O fenômeno da Pop Art, majoritariamente associado ao mundo anglófono, também encontrou forte expressão artística na Alemanha nas décadas de 1960 e 1970. Além de temas da vida cotidiana e do mundo do consumo, a Pop Art alemã é caracterizada por críticas ao zeitgeist político, atitudes antiguerra e uma reconciliação com o passado. Essas obras são frequentemente associadas a movimentos e associações como Fluxus, ZERO ou Realismo Capitalista, mas sua expressão beira a Pop Art. Acima de tudo, os artistas alemães desse período perseguiram o princípio da democratização radical da arte com impressionante consistência. Ao empregar a gravura, a arte da edição e os múltiplos, eles alcançaram um público amplo.

A notável coleção do advogado de Düsseldorf, Heinz Beck, abrigada no Museu Wilhelm Hack em Ludwigshafen, oferece uma visão abrangente das expressões alemãs da Pop Art. Fica claro que ela certamente não precisa se esquivar de comparações internacionais.

Desde meados da década de 1990, o gênio universal Udo Lindenberg criou um extenso conjunto de obras com grande valor de reconhecimento. A família humana vive junta em coexistência pacífica, cheia de amor e alegria. Astronautas e vampiros aparecem na tela, assim como o detetive Coolman, Elli Pyrelli, Rudi Ratlos, a Família Cod e a professora de piano. E acima de tudo o cometa decola.

O brilhante artista multitalentoso, que fez história na música como cantor e criou uma obra idiossincrática, colorida, cômica e cartunística como pintor e ilustrador, é apresentado em todas as suas facetas nesta exposição abrangente. Temas sérios como o ciclo sobre a obra principal de Goethe Faust, a discussão do bíblico Oferta ou sua clara posição política na luta contra o sentimento de direita – com a Cabeças de pau uma espécie separada foi criada – fique ao lado dos nus animados ou do velejador Andrea Doria.

A linha de contorno preta define suas figuras e permite que o mestre seja reconhecido por seus traços. Musas e deusas fazem parte da equipe permanente tanto quanto o próprio pânico: chapéu e óculos escuros são sinônimos. Com o Likörellen, Lindenberg encontrou sua própria técnica, cujo nome ele patenteou. A grande variedade de cores é surpreendente: licor de banana para um amarelo escuro, licor de ovo para um amarelo claro, licor de hortelã-pimenta para um verde, licor de cereja para um vermelho ou Blue Curaçao para um azul.

O que é único é que a exposição, com desenhos e esboços muito antigos e nunca antes exibidos, torna compreensível o desenvolvimento de seu estilo não convencional. Já no álbum vivaz de 1979, Udo desenha a si mesmo na capa interna do álbum Martelando os Deuses Em 1984, ele incluiu um pôster desenhado em linhas de contorno puras. Dos udogramas emerge um cosmos fantástico com o presidente em pânico no topo.

A Fundação Brost torna possível esta exposição de arte única das obras de Udo Lindenberg. Sua missão é apoiar projetos focados na região do Ruhr e que tenham impacto muito além dela. Prof. Bodo Hombach, Presidente do Conselho da Fundação Brost: "A Fundação Brost apoia projetos do talentoso Udo Lindenberg na e para a região do Ruhr. A problemática região do Ruhr precisa de aliados fortes. As mensagens de Lindenberg são críveis porque são autênticas. Elas têm impacto. Sua autoridade transcende gerações."

Udo Lindenberg, cujas raízes estão ancoradas na Renânia do Norte-Vestfália: "É! O Udoverso está se chocando contra o coração da região do Ruhr como um cometa. Udo está voltando para casa, na Renânia do Norte-Vestfália. Meus bebês, minhas pinturas, podem se mudar para o belo Castelo de Oberhausen, assim como toda a história de Panik."

Graças à Fundação Brost, todo o conjunto de edifícios da LUDWIGGALERIE pode ser dedicado a um artista pela primeira vez: O Castelo pequeno apresenta com exclusividade a biografia de Lindenberg baseada em suas obras musicais e shows. Desde seu início como baterista na Renânia do Norte-Vestfália até seu hit número 1 Komet, todo o Udoverse se torna visível na região do Ruhr!

Mais informações sobre a oferta educativa do museu e o programa de apoio que acompanha a exposição podem ser encontradas em www.ludwiggalerie.de.

A LUDWIGGALERIE é apoiada pelos Amigos da Galeria. O parceiro cultural da LUDWIGGALERIE é o WDR 3.

A renomada fotógrafa Angelika Platen cria retratos assustadores e sensíveis há mais de cinco décadas. Com um sentimento extraordinário por artistas jovens, aspirantes e agora famosos, ela fotografou a cena artística em feiras comerciais e inaugurações de exposições na década de 1960 e no início da década de 1970. No início dos anos 2000 – após uma longa pausa – ela recorreu cada vez mais a artistas femininas. Mentalmente desencadeado pelo Eu tambémdebate, ela reflete sobre por que só fotografou algumas artistas mulheres quando era jovem. Ela decide concentrar-se exclusivamente em retratos de mulheres durante um ano, a fim de compensar esse descuido em sua obra fotográfica.

A exibição Minhas esposas é dedicado a diversas gerações de artistas femininas nacionais e internacionais, como os retratos de Hanne Darboven, Sylvie Fleury, Monica Bonvicini e Pola Sieverding, com fotografias intensivas e em close-up, tanto do setor documental quanto artístico. Títulos inspiradores e poéticos sempre complementam suas gravações.

Angelika Platen, nascida em Heidelberg em 1942, trabalha como fotógrafa freelancer para a mídia impressa e jornalista para A hora e dirigiu a galeria de Gunter Sachs em Hamburgo de 1972 a 1975. Sua primeira exposição individual foi realizada em 1969. Os seus retratos fotográficos têm sido amplamente publicados e fazem parte de colecções públicas de museus nacionais e europeus.

Vicco von Bülow, também conhecido como Loriot, é um dos humoristas mais importantes da Alemanha. Seus famosos homens de nariz bulboso e palavras cativantes como “Oh, querido” ou “Havia mais enfeites” já fazem parte da memória cultural.

A exposição centra-se em Loriot como artista em particular e apresenta desenhos originais desde a sua infância e juventude até aos seus últimos trabalhos. Graças ao seu aguçado poder de observação, o humor de Loriot visa diretamente a autoimagem da sociedade pequeno-burguesa das décadas de 1950 a 1980 e literalmente ergue um espelho diante dela.

Numerosas obras – em palavras e imagens – desenvolvem a sua própria comédia única e tornam-se assim provas da melhor crítica social. Mas o espetáculo também destaca seu trabalho como escritor, ator e diretor. Wum e Wendelin, o pato e os Hoppenstedts não deveriam faltar. Um tópico também conta como uma exposição de Loriot surgiu em sua cidade natal, Brandenburg an der Havel, em 1985 – numa época em que não era certo que os artistas da Alemanha Ocidental fossem reconhecidos no que era então a RDA.

Em cooperação com o Museu da Caricatura de Frankfurt e o Museu Municipal de Brandenburg an der Havel, o LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen mostra desenhos, fotos, esboços, correspondência, roteiros, maquetes e trechos de filmes de todos os períodos criativos de Loriot.

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Os ideais de beleza, a sexualidade e a relação com o próprio corpo, os estereótipos de género, a identidade, a igualdade e os tabus sociais, os conflitos e relações geracionais, o sentimento de (impotência), a vergonha e a liberdade de escolha - depois de mais de cem anos de movimento, esses temas ainda são muito relevantes.

Franziska Becker, Julia Bernhard, Lisa Frühbeis, Mia Oberländer e Paulina Stulin abordam esses assuntos de forma única em suas narrativas pictóricas. Usando estilos e formatos individuais, os cinco ilustradores visualizam histórias da vida real a partir de uma perspectiva feminina. Suas protagonistas rompem com os modelos tradicionais e, assim, questionam as expectativas sociais das mulheres. Com olhar aguçado e uma leveza impressionante, as artistas retratam problemas cotidianos e levam ao extremo, com humor, o jogo dos papéis de gênero.

Utilizando desenhos originais da década de 1980 até hoje, a exposição mostra como os ilustradores expõem padrões internalizados de pensamento e comportamento em seus quadrinhos. Suas personagens femininas exalam autenticidade e convidam você a pensar, rir e ter empatia. A gama de trabalhos apresentados varia de imagens individuais impressionantes a sequências de imagens em série de colunas de quadrinhos e histórias em quadrinhos.

Com um duplo talento brilhante, como autor de desenho ou ilustrador de escrita, Walter Moers inventou uma grande variedade de personagens como nenhum outro na Alemanha e contou suas histórias com humor e sutileza. O marinheiro Capitão Urso Azul, cujas histórias fantásticas divertem não apenas as crianças até hoje, o humor negro às vezes profundo exalado pelo personagem cômico cult da década de 1990, o pequeno idiota politicamente completamente incorreto, ou o incrível novo continente de Zamonia Moers com a maior facilidade proporciona ao seu alter ego Hildegunst von Mythenmetz uma comédia sutil, às vezes bizarra. Um cosmos de arte cômica como nenhum outro.

Todos esses personagens e histórias são apresentados em desenhos, fantoches e animações originais, com especial atenção ao senso de humor especial de seu criador. Moers não se limita a caricaturar operações de museus com babacas no petróleo. Promete ser um passeio divertido!

A exposição é patrocinada pela Stadtsparkasse Oberhausen e a Círculo de amigos da LUDWIGGALERIE. é um parceiro cultural RDM 3.

Folheto de exposição

Saudações de Walter Moers

Senhoras e senhores!

Em primeiro lugar, gostaria de agradecer muito todo o carinho e apreço que me dispensaram a mim e ao meu trabalho e que agora ganha corpo nesta exposição.

Gostaria de agradecer especialmente a Christine Vogt e à sua maravilhosa equipa pelo esforço e trabalho que tal exposição implica. A cada minuto da colaboração senti o entusiasmo com que todos aqui na Ludwiggalerie estão trabalhando. E gostaria de agradecer a toda a comunidade da cidade aqui de Oberhausen, que permite que vocês olhem todo o meu trabalho comigo e eu com vocês e se perguntem: do que há para rir?

Os museus são geralmente lugares onde as coisas ficam muito sérias. Ali são cuidados importantes bens culturais, às vezes se trata do passado e até se realiza o luto.

Quando pensamos em museus, vêm à mente imagens de pessoas caminhando com passos medidos por salas silenciosas, parando ocasionalmente em silêncio diante de uma obra de arte ou objeto de exposição e falando sobre isso em voz baixa. Geralmente não há risadas nos museus. Por que, na verdade?

Assim, nas conversas entre Christine Vogt e eu, surgiu a ideia de um MOERSEUMS como um lugar onde o riso não deveria apenas ser expressamente permitido, mas até mesmo curado, até mesmo provocado. Onde, entre muitos outros aspectos, o humor criativo em todas as suas manifestações formais e de conteúdo deve ser cultivado e colocado no centro. Um lugar onde você não só é confrontado com a arte ilustrativa de uma forma interessante, mas também entretido de uma forma divertida.

É claro que até agora isto é apenas uma ideia, apenas um desejo piedoso que tem de passar por muitas etapas e superar obstáculos antes de poder ser realizado. Portanto, esta exposição só pode ser o início de um projeto de esperança.

Espero que a partir desta noite haja tantas risadas, bufos e talvez até risadas ocasionais e desinibidas neste castelo. Fico feliz em esperar até o médico chegar. Porque assim saberíamos que estamos no caminho certo com a nossa ideia.

Com isto em mente, desejo a você e a todos os visitantes muita diversão esta noite - com base no nosso
Lema:

FAÇA RIR – NÃO GUERRA!

Atenciosamente, Walter Moers.

Não só desde o Brexit que o mundo olhou criticamente para o maior estado insular da Europa. Quase nenhum outro país do mundo está sujeito a tantos clichés como a Grã-Bretanha. No entanto, as pitorescas costas do sul de Inglaterra, a família real e Mister Bean não podem ignorar a dramática realidade com que o país teve de lidar durante décadas: convulsão social e social, elevado desemprego, instabilidade política.

Nesta exposição, 28 fotógrafos britânicos de três gerações iluminam estes e outros temas altamente atuais, como crítica social, migração, identidade de género, comunidade e diversidade em obras seriadas. As histórias por trás das fotografias estão inextricavelmente ligadas às pessoas nelas retratadas ou às experiências pessoais dos fotógrafos.

Com as primeiras fotos em preto e branco da década de 1970, eles documentam a vida cotidiana na cidade grande e no litoral. Nas décadas de 1980 e 1990, os fotógrafos romperam com a fotografia documental clássica e abriram-se a uma perspectiva artística e a uma linguagem visual própria, apresentada de forma humorística e satírica. Desde a década de 2000 até aos dias de hoje, as posições femininas mais jovens recorreram à fotografia como meio artístico e, entre outras coisas, processam questões pessoais de identidade ou os efeitos da pandemia corona em (auto)retratos impressionantes.

Todas as 28 fotógrafas estão unidas pelo seu desejo irreprimível de autonomia artística, social e social ao lado dos seus colegas homens.

Com 220 obras de 29 séries, a exposição demonstra isso de forma impressionante. A curadoria é de Ralph Goertz em cooperação com IKS PHOTO.

Hipgnosis, o lendário estúdio britânico de design fotográfico fundado por Aubrey Powell e Storm Thorgerson, projetou mais de 1967 capas de discos para bandas e músicos internacionais entre 1984 e 400, alguns dos quais já alcançaram o status de ícone na história da música.

A lendária capa do disco The Dark Side of the Moon do Pink Floyd, criada pela Hipgnosis, acaba de completar 50 anos. Os dois designers, amigos do Pink Floyd, estão criando mais capas para a banda. Os famosos motivos dos LPs Houses of the Holy e Presence do Led Zeppelin, Elegy do The Nice e Deceptive Bands do 10cc também foram desenhados por eles e hoje são mundialmente famosos.

Powell e Thorgerson batizaram seu estúdio em homenagem a uma inscrição que Syd Barrett do Pink Floyd teria espalhado na porta de seu estúdio. Eles imediatamente gostam da união contraditória e irônica do significado de hip - novo, legal, moderno - e gnosis - grego antigo para conhecimento. Suas ideias de design são igualmente paradoxais e bem-humoradas. É perceptível também que raramente trabalham com retratos dos músicos. Muitas capas de LPs são claramente inspiradas em obras de arte surrealistas, contendo momentos enigmáticos que convidam a um segundo olhar. Alguns motivos foram criados através de experiências com a técnica Polaroid, outros através de associações com os títulos dos álbuns. Existem histórias inteiras escondidas por trás das gravações finais.

A exposição explora isso reunindo os designs mais importantes da dupla e apresentando-os de forma impressionante em mais de 120 impressões artísticas e fotografias limitadas em grande formato. Há também mais de 20 capas de discos originais em exibição. Estas exposições são complementadas pelo novo documentário Eclipse de Aubrey Powell para o Pink Floyd por ocasião do 50º aniversário de The Dark Side of the Moon, bem como uma caminhada sonora que dá vida à música.

Uma exposição da LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen em cooperação com a Browse Gallery Berlin. A exposição tem curadoria de John Colton, da Browse Gallery Berlin e do fundador da Hipgnosis, Aubrey Powell.

Passeie pela fantasia no dragão sortudo Fuchur, conheça a imperatriz infantil, sente-se no sótão com Bastian, acompanhe Momo na fuga dos ladrões do tempo, prepare o ponche de desejo satanarchaeoliancohellish ou experimente uma aventura com Jim Knopf e Lukas. Essas histórias mundialmente famosas inspiraram e tocaram as pessoas durante décadas. Fantasia e realidade sempre colidem e uma coisa é certa: nunca é tarde para mergulhar nas obras-primas de Michael Ende!

Os mais diversos ilustradores e desenhistas traduziram o cosmos literário de personagens fantásticos e figuras heróicas de Ende para mundos visuais. FJ Tripp, que também deu forma ao ladrão Hotzenplotz de Otfried Preußler, cria ícones da arte do livro com Jim Knopf, Lukas e Emma. Regina Kehn desenvolve o conjunto maluco de personagens de Wunschpunsch e Roswitha Quadflieg dá à História Sem Fim as iniciais lendárias. Por ocasião do 40º aniversário do livro, é o artista Sebastian Meschenmoser quem dá uma nova aparência a esta história mundialmente famosa. As pinturas a óleo coloridas resultantes podem ser vistas na exposição.

Os artistas também apresentam uma grande variedade de estilos de desenho, técnicas e linguagens visuais, de modo que a impressionante visão geral mostra não apenas a extensa obra de Michael Ende, mas também ícones da arte da ilustração. Com mais de 300 desenhos, pinturas e edições de livros originais, este magnífico mundo de imagens pode ser descoberto pela primeira vez numa exposição em Oberhausen.

Além disso, uma área de exposição separada com pinturas e desenhos é dedicada ao pintor e pai de Michael Ende, Edgar Ende. Os heróis Michael Endes também serão convidados como fantoches do Teatro de Marionetes de Düsseldorf.

Muitas das histórias de Ende foram transferidas para outras mídias: audiolivros e peças de teatro, adaptações de teatro, teatro musical e espetáculos de marionetes, filmes e desenhos animados, bem como produtos de merchandising também atestam a imensa popularidade dos personagens.

A exposição é apoiada pela Stadtsparkasse Oberhausen e pelos Amigos da LUDWIGGALERIE. O parceiro cultural é o WDR 3.

A LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen está comemorando seu aniversário de prata e convidando um foco de sua coleção homônima para a região do Ruhr! Pela primeira vez, a requintada e original colecção de porcelana de Peter e Irene Ludwig é amplamente apresentada em Oberhausen, com um tema que aqui se enquadra perfeitamente: a representação das profissões.
O casal patrono de Aachen colecionou porcelana durante décadas e teve especial prazer em retratar atividades humanas. O século XVIII, em particular, adorava mostrar o agricultor e o charlatão, a pastora e o alfaiate, o vendedor de chapéus e o mestre de dança, o Columbine e o soldado na melhor porcelana de Meissen.
Essas profissões inferiores são reunidas como grandes decorações de mesa para diversão em celebrações aristocráticas. A sociedade cortês adora bailes de máscaras e festivais rurais, as chamadas fêtes champêtres, e gosta de se vestir com trajes de pastora e pastora.
As preciosas porcelanas assumem o papel de inspiração para a animação dos banquetes. Mas cenas e grupos de figuras também podem estar além da representação real. O ceifador é a personificação do verão e pode ser um agradecimento por uma colheita abundante. Em conexão com outros
Figuras torna-se o símbolo da terra entre os quatro elementos. No ciclo sazonal simboliza o verão. Tais ambigüidades permitem que os personagens sejam usados ​​de várias maneiras. Hoje esse “ouro branco”, como também era chamada a porcelana, é guardado em Bamberg.
Além da apreciação de Peter e Irene Ludwig, há também uma retrospectiva dos últimos 25 anos. Foram realizadas inúmeras exposições com acervos da extensa coleção Ludwig, bem como apresentações de quadrinhos e caricaturas, fotografia e marcos tão importantes para a região do Ruhr. Um best-of será premiado durante o tempo de execução.

Com Barbara Klemm, a LUDWIGGALERIE apresenta uma das mais importantes fotógrafas do pós-guerra. Suas impressionantes imagens em preto e branco documentam pessoas e eventos na Alemanha e no mundo ao longo de mais de cinco décadas. Klemm trabalhou como fotógrafo editorial para o Frankfurter Allgemeine Zeitung FAZ de 1970 a 2005 e viajou não apenas para a Alemanha dividida, mas também para quatro continentes.

Muitas das suas fotografias são hoje consideradas ícones da história fotográfica e representam momentos históricos como as revoltas estudantis, o beijo fraterno socialista ou a reunificação.

Crescendo na casa de um artista - seu pai era o pintor de Karlsruhe, Fritz Klemm - ela desde cedo recebeu um olhar especial para composição e estrutura. Muitas de suas produções refletem um bom conhecimento da história da arte e uma abordagem empática às pessoas. Seus retratos de artistas a identificam como uma grande retratista.

Quando a americana Linda Eastman (1941–1998) começou a tirar fotos em meados da década de 1960, ela imediatamente caiu na cena rock e pop. Um convite à imprensa abre as portas para a festa promocional dos Rolling Stones no SS Pantera do Mar no rio Hudson. É aqui que começa sua carreira incomum: “Aqueles foram os dias em que Jimi Hendrix veio do nada ao meu apartamento e eu fui jantar com Jim Morrison em Chinatown. Uma vez comprei manteiga de amendoim para um banquete noturno com Janis Joplin, outra vez andei de metrô pela cidade com Jackson Browne. Ela também conheceu os Beatles e, portanto, seu futuro marido, Paul. Ela assiste a criação da famosa capa Abbey Road, que acaba de comemorar seu 50º aniversário, e oferece uma visão íntima da vida familiar dos McCartney.

Mas, acima de tudo, as suas fotografias das grandes estrelas da música do final dos anos 1960 ainda moldam a nossa memória visual desta época, que se libertou da etiqueta moral. Janis Joplin e Jimi Hendrix, Nico e Brian Jones, The Doors e The Who, Aretha Franklin e Bob Dylan são retratados por ela com naturalidade e muitas vezes com grande dinamismo. A exposição utiliza fotos dos anos XNUMX para mostrar momentos marcantes desta intensa era musical.

Além das fotografias, o tema da música e sua expressão artística visual são intensamente abordados. O design das capas dos discos, que também mudou fundamentalmente a partir de meados da década de 1960, é apresentado numa área de exposição separada. Designs icônicos como o da Hipgnosis The Dark Side of the Moon para Pink Floyd, Klaus Voormanns Revólver para os Beatles ou Andy Warhols Sticky Fingers pois os Rolling Stones têm status de culto hoje. Um passeio sonoro montado especialmente para a exposição permite aos visitantes uma imersão musical na década de 1960.

Linda McCartney levou sua câmera consigo em todas as suas viagens. Dela Obras rodoviárias mostrar expressivamente as observações de pessoas e espaços. Repetidamente é a aparência no espelho retrovisor que é fascinante. E, finalmente, McCartney também se tornou criativo no campo experimental. Dela Impressões solares mostram imagens expostas à luz do dia, ao sol, desde naturezas mortas até retratos.

A exposição foi desenvolvida com a “Reichelt and Brockmann Art Foundation” Mannheim.

“Meu território é o território” tem sido o lema do fotógrafo Manfred Vollmer, radicado em Essen, há décadas. E ainda assim o seu interesse e o seu trabalho fotográfico vão muito mais longe. Seu primeiro grande projeto, sua tese final na Folkwangschule em Essen, o levou à Itália no final da década de 1960, onde capturou com sua câmera os costumes incomuns nos festivais da igreja local. Desde 1970 trabalha como fotógrafo freelancer, principalmente para jornais semanais e diários e sindicatos. Seu trabalho é – e isso ainda pode ser visto hoje – tão convincente que ele recebeu um prêmio por isso. Em 1978 viajou para a Bretanha para fazer uma reportagem como repórter fotográfico sobre o derramamento de óleo causado pelo naufrágio do petroleiro americano Amoco Cadiz. Por isso recebeu o primeiro prêmio no World Press Photo Competition de 1979 na categoria “News Picture Stories”.

Mas as suas fotografias da região do Ruhr, os seus relatórios participativos sobre disputas laborais na década de 1980, o seu acompanhamento de trabalhadores em diversas indústrias e a sua preocupação com as condições de vida dos chamados trabalhadores convidados são, na verdade, o elemento mais formativo do seu trabalho. Quando a região do Ruhr se tornou a capital cultural em 2010, ele contribuiu para uma nova imagem da região do Ruhr com suas fotos às vezes monumentais e criou ícones que ainda hoje representam a mudança estrutural e cultural da região. A LUDWIGGALERIE dedica agora uma visão geral do seu trabalho a este importante localizador de imagens.

Chaminés fumegantes, desertos industriais, trabalhadores em greve: numerosos temas da região do Ruhr são encontrados e encontrados nas fotografias, pinturas e gráficos de Rudolf Holtappel e Walter Kurowski. Os dois espólios artísticos enriquecem a coleção LUDWIGGALERIE desde 2017, já foram apresentados retrospectivamente individualmente e agora se enfrentam diretamente em uma exposição conjunta pela primeira vez.

Os temas centrais dos dois artistas também são apresentados em salas monográficas distintas. Toda a amplitude artística de Rudolf Holtappel é apresentada através de motivos fotográficos de lojas de departamentos, tomadas de teatro e cenários industriais. Cartazes, caricaturas e desenhos demonstram a diversidade da obra de Walter Kurowski.

O cronista da região do Ruhr, Rudolf Holtappel (1923–2013), trabalhou como fotojornalista e fotógrafo freelancer após concluir seu mestrado em fotografia em 1950. Com suas imagens, o residente de Oberhausen moldou a aparência visual do grupo de lojas de departamentos Karstadt (1964-1995) e de inúmeras empresas industriais no Reno e no Ruhr durante décadas, incluindo a Henkel (1974-2002). Suas fotografias influenciam a imagem do teatro de Oberhausen na era Büch (1961-1970) e na era Weise (1992-2003), bem como os volumes de paisagens urbanas de editoras conhecidas (Carl Lange Verlag/Mercator-Verlag).

Como lenda cultural e único artista da cidade de Oberhausen, Walter Kurowski (1939–2017) movimentou a cena artística e musical da cidade por mais de 50 anos, pintando e desenhando seu caminho em sua memória. O premiado graduado da Folkwangschule lutou com a sua arte como um dos cartunistas mais importantes da Alemanha nas décadas de 1970 e 1980, ao lado dos trabalhadores, pela paz e justiça e contra a opressão e a exploração. Como designer de cartazes, recebeu encomendas para eventos culturais, organizações políticas e sindicatos durante décadas.

Mais de 50 artistas de quadrinhos de países de língua alemã abrem suas gavetas e fornecem informações sobre materiais inéditos. Na exposição você poderá descobrir cerca de 300 molduras com 500 desenhos que ninguém jamais viu! Os recém-chegados conhecem ilustradores conhecidos e famosos e deixam claro: todos eles têm projetos que até agora permaneceram inacabados. Alguns foram rejeitados ou mesmo censurados pela editora. Às vezes, faltava tempo e lazer para levar a cabo ideias de projetos e assuntos do coração. Outras histórias, porém, estão finalizadas e prontas para serem impressas em grandes quantidades.

Esta compilação de diferentes gêneros de quadrinhos, estilos de desenho e movimentos fornece uma visão geral perspicaz da história dos quadrinhos de língua alemã. Originais históricos, como histórias ilustradas publicadas postumamente pelo pioneiro dos quadrinhos Wilhelm Busch, representam os primeiros exemplos de arte sequencial de Erich Ohser da década de 1930, apontando para o estado difícil dos quadrinhos naquela época. Folhas inéditas de pioneiros importantes como Willi Kohlhoff e Hansrudi Wascher ilustram o avanço das pequenas revistas na década de 1950 e abrem caminho para grandes nomes dos quadrinhos como Isabel Kreitz, Ulli Lust e Ralf König. Werner de Brösel oferece entretenimento de massa da década de 1990.

A diversidade com que o cenário cômico atual se apresenta faz com que gêneros, gêneros, estilos e métodos de publicação se confundam. Não precisa haver limites e o conteúdo não pode mais ser categorizado em categorias fixas, como ação, fantasia ou faroeste. Matthias Schultheiss desenha um retrato em grande formato de Adolf Hitler durante a Primeira Guerra Mundial, enquanto Sheree Domingo levanta questões sobre edição genética e proteção climática. Através de Atak e Fil, o Fausto de Goethe experimenta uma forma de expressão completamente nova, tanto visual quanto linguisticamente, e Nicolas Mahler leva nossa sociedade de comentários ao absurdo com uma série humorística. Descubra obras-primas escondidas que contam um pouco da história dos quadrinhos e um pouco da história do mundo!

O ponto de partida para a exposição temática de uma sala sobre o tema da Pietà Trinitária no LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen, que também será exibida no Suermondt-Ludwig-Museum Aachen, são cinco esculturas medievais tardias do museu de Aachen. Entre elas está uma peça da Suábia da coleção Peter e Irene Ludwig, que foi transferida para a Coleção Municipal de Aachen com a grande fundação em 1977. Pela primeira vez, esta escultura e o seu tema pictórico especial são colocados em foco e discutidos no seu contexto iconográfico. O motivo da Pietà Trinitária refere-se à imagem de Deus Pai, que apresenta ao espectador o corpo de seu filho ou do Homem das Dores, morto-vivo. O espírito pomba também pertence a este tipo de imagem, embora não tenha sido preservado em várias imagens. Esta expressão da imagem da Trindade pode ser frequentemente encontrada em esculturas, painéis e pinturas de livros, mas também em gráficos do final da Idade Média e início dos tempos modernos. No ensaio acadêmico “Pietà Trinitária – Um conceito de imagem medieval tardia e seu impacto contínuo no contexto da Reforma e da Reforma Católica” do Dr. Dagmar Preising traçará a história deste motivo imagético na pintura, escultura e grafismo, reunindo inúmeras peças, inclusive menos conhecidas. Estes são classificados por tipo. Além de agrupar os exemplos, é importante destacar o contexto iconográfico e funcional destas representações da Trindade. O significado da Pietà Trinitária no contexto do misticismo da paixão e do culto sacramental no final da Idade Média também é explicado e também é dada uma olhada na Reforma e na Contra-Reforma. Os termos alternativos comumente usados ​​para esse tipo de imagem, como propiciatório e Notgottes, também são discutidos. Nesta exposição, a escultura da Coleção Ludwig é a peça central. Outras representações da Pietà Trinitária, bem como peças com temas pictóricos intimamente relacionados, como o chamado propiciatório com Deus Pai segurando o crucifixo, ou o anjo Pietà, estão agrupadas em torno desta. Ilustra-se a atualidade do tema pictórico trinitário nos séculos XV e XVI e visualiza-se a sua continuidade no período barroco.

O sapato é uma das peças de roupa que sempre emocionou particularmente as pessoas. O sapato não é apenas um meio de combater o frio e o calor, os ferimentos e a sujidade, mas acima de tudo é uma superfície de projeção de status social, de “caminhar pelo mundo” e, claro, de fantasias eróticas. A gama de representações artísticas de calçado, muitas vezes invulgares, nesta exposição vai da antiguidade às obras atuais, da Idade Média a Mel Ramos. A ausência do sapato, a marca do sapato e o significado simbólico do sapato são apresentados nas expressões artísticas, assim como um capítulo à parte é dedicado ao sapato vermelho.
É a primeira exposição que reúne e compara posições desde a pegada do lendário Buda até as criações de calçados de Andy Warhol. Sapatos e sapatos cult e icônicos formam um colchete; Santa Edwiges, cujo atributo são os calçados, encontra o Adidas All Stars nos pés de Freddie Mercury. Novas perspectivas sobre algumas imagens conhecidas se abrem. Olhar para o pé oferece descobertas e insights surpreendentes. Uma caminhada sonora acompanha as apresentações e não só Nancy Sinatra sabe: Estas botas são feitas para caminhar…
O envolvimento com o sapato na LUDWIGGALERIE acontece por ocasião da instalação da escultura em aço do conhecido artista pop alemão Heiner Meyer em frente ao edifício principal do Castelo de Oberhausen, em março de 2021. Como uma “exposição dentro de uma exposição ”, é dada especial atenção ao seu trabalho artístico. Saltos altos e carros velozes, botas acima do joelho e esmaltes, mas também orquídeas elegantes como o “chinelo de senhora” dão um toque de luxo. Sapatos caros e pernas femininas sensuais moldadas por eles aumentam a tentação da publicidade. Os elementos glamorosos que compõem o trabalho deslumbrante deste artista multifacetado mostram uma posição forte no calçado. Apenas Pop Art em formato de estilete!

RED HEELS - uma escultura de Heiner Meyer para a LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen como parte da exposição ART ABOUT SHOES

A base de concreto em frente ao Castelo de Oberhausen, na artéria principal Konrad-Adenauer-Allee, ficou vazia por muito tempo. Até 2013, a escultura do artista pop americano Keith Haring, “Head Through Belly”, erguia-se aqui. Diretor do Museu Dr. Christine Vogt contratou o artista pop alemão Heiner Meyer, internacionalmente conhecido, para esboçar esboços para uma escultura, que resultou em RED HEELS. Dois anos de planejamento já se passaram e o grande projeto está em fase final. Jutta Kruft-Lohrengel, a primeira presidente dos Amigos da LUDWIGGALERIE eV, recrutou vários ofícios artesanais para apoiá-la. Nossos agradecimentos ao Dr.-Ing. Christoph Diekmann, bem como as empresas Franken Apparatebau, Klöckner & Co. e Westdeutsche Farben GmbH para a realização da escultura RED HEELS.

Otfried Preußler (1923–2013) é um dos autores infantis e juvenis mais importantes e influentes do mundo de língua alemã. Com histórias como O Ladrão Hotzenplotz, A Bruxinha e O Fantasminha, a autora cria personagens desde a década de 1950 que continuam a moldar gerações de adolescentes de hoje e se tornaram parte integrante dos quartos infantis em todo o mundo. No total, ele escreve mais de 35 livros, que encantam seus leitores em todo o mundo com uma tiragem total de mais de 50 milhões de exemplares. Preußler trabalhou com vários ilustradores durante seu período criativo. Eles ilustram suas histórias e dão vida aos personagens usando seu próprio estilo e ideias pessoais. As ilustrações de FJ Tripp, que dão ao ladrão Hotzenplotz sua aparência marcante, são particularmente conhecidas. Os desenhos em sépia em forma de xilogravura que Herbert Holzing criou para Krabat permanecem consistentes ao longo de inúmeras edições. O olhar inconfundível da bruxinha, mas também do pequeno tritão, fica graças à artista Winnie Gebhardt. Desenhos originais raramente mostrados de Hörbe, feitos pelo próprio Otfried Preußler, também podem ser vistos.
Muitas das histórias de Preußler também foram transferidas para outras mídias: audiolivros, adaptações teatrais, filmes e jogos atestam sua imensa popularidade. Um total de 300 desenhos originais, bem como adereços de filmes e fotografias se reúnem.
Conheça todo o cosmos Preußler na exposição! Aproveite para descobrir os personagens menos conhecidos e deixe-se fascinar pelas histórias de Otfried Preußler junto com seus filhos ou netos!
A exposição é apoiada pela Stadtsparkasse Oberhausen e pelos Amigos da LUDWIGGALERIE. O parceiro cultural é o WDR 3.

“Cinza – uma visão clara apenas três vezes por ano”, é como Rudolf Holtappel (1923–2013) descreve a região do Ruhr e fotografa roupas brancas em frente a chaminés fumegantes, peças teatrais em palcos de teatro e pessoas consumindo em lojas de departamentos. Para os livros ilustrados da Mercator-Verlag, Holtappel encena a indústria, a cidade e as pessoas.

De 1961 a 1970 e de 1992 a 2003, Holtappel trabalhou como fotógrafo de palco na era Büch e Weise no Teatro Oberhausen. A sua escolha de perspectivas especiais e o seu sentimento do momento certo ficam tão claros nas produções de Günther Büch, que trouxe as peças de Peter Handke para o teatro, como nas performances de Klaus Weise na década de 1990.

Holtappel trabalha para Karstadt e Henkel há anos e teve uma influência decisiva na representação das empresas através das suas fotografias. De 1974 a 2002, ele fotografou fábricas, produtos, processos de produção em fábricas e pessoas em seus locais de trabalho para a empresa Henkel. Entre os inúmeros prêmios e prêmios e uma compra do Bundestag alemão estão as fotografias das cozinhas das fábricas da Henkel. Pela primeira vez, fotografias criadas para a Henkel estão sendo apresentadas ao público.

Holtappel, que concluiu o mestrado em fotografia em 1950, é surpreendente e experimental na sua abordagem aos antigos processos de impressão fina (impressões de sal, cianótipos e impressões a óleo de bromo) ou aos materiais de câmaras. Pela primeira vez, a exposição oferece uma visão abrangente da diversidade da obra de Rudolf Holtappel (1923-2013). Holtappel chama Oberhausen de sua casa há mais de 50 anos. A cidade de Oberhausen adquiriu sua propriedade em 2017, que está mantida no Castelo LUDWIGGALERIE Oberhausen. O ponto de partida da exposição é o seu arquivo cronológico composto por cerca de 360.000 ​​mil negativos em preto e branco e em cores.

Apoiado pelo financiamento cultural regional da Associação Regional da Renânia e dos Amigos da LUDWIGGALERIE. O parceiro cultural é o WDR 3.

Quando a americana Linda Eastman (1941–1998) começou a tirar fotos em meados da década de 1960, ela imediatamente caiu na cena rock e pop. Um convite à imprensa abre as portas para a festa promocional dos Rolling Stones no SS Sea Panther, no rio Hudson. É aqui que começa sua carreira incomum. Ela também conhece os Beatles e, portanto, seu futuro marido, Paul. Ela observa a criação da famosa capa de Abbey Road e dá uma visão íntima da vida da família McCartney.

Mas acima de tudo, as suas fotografias das grandes estrelas da música do final da década de 1960 ainda hoje moldam a nossa memória visual. Ela captura Janis Joplin e Jimi Hendrix, Nico e Brian Jones, The Doors e The Who, Aretha Franklin e Bob Dylan de uma forma natural. A exposição utiliza fotos dos anos XNUMX para mostrar momentos marcantes desta intensa era musical.

Além das fotografias, é explorado o tema da música e sua expressão artística visual. Uma área de exposição separada é dedicada ao design de capas de discos. Projetos icônicos como The Dark Side of the Moon de Hipgnosis para Pink Floyd, Revolver de Klaus Voormann para os Beatles ou Sticky Fingers de Andy Warhol para os Rolling Stones têm status de culto hoje. Um passeio sonoro montado especialmente para a exposição permite uma imersão musical na década de 1960.

Além de suas fotos musicais, Linda McCartney também levou sua câmera consigo em todas as suas viagens. Suas obras viárias mostram expressivamente observações de pessoas e espaços. E finalmente, McCartney tornou-se criativo no campo experimental. As impressões solares são imagens expostas à luz do dia, variando de naturezas mortas a retratos. A exposição foi criada com fotografias da coleção de Ina Brockmann e Peter Reichelt, que montaram sua coleção em cooperação com Linda McCartney no início dos anos 1990.

“Olha aqui está ele, ugh! o Struwwelpeter!” Em 1844, o médico Dr. Heinrich Hoffmann não apenas conta a história do menino que não consegue pentear nem cortar as unhas, mas também imagina inúmeros outros personagens nesse estilo. Além de Suppenkaspar e Hanns Guck-in-die Luft, Zappel-Philipp também molda o uso alemão até hoje. O clássico inspira artistas a criar suas próprias variações há 175 anos. Struwwelpeter, mas também Paulinchen, Konrad, Hanns e Friederich podem ser encontrados em todos os lugares - às vezes à primeira vista, às vezes após inspeção intensiva. Os temas da imagem ainda são altamente atuais e às vezes políticos. Na história dos meninos negros de Hoffmann, o grande Nikolas mergulha os meninos xenófobos em um grande tinteiro como punição. Em 2013, Luise Bofinger abordou o racismo retratado nesta história com uma mensagem inconfundível. Já o mangaká David Füleki ajuda o Struwwelpeter a fazer diversas aparições em dois quadrinhos diferentes. Hans Witte retoma o texto de Heinrich Hoffmann de forma reduzida e puramente tipográfica. Em seu livro Lola races, Anke Kuhl usa o humor contundente para retratar diversas crianças que se desesperam por causa dos perigos do dia a dia, mas que também conseguem crescer com eles. Struwwelpetriaden - internacional, estridente, político, cafona, impreciso, pontual, às vezes no espírito de Hoffmann, seja com texto original ou reescrito, reimaginado, reescrito ou com novos personagens.

Além disso, objetos curiosos, mercadorias e registros demonstram o alto nível de relevância para o cotidiano. Uma área de exposição separada traça o retrato de Hoffmann e mostra seu trabalho no contexto do período Biedermeier. Mais de 100 livros, desenhos, ilustrações, pinturas e objetos da multifacetada e internacional coleção Sauer ilustram a história e o desenvolvimento do tema.

A exposição Hollywood Icons é dedicada à Era de Ouro de Hollywood. Mostra aqueles fotógrafos cujas imagens todos ainda conhecem hoje: desde a lenda do cinema mudo Charlie Chaplin até brilhantes intérpretes do início da era do cinema sonoro, como Marlene Dietrich, até gigantes do pós-guerra, como Marlon Brando e Sophia Loren. No início da década de 1920, a indústria cinematográfica estava baseada em Los Angeles e arredores. Todos migram para a Califórnia em busca de fama e fortuna. Garbo é da Suécia, Dietrich da Alemanha, Hedy Lamarr da Áustria, Chaplin e Cary Grant são da Inglaterra, mas foi Hollywood que impulsionou cada um deles à fama internacional.
Hollywood Icons também apresenta os então desconhecidos fotógrafos de retratos e imagens fixas que trabalham sem serem vistos nos bastidores, mas cujas fotografias glamorosas são cruciais para a fama das estrelas e dos filmes. As imagens das estrelas de cinema são obra de cineastas que trabalham de forma brilhante para promover o estilo hollywoodiano em todo o mundo.
John Kobal lidou intensamente com esse material de Hollywood. Ele começa como um amante do cinema, depois se torna jornalista, escritor e um eminente historiador do cinema. As fotografias desta exposição provêm de sua coleção. A exposição apresenta principalmente fotografias em preto e branco, mas também há fotografias coloridas entre as obras. Mais de 200 fotos da Fundação John Kobal reúnem grandes nomes de Hollywood. Um reencontro com rostos familiares, de Judy Garland a Fred Astaire, de James Dean a Elizabeth Taylor.

O ponto de partida da exposição iconográfica Anna ensina Maria a ler - Sobre o culto de Santa Ana por volta de 1500 é uma escultura em pedra francesa única e de alta qualidade de meados do século XV, que pertence à coleção Peter e Irene Ludwig. Esta escultura foi exposta como empréstimo permanente no Museu Suermondt-Ludwig desde 15 e tornou-se propriedade da cidade de Aachen em 1994 através do legado de Irene Ludwig. Mostra como a entronizada Ana instrui a pequena Maria que está ao seu lado na leitura, tema pictórico que se desenvolveu no contexto da veneração de Santa Ana. O assunto apareceu em manuscritos já no século XIII e início do século XIV e recebeu atenção crescente no final da Idade Média e no início dos tempos modernos, à medida que a veneração de Santa Ana aumentava. Porém, foi apenas no período barroco que o tema ganhou popularidade geral, que perdurou até o século XIX. No período por volta de 2011, quando o culto de Ana atingiu o seu auge, a instrução de Maria ainda era um tema pictórico raro em comparação com a representação muito mais popular e comum da Terceira Ana.

O foco da exposição é a escultura da Coleção Ludwig, até então considerada isolada. Outros ensinamentos de Maria são agrupados em torno desta figura, a vida posterior da Maria adulta é iluminada e outros motivos importantes da veneração de Santa Ana são mostrados.

A Inglaterra é considerada o berço da Pop Art e produziu inúmeras posições incomuns sobre o fenômeno do que era então um novo movimento artístico verdadeiramente revolucionário. Além dos motivos do quotidiano, é sobretudo uma ideia de arte para todos. Obras-primas são criadas em massa por meio da gravura, da arte de edição e de múltiplos. Existem temas favoritos, como televisão, publicidade ou carros. Reflete-se toda uma atitude perante a vida e a música desempenha um papel crucial. Esta exposição leva isso especialmente em consideração, dedicando uma seção separada aos designs de capas de discos, como a de Peter Blake e Jann Haworth para o álbum dos Beatles, Sgt. Pepper.

O advogado de Düsseldorf Heinz Beck, cuja coleção está guardada no Museu Wilhelm Hack em Ludwigshafen, compilou uma notável coleção de obras desse período. Pela primeira vez, a LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen apresenta uma seleção de Pop Art britânica desta coleção única com suas variedades especiais e idiossincráticas.

Ivor Abrahams I Peter Blake I Derek Boshier I Anthony Canham I Patrick Caulfield I Harold Cohen I Ian Colverson I Antony Donaldson I Michael English I Richard Hamilton I Jann Haworth I Dick Higgins I David Hockney I David Inshaw I Bill Jacklin I Allen Jones I David King I RB Kitaj I Gerald Laing I Les Levine I David AJ Miller I Malcolm Morley I Robin Page I Eduardo Paolozzi I Peter Phillips I Tom Phillips I Patrick Procktor I John Salt I Colin Self I Richard Smith I Joe Tilson

A LUDWIGGALERIE comemora seu 20º aniversário com muito agradecimento e júbilo. Os gestos de tais emoções também podem – é claro – ser encontrados em obras de arte. E então este é o tema básico sob o qual as obras-primas da coleção Peter e Irene Ludwig são reunidas na LUDWIGGALERIE. Dotado de empréstimos internacionais, explora-se a comunicação não-verbal, a poesia silenciosa, como Leonardo da Vinci chama de arte.
Seguindo o espírito do casal colecionador, obras de diferentes épocas e regiões do mundo dialogam. A gama estende-se desde a antiguidade até aos dias de hoje, desde a arte pré-colombiana até à Idade Média europeia e muito mais. A questão do que une ou separa as coisas interiormente sempre foi central para os Ludwig. O encontro entre as obras sob uma questão comum dá continuidade a esse interesse. Os gestos podem ser usados ​​para se comunicar bem em um país estrangeiro ou para conseguir exatamente o oposto: tome cuidado se você balançar a cabeça na Índia!
Passo do Século, de Wolfgang Mattheuer, é certamente uma obra fundamental para o gesto como portador de significado num contexto político e social. O amante tempestuoso, por outro lado, incorpora plenamente a força do impacto emocional que o sexo oposto pode desencadear. Gestos de apontar o dedo e abençoar, sinais de vitória e o dedo fedorento, o polegar para cima ou o punho do trabalhador são evidências de posições de mãos frequentemente utilizadas. A pintura gestual encontra sua forma perfeita nas curvas de Karl Otto Götz. Mas o mundo inteiro também conhece o pensativo “descansar a cabeça na mão”. Esta exposição combina gestos surpreendentes, nos quais não falta o diamante Merkel – executado por São João.

Ι Ellen Auerbach Ι Belkis Ayón Manso Ι Heike Kati Barath Ι Georg Baselitz Ι Thomas Baumgärtel Ι Caspar Benedikt Beckenkamp Ι Matthias Beckmann Ι Anne Berning Ι Robert Bosshard Ι Claudio Bravo Ι Pieter Brueghel Ι Gudrun Brüne Ι Franz Anton Bustelli Ι Carlo Cignani Ι Cornelis van Dalém Ι Walter Dohmen Ι Albrecht Dürer Ι Erró Ι Semëon Natanovič Fajbisovič Ι Gérard Gasiorowski Ι Sighard Gille Ι Peter Gilles Ι Karl Otto Götz Ι Bob Gruen Ι Johannes Grützke Ι Eckart Hahn Ι Keith Haring Ι Xenia Hausner Ι Bernhard Heisig Ι Helnwein e David Hockney Ottmar Hörl, Lambert Hopfer, Thomas Huber, Daniel Josefsohn, Claudia Kaak, Kirsten Klöckner, Germaine Krull, Monika Lioba Lang, Roy Lichtenstein, Richard Lindner, André Lützen, Wolfgang Mattheuer, Dóra Maurer, Mestre do Calvário de Sinzig, Johann Peter Melchior eu Pedro de Mena Ι Heiner Meyer Ι Herman van der Mijn Ι Edvard Munch Ι Reiner Nachtwey Ι Ernst Wilhelm Nay Ι CO Paeffgen Ι Otto Pankok Ι AR Penck Ι Pablo Picasso Ι Raimondo Puccinelli Ι Marcanton Raimondi Ι Werner Reuber Ι Gerhard Richter Ι Johanna Roderburg Ι Michail Nikolaevič Romadin, James Rosenquist, Andreas Rosenthal, Svetlin Rusev, Laurentius Russinger, Gunter Sachs, Jürgen Schäfer, Egon Schiele, Karl Schmidt-Rottluff, Bernard Schultze, Emil Schumacher, Anton Sohn, Klaus Staeck, Volker Stelzmann e Franz von St haha ​​e David Teniers Ι Myriam Thyes Ι Hann Trier Ι Simon Troger Ι Werner Tübke Ι Dietmar Ullrich Ι Andy Warhol Ι Jacob Willemsz. de Wet e Su Xinping e Hanefi Yeter e Dmitry Zhilinsky

Apoiado pela Fundação Peter e Irene Ludwig, Kunststiftung NRW, Volksbank Rhein-Ruhr e Amigos da LUDWIGGALERIE.

Em outubro de 1953, o homólogo alemão do Mickey Mouse iniciou sua marcha triunfal. Publicado inicialmente sob o título Till Eulenspiegel, duas jovens raposas chamadas Fix & Foxi aparecem rapidamente - inicialmente como personagens coadjuvantes - e imediatamente se tornam as favoritas do público! Os dois logo ganharam sua própria revista e há muito se tornaram um culto. Um ambiente animado é criado para os gêmeos raposas: o adorável tio Fax, o inventivo Raven Knox, a conservadora vovó Eusebia, o inteligente Lupinchen e o ganancioso e preguiçoso lobo Lupo também vivem na idílica pequena cidade de Fuxholzen. Rolf Kauka criou um império inteiro com figuras próprias para o mercado local. A exposição ilustra o desenvolvimento de uma marca cult - desde os primeiros desenhos naturalistas até a criação dos mundialmente famosos personagens de quadrinhos Fix & Foxi. Como Walt Disney, Kauka não desenha os personagens sozinho, mas emprega todo um grupo de ilustradores que estão incluídos na marca registrada Kauka. A partir da década de 1960, séries licenciadas franco-belgas como Gaston, Astérix, os Smurfs, Lucky Luke, Spirou e Fantasio também apareceram nas revistas Fix & Foxi.

A exposição mostra o grande cosmos de Rolf Kauka (1917–2000) em desenhos originais, rascunhos, documentos, revistas contemporâneas, curtas-metragens e muito mais. Com mais de 200 desenhos originais, é a mostra mais completa até hoje.

A exposição é baseada no trabalho preparatório de Gottfried Gusenbauer, Caricature Museum Krems e Dr. Gisela Vetter-Liebenow, Wilhelm Busch – Museu Alemão de Caricatura e Desenho, Hanover e foi revisado, significativamente ampliado e complementado para Oberhausen. Em cooperação com o espólio de Rolf Kauka, o Dr. Stefan Piëch e sua família Entertainment AG.

O tema do carvão certamente não é central na área de quadrinhos e desenhos animados, mas há toda uma gama de posições inusitadas. Usando abordagens e implementações muito diferentes, os ilustradores envolvidos contaram histórias sobre o “ouro negro”.
“Os Patos na Área do Ruhr” são subterrâneos, “Stahlgolem” de Hendrik Dorgathen e “Hieronymus B” de Ulf K relatam a mudança estrutural. Dachma lembra-se do pó de carvão no ar e Ulrike Martens levanta o “Kohlibri”. Isabel Kreitz nos conduz através da mineração didática na Idade Média, os personagens de Ralf König “Bodo e Heinz” focam na segurança ocupacional subterrânea e Thorsten Wieser conta uma biografia fictícia de um artista - de negociante de carvão a gênio da pintura e vice-versa. Jamiri está feliz com a rosqueagem do aço, enquanto Ralf Marczinczik e Steff Murschetz discutem as condições de produção mais que difíceis por volta de 1900. Mas Walter Moers e Florian Biege mostram que o carvão também pode desempenhar um papel muito além da região do Ruhr quando nos levam ao distante reino da Zamónia.
“Kumpel Anton”, desenhado por Otto Berenbrock, e “Grandpa Hausen” de Dirk Trachternach aparecem como convidados especiais.
O fato de a LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen poder seguir sua especialidade de galeria popular no cânone do RuhrKunstMuseen e observar o tema do ponto de vista do desenho a partir de uma perspectiva cômica mostra quão ampla é a gama que a cena artística e museológica da área tem a oferecer.

+ Otto Berenbrock + Dachma + Hendrik Dorgathen + Moritz Götze + Jan Gulbransson + Jamiri + Ulf K. + Ralf König + Isabel Kreitz/Peter Mrozek + Ralf Marczinczik + Ulrike Martens + Walter Moers/Florian Biege + Steff Murschetz + Dirk Trachternach + Thorsten Wieser +

Brigitte Bardot com cabeleira loira, Yves Saint Laurent nu e Mick Jagger com capuz de pele: ícones do cinema, da moda e da música, fotografados por superestrelas como Richard Avedon, Bert Stern e Helmut Newton, refletem a atitude perante a vida do As décadas de 1960 e 70 na LUDWIGGALERIE revivem anos.
Data desta época a ligação única entre diferentes disciplinas da expressão artística: partido e política, moda e música, arte e culto corporal, entre outras, são retratadas pela Fábrica de Warhol e pela cena nova-iorquina ali representada. Warhol eleva os próprios meios de comunicação de massa à categoria de arte. A performance como expressão do corpo, seja através da música, da dança ou como ação artística, vive uma fase elevada. E a moda, seus modelos e sua manifestação fotográfica são considerados uma forma de arte igual nesta época de superficialidade deslumbrante.
A fotografia desempenha um papel indispensável na formação da imagem da estrela e fornece insights (às vezes encenados) sobre a vida privada. Os Beatles se divertindo em uma guerra de travesseiros, Twiggy como a nova supermodelo andrógina e as estrelas de Hollywood refletem momentos importantes da época em retratos impressionantes. É claro que os lados obscuros desse estilo de vida, como os excessos autodestrutivos por meio de drogas ou álcool, também se tornam visíveis. Warhol descreve de forma autodepreciativa o vício ininterrupto do prazer dos ricos e famosos, bem como dos artistas, como uma doença social.
A exposição mostra predominantemente fotografias em preto e branco e impressiona pela combinação de obras com qualidade de museu e fotos atmosféricas de paparazzi. Mais de 200 obras da coleção suíça Nicola Erni reúnem quem é quem na sociedade das celebridades.

A exposição foi idealizada pelo Dr. Ulrich Pohlmann, Museu da Cidade de Munique/Coleção de Fotografia, e Ira Stehmann em colaboração com a Coleção Nicola Erni.

Quem não os conhece, os narizes bulbosos e sem palavras que sabem tanto para contar através de expressões faciais, gestos e interação com quem os rodeia. Guillermo Mordillo, nascido em Buenos Aires em 1932, há décadas retrata suas figuras esféricas de forma pontiaguda, cobrindo um colorido espectro de temas: as pessoas com suas pequenas peculiaridades são retratadas com amor, o amor com suas provações e tribulações, os animais com as humanas. Propriedades, futebol e golfe, bem como motivos políticos, encontram o seu caminho nos mundos muitas vezes surreais do artista.

Em suas fotos, ele não apenas harmoniza coisas diferentes de uma forma surreal, mas também permite que seus personagens superem com facilidade os grandes e pequenos obstáculos da vida cotidiana. Fiel ao seu ditado: “O humor é o espírito que faz piruetas no meio da eterna dança da vida”, Mordillo usa esse humor para transformar o cansaço do mundo e a melancolia em opostos, oferecendo assim ao espectador a oportunidade de contrariar o pessimismo da vida cotidiana. com otimismo.

Mais de 150 de seus originais raramente exibidos são reunidos na exposição e fornecem uma visão do trabalho do artista internacionalmente ativo, que ganhou vários prêmios. Imagens de fases criativas em Buenos Aires, Lima, Nova York, Paris e Mônaco oferecem uma visão geral de seu diversificado trabalho.

Pela primeira vez em 25 anos, uma exposição abrangente num museu alemão mostra uma seleção retrospectiva de seus originais. Além de alguns desenhos em preto e branco dos primeiros anos, inúmeras imagens coloridas e atuais chegaram à LUDWIGGALERIE.

Em cooperação com o Museu de Caricatura Krems e Guillermo Mordillo.

Com o fotógrafo nova-iorquino Sam Shaw (1912–1999), a LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen apresenta mais uma vez um dos grandes criadores de imagens do século XX. Os seus motivos, muitas vezes espontâneos, alcançam fama mundial e escrevem a história da fotografia. A foto de Marilyn Monroe de The Seven Year Itch com a saia plissada esvoaçante é uma das imagens mais reproduzidas até hoje.
A carreira de Sam Shaw começou como fotógrafo da revista Collier. Ele ganhou notoriedade com o relatório How America Lives, que mostra as diversas faces da vida cotidiana americana na década de 1940 - longe do brilho e do glamour de suas fotografias posteriores de Hollywood.
Os retratos de estrelas, artistas e intelectuais desta época preenchem inúmeras capas de revistas como Life e Look e ainda hoje determinam a nossa memória visual.
O filme é o grande modelo para suas gravações. Freqüentemente, há ângulos de visão incomuns que lembram as configurações da câmera para sequências de filmes. O interesse adicional pela pintura é evidente não apenas nos retratos de artistas, mas também em fotografias quase pictóricas tiradas com lentes de longa distância focal. As fotografias são narrativas e muitas vezes concebidas como uma série. Não importa se ele acompanha Sophia Loren em um dia de filmagem ou acompanha crianças brincando com a câmera.
Em colaboração com o Shaw Family Archives, Nova York, uma retrospectiva abrangente com cerca de 230 fotografias em preto e branco pode ser vista em Oberhausen. Além dos clássicos, destacam-se focos temáticos de seus 60 anos de trabalho em áreas como esporte, retrato, crime e cinema.

Arte e compras, duas coisas intimamente relacionadas, mas que parecem distantes. Na passagem da Idade Média para os tempos modernos, Albrecht Dürer emergiu como um dos primeiros empresários da arte. As modas do mercado de arte ao longo dos séculos refletem-se na sobrepintura ou na reinterpretação de temas. A questão do original, da cópia e da falsificação surge continuamente. Grandes bolhas especulativas, como a Tulpomania do século XVII, combinam os mercados artístico e monetário.

O século XX virou então todas as tradições de cabeça para baixo. Marcel Duchamp declara que os bens industriais são arte, Andy Warhol e os representantes da Pop Art incluem produtos de supermercado em suas fotos. E o comportamento das pessoas na hora das compras não é mostrado apenas na série de fotos de Rudolf Holtappel Pessoas na loja de departamentos observado. Quando Gerhard Richter em sua pintura mãe e filha Enquanto Brigitte Bardot parece estar fazendo compras com a mãe, o tema das compras se combina aqui com o pintor mais caro do mercado de arte atual.

A década de 1960 tentou quebrar barreiras com novas formas como as múltiplas e as edições impressas e criar uma ligação entre arte e vida com a procura de “arte para todos”. Mas a disparidade é cada vez maior, o mercado da arte tem explodido há anos e mesmo a crise financeira não teve qualquer efeito sobre este fenómeno. Os artistas também estão preocupados com o facto de a arte se ter tornado “o bem de luxo mais caro da nossa cultura” (Piroschka Dossi). Há também posições críticas sobre o comportamento geral do consumidor e o dinheiro, meio de pagamento da arte e do luxo, também passa a fazer parte das obras ou portadores das imagens.

Esta ampla exposição, que reúne obras desde o século XV até aos dias de hoje, desde gravuras em cobre a videoinstalações, está agora, pela primeira vez nesta forma, a lançar luz sobre o amplo campo que liga arte e compras.

Associamos o Pato Donald, o Mickey Mouse e seus - como o Tio Patinhas - amigos e parentes muitas vezes muito independentes ao grande Walt Disney e sua enorme fábrica. Mas quem foram os artistas por trás do império Disney que inventaram os personagens e seus mundos e desenvolveram o cosmos de Patópolis?
A exposição de Oberhausen apresenta os três antigos mestres: O Homem Rato Floyd Gottfredson, que nos trouxe o Mausiverso na Terra; Al Taliaferro, o ainda desconhecido ilustrador das tiras de jornais diários com Donald e obstetra dos sobrinhos Huey, Dewey e Louie e muitos outros membros da família. Bem como o altamente reverenciado fundador da Entenhaut e pai de vários personagens como Tio Dagobert, Daniel Jet Gear e os Tank Crackers, Carl Barks.
Mas as histórias continuam após a morte destes três grandes ilustradores, e este é também o tema da apresentação em Oberhausen. Ulrich Schröder, que vem da Alemanha, hoje desenha histórias e, sobretudo, capas sobre ratos e patos. O alemão Jan Gulbransson e o americano Don Rosa deixaram Donald continuar suas aventuras cheias de birras e banhar-se em dinheiro com o tio Dagobert. Os visitantes podem agora mergulhar no cosmos de Duckhausen››››Oberhausen›››› em desenhos e gravuras originais, muitos dos quais estão em exibição pública pela primeira vez.
A exposição é uma das mais extensas apresentações sobre Donald, Mickey e seus ilustradores até hoje. Em colaboração com a Coleção Ina Brockmann e Peter Reichelt, Mannheim.

Regina Relang (Estugarda 1906 – 1989 Munique) iniciou a sua carreira fotográfica em Paris na década de 1930. Ela comemorou seus primeiros sucessos com fotos de reportagem tiradas durante suas viagens pelo sul da Europa. O trabalho fisicamente difícil dos carregadores no porto do Porto desperta-lhe o interesse, tal como um tradicional casamento macedónio na Galičnik. No período pós-guerra, Relang tornou-se o principal fotógrafo de moda da Alemanha. Seus clientes incluem designers de moda conhecidos como Christian Dior, Pierre Cardin e Yves Saint Laurent, e suas fotografias são publicadas em revistas de moda contemporânea como Constanze, Senhora Óder Filme e mulher impresso.

Em suas fotografias, apropriadamente descritas como “vitrines em movimento”, ela combina a moda com situações cotidianas de uma forma idiossincrática e incomum. As ruínas da destruída Munique servem de pano de fundo, bem como a colorida e animada agitação urbana das metrópoles da moda internacional. Com um estilo fotográfico próprio, Relang supera as fronteiras entre a fotografia de moda e a reportagem. Ela incorpora as últimas coleções em um contexto cotidiano ou encena seus modelos como manequins de estrelas no espírito do glamoroso mundo do cinema. Na década de 1960, sua perspectiva fotográfica mudou e ela tirou cada vez mais fotos em estúdio.

A exposição abrange desde os primeiros relatos de viagens da década de 1930 até fotografias de moda do período pós-guerra e fotografias para revistas de destaque como Die Dame Óder VOGA. Apresenta o trabalho da vida de Relang e ao mesmo tempo reflete a história da fotografia de moda alemã ao longo de meio século.

Esta exposição é a primeira vez que uma seleção do espólio de Regina Relang da coleção de fotografia do Museu da Cidade de Munique pode ser vista fora do sul da Alemanha.

Em cooperação com o Suermondt-Ludwig-Museum Aachen, a exposição é mais uma vez dedicada a uma importante peça da coleção Peter e Irene Ludwig. O painel de carvalho, criado por volta de 1475 e atribuído ao mestre do Calvário de Sinzig, trata do raro tema da pintura em painel ars bene moriendi, a questão central de como morrer adequadamente na Idade Média.

Pela primeira vez, este painel é agora examinado detalhadamente estilisticamente e iconograficamente e classificado na área temática da boa morte e da representação da intercessão (intercessões de Maria e Cristo), que estão interligadas nesta imagem. Outros empréstimos valiosos, como o único ars moriendi-Livro de blocos do Museu Gutenberg em Mainz ou a representação do Pobre Lázaro da Coleção Marks-Thomée complementam esta exposição concentrada de uma sala com empréstimos adicionais do Museu Suermondt-Ludwig.

Uma apresentação paralela à exposição arte pop americana mostra as conexões no conteúdo que inicialmente parecem surpreendentes. Os banners desses painéis medievais, aqui transcritos pela primeira vez para esta mostra, são os precursores dos balões de fala tão típicos dos quadrinhos. Eles também oferecem orientação por meio de direção de leitura e conexão com os personagens. As implementações de Roy Lichtenstein são impensáveis ​​sem isso. E o tema da morte também desempenha um papel central na Pop Art - basta pensar na obra de Andy Warhol Morte e desastre-Série.

Com o advento da Pop Art na América, não apenas os motivos do cotidiano, como quadrinhos, bandeiras ou latas de sopa, tornaram-se dignos de arte. A questão do original e do culto ao gênio também é discutida - no espírito de Marcel Duchamp - e leva, entre outras coisas, a artistas que passam a utilizar suas serigrafias, mas também objetos ars múltiplo, como obras-primas em massa. Arte para todos é o mote que conduz à sua própria expressão e formas idiossincráticas.

O Museu Wilhelm Hack em Ludwigshafen abriga uma magnífica coleção de obras das décadas de 1960 e 70, incluindo a coleção do advogado de Düsseldorf Heinz Beck. A característica especial desta coleção reside na preferência de Beck por edições e múltiplos, o que reflete de forma impressionante o desejo da época pela arte democratizada. Pela primeira vez, a LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen apresenta uma seleção de arte pop americana que ilustra a abordagem especial, não apenas de uma figura central como Andy Warhol. Edições como 7 em uma caixa de 1966 ou dez de leo castelli de 1967/68 fornecem insights sobre amizades entre artistas e comportamento no mercado de arte.
Arman (Armand Fernandez), Art Workers Coalition, Richard Bernstein, Christo, Robert Cottingham, Allan D'Arcangelo, Jim Dine, Don Eddy, Richard Estes, Hans-Dietrich Froese, Ralph Goings, Robert Graham, Eila Hershon, Robert Indiana, Alain Jacquet, Jasper Johns, Howard Kanovitz, Allan Kaprow, Alex Katz, Edward Kienholz, RB Kitaj, Roy Lichtenstein, Liliane Lijn, Robert W. Munford, Lowel B. Nesbitt, Claes Oldenburg, Mel Ramos, Robert Rauschenberg, Larry Rivers, James Rosenquist , Edward Ruscha, George Segal, Robert Stanley, Alan Turner, Andy Warhol, Tom Wesselmann

Ralph Ruthe, Joscha Sauer e Flix (Felix Görmann) moldam a cena alemã de quadrinhos e desenhos animados há anos e seu trabalho mostra claramente as transições e limites do meio.

Ralph Ruthe é particularmente conhecido por suas catástrofes diárias que assolam os protagonistas Merda acontece aconteceu, conhecido. Um rico repertório de animais - sejam vacas, hamsters, abutres ou leões - vivenciam infortúnios contados em desenhos animados, com destaque para as árvores e a morte como personagens. Ruthe já trabalha intensamente com imagens em movimento há algum tempo. Ele cria filmes de animação a partir de seus desenhos animados, aos quais ele mesmo fornece vozes, som e música. Atualmente desenvolveu um programa de palco com o qual fará uma digressão pela Alemanha durante o período de exposição.

NOTLUSTIG de Joscha Sauer tornou-se agora um culto e uma marca registrada. Uma equipe diversificada preenche seus desenhos. Além dos lemingues suicidas, os Yetis e o Sr. Riebmann, que vive em uma parede, recebem atenção constante, assim como a Morte e seu poodle, os fecalini, os ninjas, os alienígenas e os cientistas Wilson e Pickett. As imagens em movimento também desempenham um papel cada vez mais importante para Sauer, que atualmente trabalha em uma série de filmes de animação. Todos os três artistas disponibilizam regularmente novos desenhos e histórias em quadrinhos em seus sites.

Isto é o que Flix apresenta sob o título Dias de herói pequenas situações do cotidiano, geralmente organizadas em quatro caixas, na internet. Enquanto Ruthe e Sauer escolheram o cartoon, ou seja, a imagem única, como meio, Flix desenha extensas histórias em quadrinhos que às vezes são baseadas em modelos literários. Faust Óder Dom Quixote são recontados aqui de uma forma muito original. O Lindas filhas, que está sendo publicado atualmente em livro para coincidir com a exposição, também reflete observações da vida cotidiana, assim como muitas de suas outras histórias. E Ferdinand, o cachorro repórter ele cede regularmente Seu espelho Aparência e caráter, enquanto Ralph Ruthe inventa as histórias.

Estruturar e conectar, separar e recortar estradas, hidrovias, linhas ferroviárias e linhas aéreas. Eles são as características centrais do design da região do Ruhr. Estes grandes corredores moldam a imagem da região e estão actualmente a suscitar discussões. A construção de postes de eletricidade é um indicador da transição energética ou uma distorção do panorama paisagístico? Uma ligação directa por auto-estrada significa mobilidade e modernidade ou ruído e perigo? Diferentes perfis espaciais indicam paisagens danificadas, renaturação e mudanças estruturais. Esta exposição sob o desafiador título GREEN CITY visualiza a paisagem incomum e complexamente interligada da região do Ruhr através do olhar artístico. Os temas da ecologia, do clima, da protecção ambiental e da energia não são apenas importantes do ponto de vista sócio-político, mas também desempenham há muito tempo um papel central no trabalho de numerosos artistas.

A LUDWIGGALERIE apresenta um espectro desta busca artística idiossincrática, com obras de artistas regionais, bem como posições de renome internacional. O exame crítico de obras mostra rios e ruas. As configurações do espaço externo desenham a paisagem esculturalmente ou com cores. Séries fotográficas abordam a recuperação de espaços pela natureza. Trabalhamos com materiais naturais e industriais, de vários gêneros e experimentalmente. Até a corrente elétrica invisível pode se tornar um objeto de arte!
Obras de arte nas imediações da LUDWIGGALERIE também abrem o espaço do museu ao meio ambiente.

Esta extensa exposição apresenta o trabalho de um dos mais proeminentes fotógrafos alemães. Em meados da década de 1970, Herlinde Koelbl, que morava perto de Munique, descobriu a sua paixão pela fotografia. Desde o início, o seu sentimento especial pelas pessoas, os temas idiossincráticos e a sua abordagem ao trabalho em projetos de longo prazo ficaram evidentes. A sala de estar alemã foi seu primeiro livro publicado em 1980 e hoje é um dos clássicos da história da fotografia alemã. Seguiram-se mais de uma dúzia de volumes, bem como numerosos prémios, cargos de ensino internacionais e exposições.
Mas seria muito míope ver Herlinde Koelbl apenas como fotógrafa. Muitos de seus projetos incluem extensos textos e entrevistas. Filmes e videoinstalações completam seu trabalho. Já em A sala de estar alemã ela permite que as pessoas retratadas tenham uma palavra a dizer. Ambos Retratos judaicos de 1989, as respostas abrangentes da “última geração de judeus alemães que nasceram na fértil simbiose germano-judaica - e que então tiveram que testemunhar sua destruição” são uma parte inseparável do trabalho e testemunham questões sobre tradição, pátria ou religião. O profundo interesse de Herlinde Koelbl pelas pessoas também fica evidente na série crianças, homens Óder Mulheres fortes. Talvez seu projeto mais conhecido seja o estudo de longo prazo Traces of Power. Em 1991, ela iniciou este estudo de oito anos e observou durante a sua visita anual como o cargo e a responsabilidade, a atenção do público e a pressão para ter sucesso mudaram as pessoas. As imagens de Joschka Fischer, Gerhard Schröder e especialmente de Angela Merkel tornaram-se parte integrante da memória imagética alemã.

“Gato Raspadinha! – cheio de traição / Uma lacuna na ponte.” No outono de 1864, Wilhelm Busch completou sua mais famosa história ilustrada: Max e Moritz. Essas pegadinhas de bad boy são agora vistas como o nascimento dos quadrinhos alemães. Com um golpe após o outro, a LUDWIGGALERIE apresenta agora a primeira visão geral em grande escala da história e do desenvolvimento dos quadrinhos nos países de língua alemã. Divididos em 15 capítulos (pegadinhas), os quadrinhos preferidos dos alemães são apresentados em quase 300 desenhos originais e mais de 60 primeiras tiragens.
Pai e filho, Nick Knatterton, Correção e Foxy, Mecki Óder Strizz em seguida, povoe o Castelo de Oberhausen. Ralf König está conosco O homem em movimento tão representado quanto a figura cult de Walter Moers Pequeno idiota. Além disso, esta primeira retrospectiva em quadrinhos fornece insights interessantes sobre a cena cômica local atual. As obras de vanguarda de Hendrik Dorgathen e Anke Feuchtenberger são seguidas pelas histórias em quadrinhos artisticamente ambiciosas de Isabel Kreitz e Reinhard Kleist. Os mais recentes desenvolvimentos, como o gás alemão baseado no modelo japonês, quadrinhos de super-heróis para o mercado norte-americano e web comics, também fazem parte da exposição.
Eles deixam claro que os quadrinhos em língua alemã hoje são mais diversificados e de alta qualidade do que nunca. Em 150 anos, ganhou continuamente força inovadora.

Eve Arnold (1912 – 2012) é uma das fotógrafas mais importantes do século XX. No final da década de 20 iniciou a sua carreira fotográfica como fotógrafa autodidata com uma câmara Rolleicord e em 1940 - como uma das primeiras mulheres - a ingressar na lendária agência fotográfica MAGNUM. Ela ficou famosa por suas fotografias de moda incomuns no Harlem e por suas reportagens políticas. Mas as observações sensíveis da vida que está apenas a começar e as fotografias das suas viagens ao Afeganistão, à China e à Índia também demonstram a sua linguagem visual única e profundamente humanista.
Além das fotografias de viagens, são particularmente os sensíveis retratos de estrelas de cinema como Marlene Dietrich, Marilyn Monroe e Joan Crawford com os quais Eve Arnold fez história na fotografia. Ela fotografa Monroe and Co. há mais de cinquenta anos.
Eve Arnold impressiona como uma observadora quieta e sensível que sempre se afasta de seus temas fotográficos para capturar o “momento decisivo” – no espírito de Henri Cartier-Bresson. Suas fotos aparecem em grandes e conhecidas revistas de fotografia e moda, como Harper's Bazaar, Vogue e LIFE. A LUDWIGGALERIE dedica agora uma retrospectiva abrangente à grande dama do fotojornalismo, que morreu em Londres em 2012, pouco antes de completar 100 anos. O foco da mostra em Oberhausen são as fotografias de viagens do Afeganistão, China, Índia e África do Sul, bem como seus estudos de retratos fotográficos de Marlene Dietrich, Marilyn Monroe, Joan Crawford, Isabella Rossellini e outros rostos conhecidos do século XX.

Mesmo durante a sua vida, Andy Warhol foi mais popular do que quase qualquer outro artista - ele criou símbolos e ícones que ainda são válidos hoje, e a sua estética visual tem um impacto duradouro na vida quotidiana. Inspirada nos meios de comunicação de massa e na cultura cotidiana, a obra de Warhol deu impulsos decisivos para o desenvolvimento da arte a partir da década de 1960. Ao mesmo tempo que Roy Lichtenstein, Warhol usou motivos da mídia impressa e produtos produzidos em massa, como as latas de sopa Campbell's, para sua arte. Ele remove objetos do cotidiano de seu entorno, coloca-os em destaque na imagem e assim transforma coisas do cotidiano em arte. Ele encontra seus motivos na mídia atual, na história da arte, na arquitetura ou na natureza. Durante esse tempo, Warhol descobriu o processo de serigrafia. Somente através da tecnologia de serigrafia é possível ao artista retirar quaisquer traços manuscritos de sua obra, rompendo com a pintura tradicional e ainda desenvolvendo seu estilo inconfundível.
O foco da exposição são as gravuras de Warhol, principalmente as de seus primeiros anos. Na exposição, gravuras como Cadeira Elétrica, Sopa Campbell e o portfólio Flash, retratos de Marilyn, Mao e a Anunciação depois de Leonardo da Vinci apresentam a extraordinária forma de trabalhar de Warhol. A exposição centra-se principalmente no artista gráfico Warhol, mas também inclui obras em tela como Retrato de uma Senhora. Também é feita referência à sua presença no cenário musical da época e ao cineasta Warhol. Você pode ver as capas dos discos que ele desenhou, bem como os roteiros originais. As fotografias documentais de Leo Weisse, realizadas em 1971, tornam tangível a autoencenação do artista. O fotógrafo acompanhou Warhol na turnê promocional do filme Trash na Alemanha.

O cabelo exerce um fascínio especial sobre pessoas de todas as culturas há milhares de anos. Seja por ser considerada a sede da alma, simbolizar a força vital humana ou servir como portador central de mensagens eróticas. O cabelo desempenha um papel especial em todas as religiões do mundo; mostra humildade ao raspar os cabelos da cabeça ou aumenta a proximidade de Deus ao usar cabelos reais em crucifixos na Idade Média cristã. A fertilidade ou perda de força se reflete nos cabelos exuberantes ou cortados. Status, gênero ou filiação grupal são sinalizados pelo cabelo aberto ou coberto com seu penteado ou pelo formato do capuz. A cor do cabelo varia do ruivo do traiçoeiro Judas e membro da ninhada da bruxa ao loiro sedutor de Maria Madalena e Marilyn Monroe até o preto profundo da femme fatale. Os cachos dos entes queridos foram guardados como símbolo de amizade. A arte dos séculos XX e XXI é redescobrir o cabelo. Encenados repulsivamente ou direcionados ao desejo, surpreendentes em um contexto fragmentado ou apropriados à vida cotidiana, os cabelos podem agora aparecer de várias formas. Parece não haver limites para as metamorfoses.
Baseada no rico acervo da Coleção Peter e Irene Ludwig, a mostra traça como os artistas interpretaram o cabelo ao longo dos séculos. Este projeto expositivo tem especialmente em conta a ideia de Peter e Irene Ludwig de colocar continuamente as suas obras de arte em novos contextos e combiná-las com outras obras de outras coleções.

Arthur Fellig (1899–1968), que adotou o sinônimo autoconfiante Weegee – The Famous, é uma das posições incomuns na fotografia americana das décadas de 1930, 40 e 50. Ele ficou famoso por suas fotos noturnas de incêndios, acidentes e assassinatos, bem como por suas observações de moradores de rua e bandidos. Em 1910, a família de Zloczew, onde hoje é a Polônia, emigrou para a América. Depois de vários trabalhos não qualificados e em câmara escura, ele se tornou autônomo como fotógrafo de imprensa em meados da década de 30. Em 1938 foi o primeiro a receber o privilégio de ouvir oficialmente a rádio policial. Ele instala o dispositivo em seu carro e costuma estar na cena do crime antes da polícia. Ele monta uma câmara escura improvisada na traseira do carro, para que suas fotos sejam geralmente as primeiras a reportar assassinatos e homicídios culposos, incêndios e prostituição. Este tipo de trabalho fez dele um dos mais famosos cronistas visuais desta época brutal, que ainda era a preto e branco.
As imagens são caracterizadas por iluminação forte com imediatismo assustador e realismo drástico. Seu flash brilhante muitas vezes cria “figuras noturnas pálidas”, destacando visualmente a escuridão como seu principal horário de trabalho.
Em mais de 100 fotografias, a exposição apresenta este realista, que foi uma figura exemplar e formativa para muitos fotógrafos, realizadores e cineastas subsequentes. Weegee chamou sua primeira exposição durante sua vida de “Assassinato é problema meu”. Além de imagens de cenas de crimes e perpetradores, o programa de Oberhausen também reúne imagens de celebridades e estrelas como Jackie Kennedy e Salvador Dali.

Cornelia Funke é uma das grandes contadoras de histórias alemãs - tanto com palavras como com caneta. A ilustradora formada começou sua carreira com desenhos para textos de outras pessoas, depois rapidamente percebeu que poderia inventar histórias tão bem (ou melhor!) e passou cada vez mais a escrever. Suas próprias histórias começaram no final da década de 1980 com No Cookie for Goblins e outros livros infantis. Séries como Ghostbusters ou The Wild Chickens fizeram dela uma favorita do público jovem. Tornou-se conhecida internacionalmente com O Senhor dos Ladrões e finalmente a trilogia sobre o mundo da tinta.
Embora ela tenha limitado seu desenho em favor da escrita nos últimos anos, os originais mostram claramente como ela é uma inventora imaginativa de imagens. As primeiras ilustrações são geralmente fortemente coloridas e ricas em figuras; nos livros posteriores, elas são frequentemente limitadas a - muito finos - desenhos em tinta preta ou giz ou grafite que introduzem os capítulos. A pátria adotiva da América, o nativo de Dorsten, é refletida visualmente em alguns de seus desenhos mais recentes.
Pela primeira vez é apresentado o trabalho gráfico de Cornelia Funke, desde os primórdios até os trabalhos mais atuais de Reckless, acompanhado de um extenso catálogo. Aqui fica claro que Cornelia Funke é um dos raros talentos duplos que leva as pessoas a novos mundos de uma forma imaginativa e original através de palavras e imagens. Ela não só inspira crianças e jovens, mas também cativa o público adulto. Numerosas adaptações cinematográficas de seus livros abrem novos mundos de imagens neste meio.

Os personagens de Ulf K. são estranhos adoráveis ​​que acreditam em sua própria imaginação. Suas histórias contagiam você com um fascínio difícil de resistir.
O desenhista e ilustrador, nascido em Oberhausen em 1969 com seu nome verdadeiro Ulf Keyenburg, é um dos mais renomados da Alemanha. Em 2004, Ulf K. recebeu o Prêmio Max e Moritz como o melhor artista de quadrinhos de língua alemã no Salão Internacional de Quadrinhos de Erlangen. Suas publicações aparecem em todo o mundo.
Ulf K. foi particularmente influenciado pelos quadrinhos franco-belgas, como Tintim de Hergé, mas rapidamente desenvolveu seu próprio estilo. Seu estilo é altamente reconhecível graças às linhas claras e reduzidas e à coloração monocromática plana na tradição da ligne claire.
Seus quadrinhos muitas vezes espalham um clima levemente mórbido a melancólico ou até mesmo têm a morte como personagem principal, como no recentemente reimpresso Tango da Morte (2000/2012). Muitas vezes são temperados com uma pitada de humor negro.
Ele cria histórias ilustradas e também que funcionam sem palavras. O espectro varia de quadrinhos para adultos a livros infantis e escolares, até livros ilustrados para faixas etárias de dois a quatro anos.
A mostra apresenta a obra na íntegra com mais de 200 originais coloridos, desenhos à mão e esboços. Ambos os primeiros desenhos e o álbum de quadrinhos são mostrados O parasita lunar, publicado pela própria empresa em 1998, bem como a série de livros infantis atualmente produzida pela Gerstenberg Verlag.

Marilyn Monroe é uma das mulheres mais fotografadas do mundo. Ela foi descoberta como modelo desde cedo. Em 1949, Tom Kelley capturou os encantos da jovem Marilyn, que, no entanto, não foram transmitidos até um calendário de grande sucesso em 1952. Em 1953, uma das fotos chegou a aparecer na página central da primeira edição da Playboy.
Milton H. Greene conheceu Marilyn este ano. Os dois se tornaram amigos íntimos por alguns anos e fundaram a empresa conjunta Marilyn Monroe Productions Inc. Em 1953, Greene foi contratado para fotografar Marilyn para a edição de Natal da Look. Inúmeras outras fotos seriam criadas até o contato ser interrompido em 1957, provavelmente na época de seu casamento com Arthur Miller.
O foco da exposição são as fotografias tiradas por Bert Stern, que em 1962, poucas semanas antes da morte de Marilyn, realizou um ensaio fotográfico para a Vogue intitulado A última sessão ficou conhecido. As fotos de Stern apresentam Marilyn com uma densidade assustadora e, às vezes, com grande intimidade. A foto final desta sessão, tirada pelo assistente de Stern, Leif-Eric Nygård, completa a série.
A revista Cosmopolitan também se interessou pela atriz no verão de 1962. George Barris realiza em seu nome um ensaio fotográfico de três dias na praia de Santa Monica, cujas fotos podem ser vistas com o suéter de lã. E, finalmente, as fotos de Allan Grant para a revista Life estão entre as últimas fotos de Marilyn e são representadas aqui com um exemplo proeminente.
Uma exposição em colaboração com Ina Brockmann e Peter Reichelt, Mannheim.

Será privado! – A LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen ousa dar uma olhada na sala, na cozinha, no banheiro e também no quarto. Vivendo na região do Ruhr, muitas pessoas ainda pensam nos assentamentos de trabalhadores e no barroco de Gelsenkirchen. Esta mostra mostra como artistas diversos e multiculturais veem a metrópole do Ruhr. Não é a abordagem histórico-cultural que interessa, mas sim a visão artística através e por trás dos buracos da fechadura.
Salas cheias e salas vazias, salas projetadas por pessoas e aquelas nas quais os objetos parecem desenvolver vida própria, tudo isso pode ser observado de maneiras às vezes estranhas. Anna e Bernhard Blume estão fazendo experiências Casado em casa. Julia Arztmann e Barbara Deblitz confundem as pessoas com objetos misteriosos do suposto cotidiano. Mischa Kuballs Novo pote e a série Nachbarschaft de Sebastian Mölleken e Oliver Blobel examinam o tema do lar. Laurenz Berges e Jörg Winde, por outro lado, enfrentam o abandono e o vazio.
E também no meio cinematográfico – em cooperação com o Festival de Cinema blicke da região do Ruhr – surgem novos insights sobre o que parece familiar. A União Cultura na torre está trabalhando em uma instalação feita especificamente para a exposição.

Utilizando a melhor técnica de escultura, o sapo de marfim revela a sua mensagem assustadora: a transitoriedade da vida, a decadência da carne. Vermes abundantes testificam da pecaminosidade do homem. Sapos e cobras representam criaturas infernais, as moscas - coisa do diabo - tomam até o lugar do coração. O corpo está embutido em uma caixa decorada com incrustações em marfim e ébano, que permite a visão através das paredes laterais vazadas mesmo com a tampa fechada. A exposição do gabinete é dedicada a esta obra única de cultura da memória da coleção Peter e Irene Ludwig.
A preciosa criança em marfim é complementada pela representação tridimensional da Dança da Morte de Basileia. As chamadas figuras de Zizenhausen, pequenos grupos escultóricos feitos de barro, mostram vividamente aquela que é provavelmente a mais popular e conhecida das danças medievais da morte. A morte não para nem no rei nem no monge, nem na duquesa nem no pintor.
Numerosos gráficos, incluindo os de artistas como Albrecht Dürer, Hans Holbein, Hendrick Goltzius e Marco, mostram o quanto as pessoas no início do período moderno e nos séculos seguintes estavam preocupadas com os temas da morte e da redenção, da condenação e da ressurreição e como isso foi refletido nas imagens Dente ou Matthias Merian. O ossinho maravilhoso encontra aqui seu contexto mórbido.
A exposição foi realizada em cooperação com o Museu Schnütgen em Colônia, o Museu Suermondt-Ludwig em Aachen e a Coleção Gráfica do Homem e da Morte da Universidade Heinrich Heine em Düsseldorf.

As mentiras do capitão de pelo azul são tão lendárias quanto o comportamento politicamente incorreto do garoto que já tem o babaca no nome. E com o personagem Adolf, o porco nazista, ele quebra o último grande tabu: Walter Moers, ilustrador e autor de exuberante engenhosidade. Moers vive a sua imaginação ilimitada no seu novo continente, a que chama Zamonia e que povoa com muitas formas diferentes de existência, como Ciclídeos e Eydeetes, Fhernhachen e Wolpertingers, Buchlingen e Larvas de Tubarão ou Arranhões e Sustos. Um universo de uma turma especial que elegeu a literatura e a leitura, o jogo com palavras e frases, como um dos seus temas principais. As imagens deste reino de fantasia idiossincrático fornecem uma visão profunda da imaginação do autor de duplo talento e, tal como os seus textos, mostram um vasto repertório de conhecimento histórico e literário da arte.
Walter Moers já demonstrou grande interesse em fiar lã de marinheiro com um de seus primeiros personagens, o vovô urso azul e seus três netos para o show do rato. Além desses trabalhos para a televisão, Moers ficou conhecido por seus quadrinhos, principalmente The Little Asshole. Um estilo de desenho reduzido com narizes enormes é a marca registrada de Moer. No final da década de 1990 afastou-se dos quadrinhos, apenas Adolf - The Bonker foi desenhado depois, acompanhado de um videoclipe.
Pela primeira vez, uma exposição é dedicada à obra do ilustrador e autor Walter Moers, nascido em Mönchengladbach em 1957, em todas as suas facetas. Bem mais de 200 obras na forma de desenhos, esboços, pinturas, esculturas, bonecos e filmes, incluindo obras inéditas, apresentam um dos criadores de histórias mais importantes da Alemanha em sua amplitude midiática.

O conhecido fotógrafo Magnum Elliott Erwitt, nascido em 1928, mostra uma visão geral de seu trabalho na LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen. Cães e crianças, grupos e pessoas nuas, museus e paisagens – ninguém está a salvo do seu olhar irônico e bem-humorado. Em quase 140 fotografias, a exposição dá uma visão de todas as fases da obra. Estão representadas as conhecidas fotos de cães que se tornaram ícones da fotografia, bem como assuntos que ainda estão por ser descobertos. O fato de os latidos amigos de quatro patas desempenharem um papel muito especial em sua obra foi - além da preferência pessoal de Elliott - baseado em uma encomenda para uma série de moda sobre calçados femininos. Ele decidiu tirar as fotos da perspectiva dos cachorros, já que ninguém veria tantos sapatos quanto os cachorros.
“Estou falando sério sobre não ser sério”, diz Erwitt sobre si mesmo. Pessoas e animais são o foco de seu trabalho. Inúmeras viagens o levaram ao redor do mundo, e suas fotos de reportagem ainda moldam nossa visão dos acontecimentos históricos até hoje. Em 1953 ingressou na agência Magnum, cofundada por Robert Capa, da qual mais tarde se tornou presidente. Ele já foi representado com três fotos na lendária exposição fotográfica de Edward Steichen, The Family of Man, em 1955, no Museu de Arte Moderna de Nova York. Numerosas exposições e, sobretudo, vários livros ilustrados sobre o seu tema foram organizados pelo americano nascido na França com pais russos. Além da fotografia livre, que Erwitt chama de “fotos pessoais”, e de inúmeras reportagens, o velho mestre do preto e branco também teve uma influência duradoura na fotografia de moda e publicidade.
Em colaboração com Magnum Photos.

O foco deste show de altíssima qualidade é o chamado castiçal ou lustre feminino da coleção Peter e Irene Ludwig. Provavelmente criado no norte da Suíça por volta de 1540, vem da prefeitura de Rapperswil ou pendurado na casa dos clientes, Thüring Göldlin e Margareta Muntprat. Cercada pelos orgulhosos chifres de um veado de quatorze coroas com brotos de gelo, a figura segura o brasão da aliança do casal.
Numerosos empréstimos valiosos ilustram o contexto da peça. Pela primeira vez em mais de 20 anos, o delicado desenho de um lustre de dragão de Albrecht Dürer estará em exibição ao lado da versão executada por Veit Stoss. Um dos mais jovens castiçais femininos sobreviventes e um castiçal masculino tardio, juntamente com outras esculturas, pinturas e gráficos, ilustram a estrutura dupla única da coisa natural e da obra de arte deste gênero maravilhoso.
A exposição foi criada em cooperação com o Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen

A LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen apresenta Janosch, um dos ilustradores e contadores de histórias mais importantes e populares da Alemanha. Em uma mostra bastante extensa com mais de 200 obras, o artista se apresenta em aquarelas originais, guaches, rascunhos e águas-fortes. Os designs deixam claro o quão intimamente as imagens e as histórias estão interligadas. Eles fornecem uma visão aprofundada do processo criativo artístico do narrador de renome internacional com a caneta de desenho.
Janosch, nascido Horst Eckert na Alta Silésia em 1931, publicou mais de 300 livros (infantis) que foram traduzidos para 40 idiomas. Portanto, pessoas grandes e pequenas estão muito familiarizadas com seus tigres, ursos e leões. Urso e Tigre não só nos mostraram o que é coragem e que o Panamá pode estar à nossa porta, mas também como é importante a amizade. As histórias de Schnuddel, Kasper Mütze e Günter Kastenfrosch contêm mensagens que não apenas incentivam as crianças a pensar de forma lúdica. Janosch consegue transmitir valores entre gerações, estimulando a imaginação e fazendo rir.
No entanto, longe do Panamá, existem outros mundos na sua obra que até agora são menos conhecidos. Janosch aborda fortemente as críticas à instituição da Igreja e mostra a relação entre homens e mulheres em representações exageradas. Quando o real e o fantástico se fundem no universo do Panamá e nos outros mundos, o fenômeno Janosch só se torna claro na sua totalidade.

Nesta apresentação inusitada, a Galeria Ludwig apresenta uma extensa exposição sobre o uso artístico da mesa para o ano 2010 Capital da Cultura. As coleções internacionalmente ramificadas e de alta qualidade de Peter e Irene Ludwig constituem o ponto de partida. Um panóptico de mesas revela perspectivas inusitadas. Vasos antigos, mesas medievais (altares) ou naturezas mortas do século XVII confrontam-se com tendências dos séculos XX e XXI. Com, próximas e umas contra as outras, as posições demonstram uma ampla variedade de abordagens. Não há exploração histórico-cultural da cultura da mesa, mas sim uma visualização de conexões internas, que inicialmente muitas vezes parecem muito diferentes;
O objeto cotidiano da mesa é aqui utilizado pela primeira vez para apresentar abordagens artísticas, algumas das quais mostram grandes distâncias e outras surpreendentemente próximas. Enquanto a cadeira é e foi o objeto de design por excelência, a mesa desempenha um papel mais auxiliar e incidental. E ainda assim combina muito em si e em si. A natureza morta é o único gênero que faz dele o protagonista principal. Caso contrário, talvez seja precisamente a casualidade do seu comportamento que diferencie a mesa. É a primeira vez que uma exposição aborda este tema através do tempo e do género e utiliza obras-primas da Coleção Ludwig para procurar a estrutura interna, a essência das possibilidades fundamentais.
A gama de tensões se estende desde os serviços decorativos em porcelana fina da Coleção Ludwig até os de Renato Guttuso Refeição fúnebre, que une Picasso e seu mundo. As latas de sopa Campbell's pertencem à mesa tanto quanto os grandes skyphos antigos ou a tigela do sótão. As ações rituais (mesa do altar) desempenham um papel semelhante ao das áreas cotidianas. David Hockney dá uma visão do seu estúdio de desenho, Albrecht Dürer apresenta a câmara de estudos de São Jerônimo.

O nariz bulboso é a sua marca registrada, a observação da interação (homo)erótica é o seu conteúdo: a Galeria Ludwig dedica a primeira grande e abrangente exposição a Ralf König. Munido de prêmios internacionais - seus quadrinhos foram traduzidos para 15 idiomas - agora pode ser vista pela primeira vez uma visão geral de sua obra em originais.
Homens comoventes e éguas, bolos de creme e rolinhos de limão brincam em suas histórias e fizeram de Ralf König não apenas o mais importante quadrinista alemão, mas também a mais importante figura de simpatia no movimento gay. “The Moving Man” o tornou conhecido por um público mais amplo e cada vez mais heterossexual em 1986. Seus quadrinhos foram transformados em filmes ou apresentados com sucesso como shows de marionetes. König recorreu repetidamente a material literário clássico, como “Lisístrata” – baseada em Aristófanes ou “Iago” – baseada em Shakespeare. Ele abordou o tema AIDS em Superparadise Side Effects. E em 1993 ele também colocou sua própria (curta) biografia em uma história desenhada atrevidamente... e fez isso com a mão esquerda.
In Prototyp e Arquétipo, seus dois livros mais recentes, ele fornece informações sobre a história bulbosa da criação, bem como a construção e a atividade ao redor e na Arca de Noé. Aqui ele volta-se para o tema da religião e trata as histórias da Bíblia de uma forma muito idiossincrática. König comentou criticamente a controvérsia dos desenhos animados e o Islã e, assim, tomou uma posição clara a favor da liberdade de expressão e da liberdade de imprensa. Em 2006 recebeu o “Prêmio Max e Moritz” em Erlangen. Além das histórias em quadrinhos, serão exibidas obras em grande formato de Ralf König, muitas delas criadas especificamente para a apresentação de Oberhausen.

Georg Baselitz, Markus Lüpertz e AR Penck estão sem dúvida entre os mais importantes protagonistas da pintura na Alemanha. Nas últimas décadas, as suas imagens moldaram e continuam a moldar as artes visuais, mesmo fora da Alemanha. Peter e Irene Ludwig adquiriram os primeiros desenhos dos três artistas para sua coleção, que traçam o desenvolvimento que levou Baselitz, Lüpertz e Penck aos seus temas e formas.
No final da década de 1950, Baselitz afastou-se das formas gestuais e voltou-se para a figura. Pessoas de aparência quase orgânica e partes individuais do corpo caracterizam esta fase. Os heróis e “caras novos” se juntam, atingindo um clímax programático com os “grandes amigos”. No final da década de 1960, Baselitz começou a girar seus motivos.

Com o ditirambo, Markus Lüpertz introduziu na arte em 1964 uma forma que, devido ao seu efeito extremamente físico, sugere associações representacionais, mas não pode ser atribuída objetivamente. Seus desenhos mostram o caminho até lá. Outros grupos ilustram o desenvolvimento de seus conhecidos objetos pictóricos. Manto, capacete, caracol, dragão e peixe povoam os desenhos, as “imagens de estilo” caracterizam a sua própria forma.
E o desenvolvimento do sistema de desenho de AR Penck também pode ser visto na coleção de desenhos da Coleção Ludwig. Mesmo nas primeiras imagens de sistema, Penck estava interessado na importância dos sinais na transmissão de informações.
A exposição, criada em cooperação com o Fórum Ludwig para Arte Internacional e a Fundação Ludwig em Aachen, fornece a primeira visão do acervo gráfico internacional da Coleção Ludwig da Europa Ocidental e Oriental, bem como da Ásia e Cuba.

“O oitavo de segundo me parece um piscar de olhos na fotografia clássica”, diz Jim Rocket, um dos mais famosos fotógrafos alemães. Ele tira seus retratos com uma câmera plana, técnica dos primórdios da fotografia. Nos impressionantes retratos, o berlinense oferece uma visão do mundo do cinema e da música, da arte e da dança, da literatura e da política.
“Estranhos Familiares” são retratados nos retratos, cuja lista de nomes parece um quem é quem na vida pública. É importante para Rocket capturar seus protagonistas na foto sem maquiagem e como seres humanos. Heino Ferch, relaxado com uma xícara de café, Christiane Paul, grávida na agitada estação de trem, ao lado de Helmut Schmidt com o inevitável cigarro. O artista Jörg Immendorff cheira um cravo num gesto melancólico.
A cena musical, na qual Jim Rocket desempenhou um papel fundamental na formação como empresário, não é representada apenas por Nena e Ulla Meinecke, mas também por Lua de Prata e Nós somos heróis. Algumas das raras fotografias coloridas, mostrando Nadja Auermann e Polina Semionova, esclarecem esta parte de seu trabalho. O amor oculto de Rocket pelos coelhos não é visível apenas na contracapa do livro de fotografia de mesmo nome.
A LUDWIGGALERIE Schloss Oberhausen mostra cerca de 130 desses impressionantes retratos. As imagens são uma rápida passagem por pessoas influentes em muitas áreas da vida (música, cinema, política e esportes, arte) com uma câmera muito lenta (placa), de acordo com Jim Rocket. Foi criada uma homenagem à fotografia em prata, cuja era está actualmente a chegar ao fim. Para dar uma impressão da atmosfera simples de trabalho deste tipo de fotografia, a exposição apresenta uma situação de estúdio onde também podem ser vistos a fiel câmera de chapa, o fundo amassado de muitas fotos e algumas chapas originais.

A imagem do homem sofreu uma intensa transformação desde a modernidade. As vanguardas lidam com formas inovadoras de representação e abrem novos caminhos. A exposição lança luz sobre esse fenômeno. Começando com a primeira obra-prima de Edvard Munch, Madonna, o arco se estende aos ícones pop de Andy Warhol.
As figuras de dança de Ernst Ludwig Kirchner desenvolvem seus intrincados ritmos, as figuras dos artistas de Brücke como Heckel, Schmidt-Rottluff, Pechstein e Müller diferenciam formas de representação. Nolde, Kandinsky, Dix e Beckmann introduzem uma visão diferente da humanidade, assim como os atos lascivos de Egon Schiele.
Picasso criou novas formas de imagem humana numa ampla gama, desde a refeição austera até aos quadros de malabaristas, as suas obras vão desde o estilo prismático do cubismo às variações históricas até às impressões experimentais de linhas brancas. Vários retratos de seus parceiros fornecem informações sobre relacionamentos privados.
Os ícones pop de Andy Warhol marcam um ponto final artístico na estilização da imagem humana no século XX. Além de ingressos, flores e vacas, a figura domina como objeto de arte digno de exibição. Warhol influenciou significativamente a nossa visão de ícones do cinema como Marilyn Monroe, Liz Taylor e Jane Fonda.
Em estampas coloridas, parcialmente em grande formato, estampas de teste e peças únicas, a exposição mostra as mudanças de figura a ícone em imagens magistrais e impressiona pela imagem da humanidade no século XX nos três andares da Galeria Ludwig.

Há fotografias de Thomas Hoepker que estão firmemente ancoradas na nossa memória visual: a fome na Índia (1951), os leprosos na Etiópia (1963), o Boxidol Muhammad Ali (1966), o treino de recrutamento dos fuzileiros navais dos EUA (1970) e Nova Iorque em 11 de setembro de 2001. Essas imagens não pretendiam apenas ilustrar o texto, mas faziam parte de emocionantes reportagens fotográficas de várias páginas, cuja vivacidade cresceu inteiramente a partir da expressividade visual das fotografias.
O que ainda hoje nos impressiona nas fotos de Hoepker é o seu “olhar humano”. Ele não é um repórter fotográfico sensacionalista, mas um observador curioso e sensível. As fotografias de Hoepker inscrevem-se na tradição da “fotografia de interesse humano”, à qual associamos os nomes Dorothea Lange, Robert Frank, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, entre outros, cuja atitude fotográfica ficou particularmente evidente no trabalho da lendária agência fotográfica MAGNUM, da qual Hoepker é membro desde 1989.
A retrospectiva de Thomas Hoepker mostra não só a curiosidade e a intensidade com que se envolveu repetidamente nos dramas humanos dos acontecimentos mundiais, mas também como procurou as formas de expressão mais adequadas para as diversas tarefas fotográficas.
A exposição foi desenvolvida por Thomas Hoepker em colaboração com a MAGNUM Photos Paris e o Photo Museum do Museu da Cidade de Munique.

A quebra descarada de tabus, a zombaria cáustica, a luxúria carnal desenfreada e a sensualidade barroca são marcas registradas do satírico austríaco Manfred Deix. Mal-humorados, pomposos e mesquinhos, seus personagens caricaturam o “sentimento popular saudável”. Políticos, policiais, padres, pederastas, pervertidos, prostitutas, turistas, estrangeiros, desempregados e neonazistas – encontramos todos eles em seu vasto cosmos de imagens.
Ao olhar para essas fotos da exposição, você inicialmente pensa que os personagens que ele desenhou são monstruosas invenções da sua imaginação, até que mais tarde você se surpreende ao perceber que todas as pessoas na rua realmente parecem ter sido desenhadas por Deix. “A sátira da nossa realidade”, diz Deix, “há muito ultrapassou a imaginação de um caricaturista”. Ele, portanto, não se vê como um “exagerador”, mas sim como um “bonito” e “trivial” da sátira real cotidiana. – como um ilustrador que “gosta de “quero espalhar um pouco de beleza entre as pessoas”.
A Galeria Ludwig exibe 200 desenhos originais de Deix – incluindo sua nova biografia de Arnold Schwarzenegger “The Naked Truth”.
A exposição foi criada em colaboração com o Caricature Museum Krems e o Wilhelm Busch Museum Hanover.

Foi Wilhelm Busch, acima de tudo, quem ensinou as imagens a andar com suas lendárias histórias ilustradas de Max e Moritz, a piedosa Helene, Plisch e Plum, Hans Huckebein, Fips, o Macaco e outros. O que nos fascina até hoje nos quadrinhos “Little Nemo” de Winsor McCay e nos primeiros filmes da Disney “Silly Sinphonies” – este mundo comovente de imagens foi inventado por Wilhelm Busch. Ele não tentou mais expressar suas histórias em uma imagem como os artistas antes dele, mas as contou em uma sequência de imagens cuja dramaturgia furiosa atrai o espectador de forma quase sugestiva para os eventos: ponto de vista e perspectiva em constante mudança, plano geral e close-up. up, a obsessão pelo detalhe e a violência das suas linhas dinâmicas.
Sua pintura também era absolutamente moderna. Franz Marc chamou Wilhelm Busch de “o primeiro futurista” porque com suas pinceladas furiosas ele tirou qualquer estabilidade interna das imagens e as transformou em um corpo colorido em movimento.
Suas pinturas não idealizam, mas caricaturam, deformam, distorcem e pervertem o ideal e expõem o bom ao ridículo. “Heart Pain and Nose Pain” mostra que a caricatura prospera com malícia, rancor e alegria maliciosa.
Além das obras-primas de Wilhelm Busch, são mostradas obras de: Callot, Carracci, Gillray, Rowlandson, Hogarth, Grandville, Toepffer, Dirks, McCay, Disney, Heine, Flora, Pericoli, Searle, Sempé, Topor, Ungerer e outros.
Parceiro de cooperação da exposição: Wilhelm-Busch-Museum Hanover

A exposição permite vivenciar a fascinante diversidade das relações entre o mundo das formas da natureza e da arte. As pedras de mais de 2 bilhões de anos e as fotografias de Albert Renger-Patzsch, Alfred Ehrhardt e Karl Blossfeldt mostram: A natureza e a arte são igualmente permeadas pelas forças do design criativo.
“Living Stones” começa com um prólogo histórico-cultural: cruz medieval de cristal de rocha e degrau de cristal de rocha, pedras de antigos estudiosos chineses e formas de pedra bizarras. A combinação de importantes obras de arte e pedras preciosas da Coleção Ludwig torna visíveis as diferenças na compreensão da natureza na Europa e no Extremo Oriente.
A última obra “Rock”, de Albert Renger-Patzsch, composta por 64 fotografias, mostra o ciclo de crescimento e decadência que ocorreu ao longo de milhares de milhões de anos – as “fases de crescimento” das rochas da Terra. As fotografias de Renger-Patzsch, Blossfeldt e Ehrhardt contrastam emocionantemente com as descobertas rochosas e cristais únicos. Como outras obras de arte, as pedras expostas são preciosamente apresentadas como formas criativas da natureza. À medida que o observador penetra sua beleza com todos os sentidos, as pedras começam a contar uma história. Porque cada um deles tem sua própria biografia, como o grande meteorito de ferro-níquel que caiu na Terra há 30000 mil anos, que vem do cinturão de asteróides entre Marte e Júpiter e nasceu com o sistema solar há 4,5 bilhões de anos.
A exposição foi criada em cooperação com o Ruhrmuseum Essen, a Coleção Ann e Jürgen Wilde, Zülpich e a Fundação Alfred Ehrhardt, Colônia. Os credores das obras histórico-culturais são: Museu de Arte do Leste Asiático, Colônia, Museu Schnütgen, Colônia, Suermondt-Ludwig-Museum, Aachen.

A exposição mostra obras de três coleções de arte únicas: fotografias de Karl Blossfeldt da Coleção Ann e Jürgen Wilde, Zülpich, capitéis de flores românicas do Museu Schnütgen, Colônia e livros de plantas antigas da Biblioteca Estadual de Bamberg. Tão diverso quanto o material em que estas representações foram formadas por artistas, artesãos e cientistas ao longo de um período de quase 1000 anos, todas elas cantam louvores aos poderes criativos da natureza.
Karl Blossfeldt fotografou o mundo das plantas com ampliação de 2 a 40x para ilustrar que a história da arte cresceu a partir das formas da natureza: a foto da samambaia de avestruz e de um cajado de bispo dourado, a folha da saxifrage e uma rosácea gótica, um acantus planta e uma tapeçaria medieval.
Pela primeira vez, as fotografias de Blossfeldt podem ser vistas nesta exposição juntamente com capitéis românicos dos séculos X a XIII. Por mais de 10 anos, uniu o espanto e a curiosidade de artistas e cientistas pelas forças criativas da natureza.
Nos antigos livros de ervas e plantas, cada planta é representada com precisão em palavras e imagens e seu uso como alimento, remédio ou veneno é descrito, mas ao mesmo tempo as ilustrações sempre tentam representar a planta como uma criação única de uma forma digna e maneira magnífica. Esses artistas e cientistas estavam igualmente preocupados com o conhecimento e a edificação.

A exposição apresenta 130 obras-primas de artesanato abrangendo 5000 anos das coleções de Peter e Irene Ludwig, bem como de outros importantes museus e coleções particulares. A antiga urna infantil egípcia, a ânfora de barriga grega, o vaso de doações iraniano, o vaso de figuras pré-colombianas, a antiga ânfora chinesa, a cabaça coreana, o cálice medieval. O fascínio pelas obras-primas do artesanato expostas na exposição torna compreensível que estas embarcações tenham sido outrora forças misteriosas, vivificantes e destruidoras de vida, em cujas formas antropomórficas, zoomórficas, biomórficas e geomórficas estavam encerradas as energias da natureza e da humanidade. Uma visão de mundo panteísta permeia Mundo dos navios, que foi esquecido nos tempos modernos, assim como o papel central que os navios desempenharam na cultura e na arte matriarcal.
Desde então, o navio passou por uma variedade de metamorfoses. A porcelana e a faiança únicas de Meissen, Delft e Estrasburgo mostram como, no esplendor do barroco e do rococó, o vaso como símbolo universal da criatividade tornou-se uma decoração de mesa galante e delicada da mais alta arte.
Obras-primas da cerâmica de Pablo Picasso estão no final da exposição. Após o movimento de reforma Art Nouveau, deu um contributo significativo para dar um novo impulso à cerâmica, que se desvaneceu nas artes decorativas no século XIX.

A exposição mostra Oberhausen de uma forma que ninguém espera de uma cidade industrial: edifícios administrativos e residenciais erguem-se num mar de árvores - como num parque; Avenidas com árvores preciosas permeiam a cidade como uma rede de veios verdes. O que foi criado no centro de Oberhausen entre 1900 e 1930 foi a concretização de uma grande utopia urbanística da arquitetura moderna: o próprio centro da cidade foi transformado num parque.
Naquela época, o arquitecto urbano Ludwig Freitag não só conseguiu inspirar os melhores arquitectos das escolas de Berlim e Darmstadt a criar obras-primas da arquitectura expressionista de tijolos, mas estes edifícios cresceram juntamente com os parques e avenidas arborizadas para formar um todo único. com movimentos rítmicos fascinantes.
A restauração da histórica cidade-parque de Oberhausen também olha para um futuro distante: a cidade-parque foi desenvolvida com o objetivo de criar um “corpo urbano saudável com uma rede de avenidas radiantes e espaços verdes como artérias e pulmões poderosos”.

Gerhard Haderer desenha semanalmente suas fascinantes caricaturas para as revistas “Stern” e “Profil” há mais de dez anos. Haderer não se considera um caricaturista, mas sim um realista. Com os seus poderes de observação meticulosamente precisos, ele mostra-nos como realmente somos ou, mais precisamente, o que o nosso esforço para sermos contemporâneos, em forma e dinâmicos fez aos nossos rostos e corpos, às nossas almas e ao nosso ambiente.
Tudo começa sempre tão bonito: a superfície brilhante cheia de detalhes preciosamente pintados quase nos atrai para os seus quadros. Mas Haderer não nos permite ficar confortáveis ​​ali. A vontade de olhar logo se transforma em arrepio, porque o que ele desenha com tanto carinho Biedermeier revela, olhando mais de perto, ser a loucura frenética e cotidiana da nossa realidade: loucura pela beleza, loucura pelo fitness, estresse das férias, aconchego familiar, vício em comida, vício em TV, mania de celular, obsessão por tecnologia, desejo por escândalo, desejo por dor, destrutividade, gigantomania e egomania. Os desenhos de Haderer nos mostram não como vítimas lamentáveis, mas como jogadores fanáticos que contribuem com entusiasmo com toda a sua energia vital para esta loucura diária. Os desenhos de Haderer mostram que a visão de Neil Postman de “Estamos nos divertindo até a morte” não é mais uma profecia, mas uma realidade.
A exposição mostra 140 desenhos e caricaturas originais, incluindo a história ilustrada “A Vida de Jesus”, que causou um escândalo na Áustria no ano passado por “ferir sentimentos religiosos”. A exposição foi criada em cooperação com o Museu Wilhelm Busch em Hanover.

Nadja Auermann, Milla Jovovich, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Tatjana Patitz, Kristen McMenamy, Amber Valletta e Marie-Sophie Wilson são algumas das supermodelos e estrelas que Peter Lindbergh transformou em ícones do nosso tempo em suas fotografias. O que no passado era adorado e amaldiçoado como deusas, santos e amazonas, bruxas e fadas, Peter Lindbergh renasceu na forma de suas supermodelos através de sua imaginação fotográfica. A natureza misteriosa e esfinge das suas imagens de mulheres é a sua contradição interior: mulheres fortes que são ao mesmo tempo frágeis. No último livro de Lindbergh, “STORIES”, que deu título à exposição, Wim Wenders descreve essas mulheres como fortes, mas desprotegidas, cheias de devoção, mas intocáveis, familiares e estranhas ao mesmo tempo. Utilizando os meios expressivos da fotografia de moda, Peter Lindbergh encena suas histórias nos lugares mais inusitados do mundo. Ele deixa seus modelos atuarem em meio aos enormes cenários industriais das siderúrgicas de Duisburg, aos maciços rochosos irregulares de Zabriskie Point, aos desfiladeiros urbanos de Manhattan e às praias desertas da Califórnia. São paisagens apocalípticas que, pela artificialidade das criaturas que nelas se desenrolam, tornam-se cenário de mitos modernos reais e de contos de fadas. O foco da exposição é a história "Invasão" de Peter Lindbergh, um fantástico apocalipse moderno sobre a chegada de alienígenas ao planeta Terra.
“STORIES” é a exposição mais abrangente de Peter Lindbergh até hoje. As 204 fotografias, em sua maioria de grande formato, são mostradas pela primeira vez nesta exposição junto com seus expressivos documentários, como o filme sobre Pina Bausch, e seus impressionantes anúncios comerciais.

A exposição mostra pela primeira vez obras-primas da arte chinesa antiga e contemporânea. Torna perceptível o campo cultural de tensão em que a cultura chinesa opera hoje: entre a arte milenar e inspiradora que cresceu a partir das forças da tradição e uma revolução cultural impulsionada pelas energias intensas do progresso económico, que põe em causa todas as ideias tradicionais de valor e beleza proporcionam.
Obras únicas, como o carrilhão de nove peças do período Zhou (século VIII a.C.) e o grupo de camelos de cerâmica da Dinastia Tang (século VIII d.C.) mostram que a antiga arte chinesa através da mais elevada internalização espiritual, bem como de uma expressividade emocionante. Tocar nesta exposição estas obras de arte de diferentes milénios pode, portanto, ajudar a nós, europeus, a compreender melhor as enormes contradições entre tradição e modernidade que hoje ocorrem na China.
A exposição foi criada em colaboração com o Museu de Arte do Leste Asiático de Colônia, o Museu Ludwig de Colônia, o Fórum Ludwig de Arte Internacional de Aachen e o Museu Nacional de Belas Artes da China, Pequim.

Em obras-primas de pintura, escultura, gráficos, cartazes e fotografia, encontramos imagens antigas e novas de deuses de uma ampla variedade de culturas: a rainha egípcia Nefertiti, o atleta olímpico, o Buda “iluminado”, a virgem sagrada, Afrodite e o A deusa indiana Sita, os cavaleiros medievais e o “aterrorizante” Fudó, mas também a talentosa atriz Sarah Bernardt, o “divino” Garbo, o ídolo do rock Elvis Presley e o superastro Michael Jackson.
Todos os deuses, heróis, ídolos, santos, bruxas, demônios são os modelos imortais que são ressuscitados no panteão da nossa cultura trivial moderna, o mundo cotidiano das imagens no cinema, fotografia, quadrinhos e televisão e em virtude de seus milhões de distribuição na comunicação eletrônica de imagens têm mantido seu fascínio ininterrupto na vida cotidiana das pessoas, despertam paixões, mantêm os demônios longe de nós, cumprem as expectativas de salvação, mantêm o acima e o abaixo, separam o bem do mal em um mundo em que o céu há muito foi despovoado pelos deuses e nos acostumamos a ver ações e experiências no ciberespaço como mais reais do que na vida cotidiana sem sentido.
A exposição foi criada em cooperação com o Antikenmuseum Basel and Ludwig Collection, o Ludwig Forum for International Art, Aachen, o Museum Ludwig Cologne, o Rautenstrauch-Joest Museum, Cologne, o Suermondt-Ludwig Museum, Aachen, e outros.