Deze afbeeldingen waren niet alleen bedoeld ter illustratie van de tekst, maar maakten deel uit van spannende fotoreportages van meerdere pagina's De levendigheid kwam geheel voort uit de visuele zeggingskracht van de foto's.
Wat ons vandaag de dag nog steeds aanspreekt aan Hoepkers foto's is zijn 'menselijke blik'. Hij is geen sensationele fotoreporter, maar een nieuwsgierige en gevoelige waarnemer. De foto's van Hoepker staan ​​in de traditie van de 'human interest photography', waarmee we onder meer de namen Dorothea Lange, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson en Robert Capa associëren, wiens fotografische houding vooral tot uiting kwam in het werk van het legendarische fotoagentschap MAGNUM, waar Hoepker sinds 1989 lid van is.
De retrospectieve van Thomas Hoepker toont niet alleen de nieuwsgierigheid en intensiteit waarmee hij zich herhaaldelijk bezighield met de menselijke drama's van de wereldgebeurtenissen, maar ook hoe hij zocht naar de meest geschikte uitdrukkingsvormen voor de verschillende fotografische opgaven.
De tentoonstelling is ontwikkeld door Thomas Hoepker in samenwerking met MAGNUM Photos Paris en het Fotomuseum in het Stadsmuseum van München.

Het brutaal doorbreken van taboes, bijtende spot, ongebreidelde vleselijke lust en barokke sensualiteit zijn handelsmerken van de Oostenrijkse satiricus Manfred Deix. Pittig, pompeus en gemeen, zijn personages zijn een karikatuur van ‘gezond volkssentiment’. Politici, politieagenten, priesters, pederasten, perverselingen, prostituees, toeristen, buitenlanders, werklozen en neonazi’s – we vinden ze allemaal in zijn uitpuilende kosmos van beelden.
Als je naar deze foto's in de tentoonstelling kijkt, denk je in eerste instantie dat de personages die hij heeft getekend monsterlijke verzinsels van je verbeelding zijn, totdat je later verrast wordt als je beseft dat de mensen op straat er echt allemaal uitzien alsof ze door Deix zijn getekend. ‘De satire van onze realiteit’, zegt Deix, ‘heeft de verbeelding van een karikaturist allang overtroffen.’ Hij ziet zichzelf daarom niet als een ‘overdrijving’, maar eerder als een ‘mooie’ en ‘triviale’ dagelijkse echte satire. – als illustrator die “genieten” wil ik wat schoonheid onder de mensen verspreiden.
De Ludwig Gallery toont 200 originele tekeningen van Deix – inclusief zijn nieuwe biografie van Arnold Schwarzenegger “The Naked Truth”.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Karikaturenmuseum Krems en het Wilhelm Busch Museum Hannover.

Het was vooral Wilhelm Busch die de prenten leerde lopen met zijn legendarische beeldverhalen van Max en Moritz, de vrome Helene, Plisch en Plum, Hans Huckebein, Fips de Aap en anderen. Wat ons tot op de dag van vandaag fascineert aan de strips “Little Nemo” van Winsor McCay en de vroege Disney-films “Silly Sinphonies” – deze ontroerende wereld van beelden is uitgevonden door Wilhelm Busch. Hij probeerde zijn verhalen niet langer in één beeld uit te drukken, zoals de kunstenaars voor hem, maar vertelde ze in een reeks beelden waarvan de furieuze dramaturgie de kijker bijna suggestief in de gebeurtenissen trekt: voortdurend wisselend gezichtspunt en perspectief, afstandsschoten en close-ups. up, obsessie voor detail en het geweld van zijn dynamische lijnen.
Zijn schilderkunst was ook absoluut modern. Franz Marc noemde Wilhelm Busch de ‘eerste futurist’ omdat hij met zijn furieuze penseelstreken elke innerlijke stabiliteit uit de beelden wegnam en ze transformeerde in een allesbewegend kleurenlichaam.
Zijn foto's idealiseren niet, maar karikaturiseren, vervormen, vervormen en verdraaien het ideaal en stellen het goede bloot aan spot. ‘Heart Pain and Nose Pain’ laat zien dat de karikatuur gedijt op boosaardigheid, wrok en boosaardige vrolijkheid.
Naast de meesterwerken van Wilhelm Busch worden werken getoond van: Callot, Carracci, Gillray, Rowlandson, Hogarth, Grandville, Toepffer, Dirks, McCay, Disney, Heine, Flora, Pericoli, Searle, Sempé, Topor, Ungerer en anderen
Samenwerkingspartner van de tentoonstelling: Wilhelm-Busch-Museum Hannover

De tentoonstelling maakt het mogelijk om de fascinerende diversiteit van de relaties tussen de wereld van vormen in de natuur en de kunst te ervaren. De stenen van meer dan 2 miljard jaar oud en de foto's van Albert Renger-Patzsch, Alfred Ehrhardt en Karl Blossfeldt laten zien: natuur en kunst zijn in gelijke mate doordrongen van de krachten van creatief ontwerp.
“Living Stones” begint met een cultuurhistorische proloog: middeleeuws bergkristalkruis en bergkristaltrap, eeuwenoude Chinese geleerdenstenen en bizarre steenvormen. De combinatie van belangrijke kunstwerken en edelstenen uit de Ludwig Collectie maakt de verschillen in het Europese en Verre Oosten begrip van de natuur zichtbaar.
Het late werk ‘Rock’ van Albert Renger-Patzsch, bestaande uit 64 foto’s, toont de cyclus van groei en verval die zich gedurende miljarden jaren heeft afgespeeld – de ‘groeifasen’ van de rotsen van de aarde. De foto's van Renger-Patzsch, Blossfeldt en Ehrhardt staan ​​in spannend contrast met de unieke rotsvondsten en kristallen. Net als andere kunstwerken worden de stenen in de tentoonstelling op kostbare wijze gepresenteerd als creatieve vormen van de natuur. Terwijl de kijker met al zijn zintuigen hun schoonheid doordringt, beginnen de stenen een verhaal te vertellen. Omdat elk van hen zijn eigen biografie heeft, zoals de grote ijzer-nikkelmeteoriet die 30000 jaar geleden op de aarde viel, afkomstig is uit de asteroïdengordel tussen Mars en Jupiter en 4,5 miljard jaar geleden met het zonnestelsel werd geboren.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Ruhrmuseum Essen, de Ann en Jürgen Wilde Collection, Zülpich en de Alfred Ehrhardt Foundation, Keulen. Bruikleengevers van de cultuurhistorische werken zijn: Museum voor Oost-Aziatische Kunst, Keulen, Museum Schnütgen, Keulen, Suermondt-Ludwig-Museum, Aken.

De tentoonstelling toont werken uit drie unieke kunstcollecties: foto's van Karl Blossfeldt uit de Ann en Jürgen Wilde Collectie, Zülpich, Romaanse bloemkapitelen uit het Schnütgen Museum, Keulen en oude plantenboeken uit de Staatsbibliotheek van Bamberg. Zo divers als het materiaal waarin deze voorstellingen door kunstenaars, ambachtslieden en wetenschappers gedurende een periode van bijna 1000 jaar werden gevormd, ze bezingen allemaal de creatieve krachten van de natuur.
Karl Blossfeldt fotografeerde de plantenwereld met een vergroting van 2 tot 40x om te illustreren dat de kunstgeschiedenis is gegroeid uit de vormen van de natuur: de foto van de struisvogelvaren en een gouden bisschopsstaf, het blad van de steenbreek en een gotisch roosvenster, een Acantus plant en een middeleeuws tapijt.
Voor het eerst zijn de foto's van Blossfeldt in deze tentoonstelling te zien, samen met romaanse kapitelen uit de 10e tot 13e eeuw. Al meer dan 1000 jaar verenigt het het ontzag en de nieuwsgierigheid van kunstenaars en wetenschappers voor de creatieve krachten van de natuur.
In de oude kruiden- en plantenboeken wordt elke plant nauwkeurig weergegeven in woord en beeld en wordt het gebruik ervan als voedsel, medicijn of vergif beschreven, maar tegelijkertijd proberen de illustraties de plant altijd als een unieke creatie op een waardige en waardige manier weer te geven. prachtige manier. Deze kunstenaars en wetenschappers hielden zich in gelijke mate bezig met kennis en opbouw.

De tentoonstelling presenteert 130 meesterwerken van handwerk uit een periode van 5000 jaar uit de collecties van Peter en Irene Ludwig, evenals uit andere belangrijke musea en privécollecties. De oude Egyptische kinderurn, de Griekse buikamfora, het Iraanse donatievat, het precolumbiaanse figurenvat, de oude Chinese staande amfora, de Koreaanse kalebas, de middeleeuwse kelk. De fascinatie voor de meesterwerken van vakmanschap die in de tentoonstelling worden getoond, maakt het begrijpelijk dat deze vaten ooit mysterieuze, levengevende en levensvernietigende krachten waren, in wier antropomorfe, zoömorfe, biomorfe en geomorfe vormen de energieën van de natuur en de mensheid waren opgesloten. Er dringt een pantheïstisch wereldbeeld door Wereld van schepen, dat in de moderne tijd in de vergetelheid is geraakt, evenals de centrale rol die schepen speelden in de matriarchale cultuur en kunst.
Het schip heeft sindsdien diverse metamorfoses ondergaan. Uniek porselein en faience uit Meissen, Delft en Straatsburg laten zien hoe, in de pracht van barok en rococo, het vat als universeel symbool van creativiteit uitgroeide tot een galante, delicate tafeldecoratie van het hoogste kunstenaarschap.
Aan het eind van de tentoonstelling staan ​​meesterwerken uit de keramiek van Pablo Picasso. Na de hervormingsbeweging van de Art Nouveau leverde hij een belangrijke bijdrage aan het geven van een nieuwe impuls aan de keramiek, die in de 19e eeuw was verworden tot decoratieve kunst.

De tentoonstelling toont Oberhausen op een manier die niemand van een industriële stad verwacht: administratieve en woongebouwen staan ​​in een zee van bomen - zoals in een park; Kostbare bomenlanen doordringen de stad als een netwerk van groene aderen. Wat tussen 1900 en de jaren dertig in het centrum van Oberhausen ontstond, was de realisatie van een grote stedenbouwkundige utopie van de moderne architectuur: het centrum van de stad zelf werd omgevormd tot een park.
De stadsarchitect Ludwig Freitag slaagde er destijds niet alleen in om de beste architecten uit de scholen van Berlijn en Darmstadt te inspireren tot meesterwerken van de baksteenexpressionistische architectuur, maar deze gebouwen zijn samen met de parken en met bomen omzoomde lanen uitgegroeid tot een uniek geheel. met fascinerende ritmische bewegingen.
Bij de restauratie van de historische parkstad Oberhausen wordt ook ver in de toekomst gekeken: de parkstad werd ontwikkeld met als doel een “gezond stedelijk lichaam te creëren met een netwerk van stralende lanen en groene ruimten als krachtige slagaders en longen”.

Gerhard Haderer tekent al ruim tien jaar wekelijks zijn fascinerende karikaturen voor de tijdschriften “Stern” en “Profil”. Haderer ziet zichzelf niet als karikaturist, maar als realist. Met zijn uiterst precieze observatievermogen laat hij ons zien hoe we er werkelijk uitzien, of preciezer: wat ons streven om eigentijds, fit en dynamisch te zijn heeft gedaan met ons gezicht en lichaam, onze ziel en onze omgeving.
Alles begint altijd zo mooi: het glanzende oppervlak vol kostbaar geschilderde details lokt ons bijna zijn foto's binnen. Maar Haderer staat niet toe dat we ons daar op ons gemak voelen. Het verlangen om te kijken verandert al snel in huivering, want wat hij op zo’n liefdevol Biedermeier-manier tekent, blijkt bij nadere beschouwing de hectische, alledaagse waanzin van onze realiteit te zijn: schoonheidsgekte, fitnessgekte, vakantiestress, familiegezelligheid, voedselverslaving, tv-verslaving, gsm-manie, obsessie met technologie, lust voor schandalen, lust voor pijn, destructief gedrag, gigantomania en egomanie. Haderers tekeningen tonen ons niet als zielige slachtoffers, maar als fanatieke spelers die enthousiast hun hele levensenergie bijdragen aan deze dagelijkse waanzin. Haderers tekeningen laten zien dat Neil Postmans visie van 'We hebben lol tot de dood' niet langer een profetie is, maar een realiteit.
De tentoonstelling toont 140 originele tekeningen en karikaturen, waaronder het beeldverhaal ‘Het leven van Jezus’, dat vorig jaar in Oostenrijk voor een schandaal zorgde vanwege ‘het kwetsen van religieuze gevoelens’. De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Wilhelm Busch Museum in Hannover.

Nadja Auermann, Milla Jovovich, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Kristen McMenamy, Amber Valletta en Marie-Sophie Wilson zijn enkele van de supermodellen en sterren die Peter Lindbergh in zijn foto's tot iconen van onze tijd heeft gemaakt. Wat in het verleden verlangend werd aanbeden en vervloekt als godinnen, heiligen en Amazones, heksen en feeën, is Peter Lindbergh herboren in de vorm van zijn supermodellen door zijn fotografische verbeeldingskracht. Het mysterieuze, sfinxachtige karakter van zijn vrouwenbeelden is hun innerlijke tegenstrijdigheid: sterke vrouwen die tegelijkertijd kwetsbaar zijn. In het nieuwste Lindbergh-boek ‘STORIES’, waaraan de tentoonstelling de titel ontleent, beschrijft Wim Wenders deze vrouwen als sterk maar onbeschermd, vol toewijding maar tegelijkertijd onaantastbaar, vertrouwd en vreemd. Met behulp van de expressieve middelen van de modefotografie ensceneert Peter Lindbergh zijn verhalen op de meest ongewone plekken ter wereld. Hij laat zijn modellen acteren te midden van de massieve industriële decors van de staalfabrieken in Duisburg, de grillige rotsmassieven bij Zabriskie Point, in de stedelijke canyons van Manhattan en op de verlaten stranden van Californië. Het zijn apocalyptische landschappen die, door de kunstmatigheid van de wezens die zich daarin ontvouwen, het decor worden voor moderne mythen die zowel reëel als sprookjesachtig zijn. De focus van de tentoonstelling ligt op het verhaal "Invasion" van Peter Lindbergh, een fantastische moderne apocalyps over de komst van buitenaardse wezens op planeet Aarde.
‘STORIES’ is de meest uitgebreide tentoonstelling van Peter Lindbergh tot nu toe. De 204 veelal grootformaat foto's zijn in deze tentoonstelling voor het eerst te zien, samen met zijn expressieve documentaires, zoals de film over Pina Bausch, en zijn indrukwekkende commerciële advertenties.

De tentoonstelling toont voor het eerst meesterwerken uit de oude en hedendaagse Chinese kunst. Het maakt het culturele spanningsveld waarneembaar waarin de Chinese cultuur vandaag de dag opereert: tussen de ontzagwekkende, millennia-oude kunst die is gegroeid uit de krachten van de traditie en een culturele revolutie, aangedreven door de drukke energieën van de economische vooruitgang, die vragen oproept alle traditionele ideeën over waarde en schoonheid bieden.
Unieke werken zoals de negendelige beiaard uit de Zhou-periode (8e eeuw voor Christus) en de groep keramische kamelen uit de Tang-dynastie (8e eeuw na Christus) laten zien dat oude Chinese kunst zowel door de hoogste spirituele internalisering als door opwindende expressiviteit beschikt. De aanraking van deze kunstwerken uit verschillende millennia in deze tentoonstelling kan ons Europeanen daarom helpen de enorme tegenstellingen tussen traditie en moderniteit die zich vandaag de dag in China voordoen, beter te begrijpen.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Museum voor Oost-Aziatische Kunst Keulen, het Museum Ludwig Keulen, het Ludwig Forum voor Internationale Kunst Aken en het China National Museum of Fine Arts Beijing.

In meesterwerken uit de schilderkunst, beeldhouwkunst, grafiek, posterkunst en fotografie komen we oude en nieuwe afbeeldingen van goden tegen uit een grote verscheidenheid aan culturen: de Egyptische koningin Nefertiti, de Olympische atleet, de ‘verlichte’ Boeddha, de heilige maagd Aphrodite en de Indiase godin Sita middeleeuwse ridders en de ‘angstaanjagende’ Fudó, maar ook de begaafde actrice Sarah Bernardt, de ‘goddelijke’ Garbo, het rockidool Elvis Presley en superster Michael Jackson.
Alle goden, helden, idolen, heiligen, heksen en demonen zijn de onsterfelijke rolmodellen die herrijzen in het pantheon van onze moderne triviale cultuur, de alledaagse wereld van beelden in film, fotografie, stripverhalen en televisie en dankzij hun miljoenen distributie in elektronische beeldcommunicatie hebben hun ononderbroken fascinatie voor het dagelijkse leven van mensen behouden, passies wakker gemaakt, demonen bij ons vandaan gehouden, verwachtingen van verlossing vervuld, het boven en beneden in stand gehouden, goede dingen van Er bestaat geen kwaad in een wereld waarin de hemel al lang geleden is ontvolkt door goden en we eraan gewend zijn geraakt om acties en ervaringen in cyberspace als reëler te beschouwen dan in het zinloze leven van alledag.
De tentoonstelling kwam tot stand in samenwerking met het Antikenmuseum Basel en Ludwig Collection, het Ludwig Forum for International Art, Aken, het Museum Ludwig Keulen, het Rautenstrauch-Joest Museum, Keulen, het Suermondt-Ludwig Museum, Aken en anderen.